2020 / 3
Михаил Гаврилович Бирюков. Неизвестный портрет Светлейшего Князя Григория Александровича Потемкина-Таврического. 1789
Аннотация
В статье рассматривается портрет Светлейшего Князя Г.А. Потемкина, недавно обнаруженный профессором Ю.Ш. Абрамовым (Санкт-Петербург) и находящийся в его собрании. Портрет имеет надпись: «Копировалъ ученикъ 5-го возраста М. Бирюковъ. 1789 го Году». Михаил Гаврилович Бирюков (1 сентября 1770 – 12 июля 1809) – воспитанник Академии с 1776 года, ученик С.С. Щукина. В 1791 году вместе с Н.А. Синявским писал программу «представить в российском костюме женщину в упражнении пристойном ее полу» (не сохранилась). В том же году оставлен при Академии в качестве пенсионера. Дальнейшая судьба его неизвестна. В статье предпринята попытка определения автора оригинала, копированного М.Г. Бирюковым, которым, по-видимому, является живописец Г.А. Потемкина Михаил Шибанов.
Abstract
This article examines a portrait of Prince Grigorii Aleksandrovitch Potemkin, recently discovered by professor Yuri Schmavonovich Abramov (Saint Petersburg) and currently kept in his collection. The portrait bears a signature: “Copied by a 5th stage (5th “vozrast”) student M. Biriukov, in the year 1789”. Michael Gavrilovitch Biriukov (September 1st 1770 – July 12th 1809) studied at St. Petersburg Academy of Arts from 1776, under tuition of S.S. Shchukin. In 1791 he completed, together with a co-student N.A. Siniavski, an academic programme on the following subject: “present a female in Russian dress in the occupation suitable to her sex” (now lost). In the same year he was chosen to stay on at the Academy as a stipendiat (“pensionnaire”). His later life remains unknown. In an attempt to identify the author of the original, copied by Biriukov, this text suggests Michael Shibanov, the painter to Grigorii Potemkin, as a most likely candidate.
Для цитирования:
Моисеева С.В. Михаил Гаврилович Бирюков. Портрет Светлейшего Князя Григория Александровича Потемкина-Таврического. Россия. 1789 // Academia. 2020. № 3. С. 370-381. DOI 10.37953/2079-0341-2020-3-1-370-381
“Манера видеть и мыслить”: образцы Жозефа-Мари Вьена (1717–1809)
Аннотация
Статья посвящена педагогической практике и системе взглядов Ж.-М. Вьена, профессора французской Королевской Академии живописи и скульптуры и парижского наставника пенсионеров Императорской Академии художеств. На протяжении многих лет мастер стремился прививать своим ученикам индивидуальную манеру «видеть и мыслить», основывавшуюся, прежде всего, на постоянной работе с натуры. Внимательное изучение работ античных и Старых мастеров (вторая обязательная составляющая образовательного процесса) должно было, по его мнению, служить взращиванию творческой самостоятельности таланта. В статье предпринята попытка проанализировать, что именно вкладывалось Вьеном в понятие «образца»: произведения искусства, заслуживавшие первоочередного внимания; творцы, заложившие основные принципы воспитания художника. Верность своим взглядам послужила основой педагогического долголетия мастера, еще при жизни признанного «образцовым» наставником и «возродителем» французской школы живописи.
Abstract
This article is dedicated to the pedagogic practice and principles of J.-M Vien, a professor of the French Royal Academy of Painting and Sculpture, and the Parisian mentor of the stipendiats of the St. Petersburg Imperial Academy of Arts. Over the course of many years the artist strove to ingrain in his pupils a singular manner of seeing and thinking, based on incessant studies from nature. A thorough examination of classical and Old Masters’ artistic heritage – another essential part of the educational process – was called upon to develop a creative independence of talents. The author presents here an attempt to analyse what exactly Vien believed to be “exemplary”: works of art deserving of primary attention; the creators who charted out the fundamentals of the artistic upbringing. Staying true to his “principes positifs” led to Vien’s tutorial longevity and gained him, in his lifetime, the reputation of an “exemplary” teacher and the “reviver” of the French School of painting.
Для цитирования:
Марисина И.М. “Манера видеть и мыслить”: образцы Жозефа-Мари Вьена (1717–1809) // Academia. 2020. № 3. С. 352-369. DOI 10.37953/2079-0341-2020-3-1-352-369
От стажера к мастеру. Выставочные проекты творческих мастерских РАХ
Аннотация
Рецензия на альбом «Выставочные проекты творческих мастерских. Российской академии художеств (Москва)». 2015-2019. М., 2020. Издание, подготовленное руководителем направления Александром Трошиным, в качестве отчета о проделанной работе.
Abstract
Album review “Exhibition projects of creative workshops of the Russian Academy of Arts (Moscow) 2015–2019”, Moscow, 2020. The publication prepared by the Head of the Department – Alexander Troshin, as a report on the work done.
Для цитирования:
Толстая Н.В. От стажера к мастеру. Выставочные проекты творческих мастерских РАХ // Academia. 2020. № 3. C. 396–398. DOI: 10.37953-2079-0341-2020-3-1-396-398
Выставочные проекты творческих мастерских Российской академии художеств (Москва) 2015-2019
Аннотация
Художественные образы создают творцы – живописцы, скульпторы, архитекторы, декораторы… Их произведения влияют на эстетические и этические нормы, формируют историческую память человека, воспитывают категории сознания, которые объединяют нас как членов гражданского коллектива. Если художников лишить творческой производственной базы, разорвать звенья единой системы профессиональной подготовки, общество постепенно утратит параметры своей идентичности и родные художественные образы заменят чужие. Необходимость сохранения за Российской академией художеств целостной системы подготовки профессиональных художников наглядно подтверждает наш альбом.
Abstract
Artistic images are created by creator – painters, sculptors, architects, decorators… Their works influence aesthetic and ethical norms, form a person`s historical memory, educate categories of consciousness that unite us as members of a civil society. If artists are deprived of their creative production base, if the links of the unified system of professional training are broken, society will gradually lose the parameters of its identity and native artistic images will replace those of others. The need for the Russian Academy of Arts to preserve an integral system of training professional artists clearly confirms by our album.
Для цитирования:
Трошин А.А. Выставочные проекты творческих мастерских Российской академии художеств (Москва) 2015-2019 // Academia. 2020. № 3. С. 350–351. DOI 10.37953/2079-0341-2020-3-1-350-351
В традициях Серебряного века. Памяти Ольги Костиной (1947 – 2020)
Аннотация
Статья-воспоминание об искусствоведе Ольге Владимировне Костиной, благодаря подвижническому труду которой на протяжении трех последних десятилетий выходили в свет профессиональные периодические издания – журналы «Русская галерея», «Русское искусство», «Искусствознание», альманах «Панорама искусств».
Abstract
The article is dedicated to the memory of art historian Olga Kostina. In the course of the past three decades professional periodicals “Russian Gallery”, “Russian Art”, “Art Studies Magazine”, almanac “Panorama of Arts” have been published thanks to her valiant work and selfless attitude.
Для цитирования:
Толстая Н.В. В традициях Серебряного века. Памяти Ольги Владимировны Костиной (1947–2020) // Academia. 2020. № 3. C. 404–407. DOI: 10.37953-2079-0341-2020-3-1-404-407
Большой театр фотографа Косорукова. Выставка „Глеб Косоруков. Занавес“ в Музее Москвы
Аннотация
Обзор выставки фотографа Глеба Косорукова в Музее Москвы, подчеркнута актуализация фотографических практик в музейной деятельности, приведены исторические параллели и выявлено новаторство фотографического проекта Косорукова.
Abstract
Review on the exhibition of photographer Gleb Kosorukov in the Museum of Moscow treats the importance of updating the photographic practices within the museums. The review includes the historical parallels for Kosorukov’s work and underlines the innovation of his photographic project.
Для цитирования:
Чмырева И.Ю. Большой театр фотографа Косорукова. Выставка “Глеб Косоруков. Занавес” в Музее Москвы // Academia. 2020. № 3. C. 399-403. DOI: 10.37953-2079-0341-2020-3-1-399-403
2020 / 2
Князь Борис Николаевич Юсупов (1794–1849) и Иван Петрович Витали (1794–1855). Заказчик и скульптор. Новые материалы (по документам РГАДА)
Аннотация
Статья посвящена московскому периоду творчества скульптора Ивана Петровича Витали и его работам, выполненным по заказам князя Бориса Николаевича Юсупова. На основе впервые публикуемых архивных материалов реконструируется история создания в 1831–1833 годах надгробного памятника и посмертных скульптурных портретов его отца, князя Николая Борисовича Юсупова. Дается интерпретация созданного скульптором портретного образа и прослеживается его влияние на работы других художников.
Abstract
The article is devoted to the Moscow period of creative life of the sculptor Ivan Petrovich Vitali and his works commissioned by Prince Boris Nikolaevich Yusupov. The tombstone and posthumous sculpture images of commissioner’s father, Prince Nikolay Borisovich Yusupov, were created in 1831–1833 and its history has been reconstructed on the basis of unpublished archival materials. Apart from that the paper interprets the portrait image created by the sculptor, and traces its influence on works of other artists.
Для цитирования:
Савинская Л.Ю. Князь Борис Николаевич Юсупов (1794–1849) и Иван Петрович Витали (1794–1855). Заказчик и скульптор. Новые материалы (по документам РГАДА) // Academia. 2020. № 2. С. 257–267. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-2-1-257-267
Британский модернизм и образы Первой мировой войны
Аннотация
Статья посвящена проблеме модернистского восприятия механизированной войны и тому как молодые британские художники адаптировали новейшие формы и концепции в произведениях военного времени. Первая Мировая война не была похожа на предыдущие военные столкновения. Возросшая роль техники в военных действиях усиливала впечатление имперсональности войны, солдат воспринимали как малую часть большой машины, уносящей миллионы жизней. Британские модернисты, столкнувшиеся с военной реальностью, искали иные художественные возможности, чтобы передать «машинный» характер войны, уносящей жизни, взрывающей землю, сминающей технику. Художники понимали, что время картин в духе героического реализма и аллегорий прошло; война, идущая с участием большого количества техники, требовала иных средств отображения – ломаных линий и геометричных форм, контрастных цветов.
Abstract
The article is devoted to the problem of modernist perception of the situation of mechanized war, as young British artists adapted the latest forms and concepts in wartime works. The First World War was not like previous military clashes. The increased role of technology in the process of hostilities created the impression of the impersonality of the war, the soldiers were perceived as a part of a large machine that claimed millions of lives. British modernists, faced with a new military reality, were looking for suitable possibilities of modernist art in order to convey the broken, like geometric abstraction, “machine” character of war, taking away lifes, blowing up the earth, crushing equipment and airplanes. Artists understood that the time heroic realism and allegories has passed; the war, deprived of a human face, going on with the participation of a large number of equipment, required other means of artistic display – broken lines and geometric shapes, contrasting colors.
Для цитирования:
Игумнова Е.В. Британский модернизм и образы Первой мировой войны // Academia. 2020. № 2. С. 277–284. DOI: 10.37953-2079-0341-2020-2-1-277-284
Пейзаж в восприятии Петрарки: от средневековых связей к новой картине мира
Аннотация
В статье рассмотрены представления Петрарки о пейзаже, который он понимал широко и в разных аспектах, непосредственно приближаясь к его гуманистическому пониманию. С одной стороны, ландшафт мыслился поэтом как культурная среда обитания, с другой, – связывался с очень искренними и личными переживаниями, осознанием природного пространства как необходимого для творчества и раскрытия лирических чувств индивидуума. В этом качестве пейзаж в восприятии Петрарки тесно соприкасался с садом, или пейзажем культивированным, идеальным, в сложении ренессансной концепции которого поэту принадлежит важная роль.
Abstract
The article discusses Petrarch’s ideas about the landscape, which he imagined in wide and diverse aspects, approaching directly to humanist concepts. On the one hand, the landscape was perceived by the poet as a cultural habitat, on the other hand, it was associated with intimate experience, awareness of natural space as necessary for creativity and disclosure of the lyrical features of an individual. Petrarch’s understanding of the landscape came into close contact with the garden, or the landscape cultivated, ideal; in addition he made available contribution to the forming of the Renaissance garden conception.
Для цитирования:
Козлова С.И. Пейзаж в восприятии Петрарки: от средневековых связей к новой картине мира // Academia. 2020. № 2. С. 194–209. DOI: 10.37953-2079-0341-2020-2-1-194-209
К вопросу о реалиях Константинополя в византийской иконографии Акафиста Богоматери
Аннотация
Исторические и топографические реалии Константинополя, его многочисленных осад со стороны Золотого Рога, а также литий и чтимых икон Девы Марии влияли на иконографию Акафиста Богоматери. В связи с воспроизведением константинопольских реалий, которые вторгаются в контекст богородичного гимна и его иконографической интерпретации, место действия некоторых эпизодов повествования словно перемещается со Святой земли в столицу Византийской империи. Однако если лития с иконами и осада византийской столицы в иконографии Акафиста сравнительно хорошо изучены в научной литературе, то об отражении в ней архитектуры и топографии Влахернского святилища известно гораздо меньше. Этой теме и посвящена наша статья. Во многих иконографических циклах Акафиста Богоматери (в монументальных росписях, иконах и рукописях) архитектурные фоны, возможно, соотносятся с комплексом Влахернского святилища и крепостными сооружениями Константинополя. Целый ряд средневековых рукописей и икон содержит изображения Влахернских церквей разной меры достоверности. Исследователи также предлагали современные реконструкции Влахернского святилища на основании средневековых изображений и письменных источников. Эти материалы помогают нашему иконографическому анализу.
Abstract
The historical and topographical realities of Constantinople, its numerous sieges from the Golden Horn, as well as religious processions and venerated icons of the Virgin influenced the iconography of the Akathistos Hymn to the Holy Theotokos. The local of some narrative episodes as if moves from the Holy Land to the capital of the Byzantine Empire in relation with the reproduction of the realities of Constantinople, which invade the context of the Hymn to the Holy Theotokos and its iconographic interpretation. However, if processions with icons and the sieges of the Byzantine capital in the iconography of Akathistos are relatively well investigated in the scientific literature, then the reflection of the architecture and topography of the Blachernae shrine is known far less. Our article is devoted just to this topic. In many iconographic cycles of the Akathistos to the Holy Theotokos (in monumental paintings, icons and manuscripts) architectural backgrounds may correlate with the complex of the Blachernae shrine and the fortifications of Constantinople. The whole series of medieval manuscripts and icons contains images of the Blachernae churches of various degrees of authenticity. Researchers also proposed modern reconstructions of the Blachernae shrine based on medieval images and written sources. These materials help our iconographic analysis.
Для цитирования:
Этингоф О.Е. К вопросу о реалиях Константинополя в византийской иконографии Акафиста Богоматери // Academia. 2020. № 2. С. 175–182. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-2-1-175-182
Ключевые слова
Образ Мартина Лютера и мифотворчество в немецком искусстве Нового времени (на основе собрания керамики Саратовского государственного художественного музея имени А.Н. Радищева)
Аннотация
Статья посвящена образу Лютера как объекту мифотворчества Германии XIX века и отражению этого мифа в искусстве. Автор рассматривает керамический пивной кувшин из собрания Радищевского музея в Саратове. На кувшине, изображающем сцену застолья и музицирования, идентифицирован Мартин Лютер. Присутствие отца Церкви отражает историческую ситуацию в Германии, влиявшую на сюжеты произведений керамики. Весь XIX век проходит под знаменем «национальной идеи». В этом столетии образ Лютера ложится в основу национального мифа, необходимого для развития и процветания идеи объединения Германии. Лютер – олицетворение национальной идеи (как создатель литературного языка и национальной религии) и буржуазного канона ценностей (классовых и семейных).
Abstract
The article considers the Martin Luther image as an object of the myth-making in Germany of the 19th century and its reflection in the art. The main focus of the article is the stoneware beer jug depicting the scene of the feast and the music-making. The author identified Luther person among the participants of the feast. The presence of Father of the Church Luther in the scene on the beer jug is explained by the historical situation in Germany. The 19th-century passes in Germany under the banner of the national idea. The author proves that in the 19th century Luther became the national myth. The unification of Germany was the necessary basis for the development and prosperity of the bourgeoisie, because the bourgeoisie needed this myth first of all. For the population Luther was the personification of the national idea (as the creator of the literary language and the national religion).
Для цитирования:
Савицкая Т.Е. Образ Мартина Лютера и мифотворчество в немецком искусстве Нового времени (на основе собрания керамики Саратовского государственного художественного музея имени А.Н. Радищева) // Academia. 2020. № 2. С. 239–247. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-2-1-239-247
Особенности иконографии античных богов в живописных работах флорентийского мастера Аполлонио ди Джованни (1415/17 – 1465)
Аннотация
В XV веке растущее внимание к гуманистической культуре обусловило появление в живописи Италии сюжетов и образов, пришедших из поэзии и истории Античности. Статья посвящена рассмотрению специфики трактовки образов античных богов в книжных миниатюрах и декоративной живописи флорентийского мастера Аполлонио ди Джованни. Объектом изучения стали миниатюры Кодекса Вергилия из библиотеки Риккардиана и повествовательные картины, украшавшие свадебные сундуки (cassoni). В тексте статьи уделено внимание принципам визуальной интерпретации образов: композиции, изобразительным приемам, использованию атрибутов. При общем средневековом подходе к изображению античных персонажей, мастер опирается на литературные источники, что проявляется, в частности, в деталях иконографических решений.
Abstract
In the 15th century in Italy due to the growing attention to humanistic culture, masters of visual arts represented plots and images, that came from poetry and history of Antiquity. This essay is devoted to the specific submission of ancient gods’ images in Apollonio di Giovanni’s book miniatures and decorative paintings. The objects of study are miniatures of the Virgil Codex (MS 492, Riccardian Library), and narrative paintings, which adorn florentine wedding chests (cassoni). The article focuses on visual interpretations of images: compositions, representative techniques, attributes. Despite of common medieval depiction of antique motifs, the master’s work is distinguished by reliance on literary sources, expressed in some details of iconographic solutions.
Для цитирования:
Пивень М.Г. Особенности иконографии античных богов в живописных работах флорентийского мастера Аполлонио ди Джованни (1415/17–1465) // Academia. 2020. № 2. С. 210–218. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-2-1-210-218
В тени черного тюрбана: cемиотические трансформации одного цветочного изобразительного мотива в голландском искусстве XVII века
Аннотация
Статья посвящена изучению цветочного натюрморта в голландской живописи XVII века и уточнению места, роли и значения изображения тюльпана. Автор уделяет внимание также истории бытования тюльпана в Европе, его месту в голландской экономике и системе культурных и эстетических ценностей. Рассматривается ряд работ – от ботанических зарисовок и «портретных» изображений цветка до изображений букетов, а также мифологические и аллегорические картины, более полное понимание которых становится возможным благодаря смысловым аспектам, вносимым в картину изображением роскошного «тюрбана».
Abstract
This article deals with the investigation of floral still-life in 17th-century Dutch painting and the special meaning of tulips in such works. The author points out the problem of the unique position of this flower in the every-day life and its place in the Dutch economy and the system of cultural and aesthetic values. The paper investigates botanical drawings of flowers as well as flower still-lifes and history paintings, which could be interpreted profoundly when one takes into account the meaning of tulip.
Для цитирования:
Королева А.Ю. В тени черного тюрбана: cемиотические трансформации одного цветочного изобразительного мотива в голландском искусстве XVII века // Academia. 2020. № 2. С. 229–238. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-2-1-229-238
История определения сюжета мраморной статуи из собрания Юрьевичей
Аннотация
Статья посвящена установлению авторского названия мраморной статуи, исполненной популярным в XIX веке итальянским скульптором Сальваторе Альбано. Статуя поступила в музей вскоре после революции 1917 года из семейной коллекции дворянского рода Юрьевичей. В музейный инвентарь она была записана под названием «Спящий ангел». Но изображенная фигура явно женская, что противоречит иконографическому канону. Очевидно, что авторское название было искажено из-за ошибки в записях или утраты документов, что нередко случалось в первые послереволюционные годы. Вернуть авторское название помог список произведений скульптора, составленный его близким другом, известным итальянским ученым-литературоведом и писателем, графом Анджело Де Губернатисом.
Abstract
This article is devoted to the problem of name’s identification of original marble statue, made by extremely popular in 19th century Italian sculptor Salvatore Albano. The statue came to the museum soon after the revolution of 1917 from the noble family collection of Yurievich. In the museum inventory it was recorded as “Sleeping angel”. But the figure is clearly female, which contradicts iconographic canons. It is obvious that the author’s name was distorted because of the errors in records or lost documents, which often happened in the first post-revolutionary years. The list of works of the sculptor, compiled by his close friend, a famous Italian scholar and writer, count Angelo De Gubernatis, helped to return the author’s name of the statue.
Для цитирования:
Щетина М.В. История определения сюжета мраморной статуи из собрания Юрьевичей // Academia. 2020. № 2. С. 268–272. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-2-1-268-272
Поэтика реальности в творчестве Эдварда Хоппера
Аннотация
Статья посвящена интерпретации образов одиночества и отчужденности в живописи американского художника Эдварда Хоппера, который считал свои картины плодами внутреннего опыта. Некоторые из его полотен можно рассматривать как своеобразные психологические автопортреты-интроспекции, иллюстрирующие отсутствие близких отношений между героями, которые кажутся замкнутыми и отрешенными, не способными на человеческий контакт.
Abstract
The main subjects of this article are themes and images in the works of the American artist Edward Hopper, as well as their interpretations. Hopper believed that his paintings were personal statements, results of inner experience. Therefore, some paintings could be considered as a kind of psychological introspections. Many of his works illustrate the absence of close relationship between heroes who seem to be withdrawn and detached, incapable to make any contact.
Для цитирования:
Ярцева О.А. Поэтика реальности в творчестве Эдварда Хоппера // Academia. 2020. № 2. С. 285–289. DOI: 10.37953-2079-0341-2020-2-1-285-289
Ключевые слова
Образы природы в арабской миниатюре XII–XIV веков
Аннотация
Статья посвящена одному из видов художественного оформления средневековых арабских рукописей – визуальной интерпретации изложенных в научных трактатах и в литературных произведениях словесных описаний природы. Своеобразный характер миниатюр этого жанра во многом определяется издревле укоренившимися на Ближнем Востоке представлениями о Вселенной как о гениальном творении Бога, состоящем из двух различных, но взаимосвязанных, неотделимых один от другого миров – небесного и земного, наделенных каждый своими функциями и населенных каждый разного вида и характера обитателями. Естественное, как сама природа, слияние правды и вымысла в памятниках словесной, устной и письменной, арабской культуры средневековья, послужило импульсом к появлению визуальных образов, созданных в красках и линиях; их многочисленность и разнообразие развертывают перед читателем-зрителем панораму удивительного в своей непостижимости мира фантазии и реальности.
Abstract
The article is devoted to one of the popular genres of the illustrating of medieval Arabic manuscripts. Namely, it concerns the visual interpretation of the verbal descriptions of nature, expounded both in the scientific treatises and in the literary works. Specific features of miniature paintings of this genre are largely determined by the deeply-rooted among the Middle East people perceptions of the universe as the genius creation of God. Those are two different, but inseparable and interconnected worlds, celestial and terrestrial ones, and each of them has its own functions, and each of them was populated by inhabitants of completely different appearances, types and habits. The natural (like nature itself) fusion of truth and fiction in the monuments of the verbal, oral and written culture of the Arab Middle Ages gave impetus to the appearance of visual images created by paints and lines. Their numerousness and diversity unfold a panorama of an amazing and incomprehensible world of fantasy and reality in front of the reader-spectator.
Для цитирования:
Стародуб Т.Х. Образы природы в арабской миниатюре XII–XIV веков // Academia. 2020. № 2. С. 183–193. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-2-1-183-193
Ключевые слова
Философское искусство Поля Шенавара
Аннотация
Статья посвящена истории создания эскизов росписи парижского Пантеона в 1848 году французским художником П. Шенаваром по государственному заказу в эпоху Луи-Филиппа. В период Второй империи эскизы были отвергнуты художественной администрацией Наполеона III. В графическом цикле художник попытался в свете научных теорий своего времени представить позитивистскую теорию трех стадий развития человечества в манере живописи немецких назарейцев. Эскизы остались непереведенными на стены Пантеона и ныне хранятся в Музее изящных искусств Лиона. Его произведения явились примером поиска новых форм в декоративно-монументальном искусстве, образцом содержательно-смысловой наполненности образов. В статье приведены отзывы известных художественных критиков – Ш. Бодлера, Т. Сильвестра, Ш. Блана, А. Уссе – и современников П. Шенавара – Э. Делакруа, О. Родена, Э. Золя.
Abstract
The article is devoted to the history of the creation of sketches for murals of Pantheon of Paris in 1848 by French painter Paul Chenavard. The work was commissioned by the State in the reign of Louis-Philippe. In the period of the Second Empire these sketches were rejected by fine arts administration of Napoleon III. In the graphic series the painter attempted to imagine the theory of three stages of the development of society in the light of the positivism and in the manner of German “Die Nazarener”. The sketches of Chenavard don’t were transferred to the walls of Pantheon and at present they are kept at the Musée des Beaux-Arts of Lyon. The sketches were an example of the quest for new forms in the monumental decorative art of France, richness of the content and meaningful images. The article quotes opinions of the famous art critics (Ch. Baudelaire, Th. Silvestre, Ch. Blanc, A. Houssaye) and painter’s contemporaries (E. Delacroix, Au. Rodin, E. Zola).
Для цитирования:
Федотова Е.Д. Философское искусство Поля Шенавара // Academia. 2020. № 2. C. 273–276. DOI: 10.37953-2079-0341-2020-2-1-273-276
“Иллюзия чуда” в итальянской капелле XV века
Аннотация
В статье показано, как универсальные художественные приемы, составляющие, по мнению М.Н. Соколова, «правила входа» в произведение изобразительного искусства и способствующие более непосредственному и глубокому его восприятию, применялись в итальянских капеллах XV века. В декорации этих камерных ансамблей, отражавших дух эпохи, творчески использовались достижения ренессансной науки и культуры. Рассмотрено художественное и семантическое значение ряда композиционных приемов, перспективных построений и учета роли реального света в пространстве капеллы. Проанализирована их связь с особенностями зрительского восприятия. В результате использования таких приемов создавалась настоящая иллюзия чуда, когда стиралась граница между реальным и изображенным мирами. Благодаря этому возрастали воздействие и доходчивость художественной декорации капеллы, а моленное состояние прихожанина приобретало оттенки, характерные для нового религиозного благочестия. Запечатленные на стенах капелл события Священной истории, как в театре, разыгрывались на глазах у зрителя, и он, приближаясь к сакральному, укреплялся в своих надеждах на воскрешение и жизнь вечную.
Abstract
The article shows how the universal artistic techniques were used in the Italian chapels of the 15th century. Mikhail Sokolov treated them as “rules of entry” in the art object that contribute to its deeper and more direct perception. These chamber ensembles were decorated in the spirit of the age. The achievements of Renaissance science and culture were creatively applied. The article studies an artistic and semantic meaning of several compositional techniques, perspective constructions and the role of real light in the chapel’s space. Their connection with the peculiarities of the audience perception is analyzed. Mentioned techniques created an illusion of a miracle blurring the borders of the real and the depicted worlds. So, an impact and clarity of the chapel’s artistic scenery was strengthened. The parishioner’s prayer took on the hues characteristic of a new religious piety. The events of Sacred history were depicted on the chapel’s walls as a theater performance. This made the viewer closer to the divine, his hopes for resurrection and eternal life were strengthened.
Для цитирования:
Тараканова Е.И. “Иллюзия чуда” в итальянской капелле XV века // Academia. 2020. № 2. С. 219–228. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-2-1-219-228
Образ сердца в религиозных эмблемах XVII века
Аннотация
Статья посвящена особенностям изображения сердца в европейской религиозной эмблематике XVII века. Автор рассматривает несколько книг эмблем, начиная с издания Даниэля Крамера, оказавшего определенное влияние на других авторов. Анализируются эмблемы из книг Иоганна Манниха, Франческо Поны, а также трактата Бенедикта Хефтена. Проводится сравнение с некоторыми эмблемами из книги Крамера. Автор уделяет внимание и отражению темы сердца в российской религиозной культуре того же времени, в первую очередь, на примере книги Иоанникия Галятовского «Ключ разумения», написанной и изданной в Киеве в 1659 году.
Abstract
The author analyzes the features of the image of the heart in the European religious emblems of the 17th century. The author examines several books of emblems, starting with the publication of Daniel Kramer, who had a definite influence on other authors. This article deals with his “Emblemata Sacra”, or “Emblemata ex Sacra Scriptura”, published in 1624 (the first edition of the Kramer emblems was released in 1617). After that, the author refers to the books of emblems of Johann Mannich (“Sacra Emblemata”, 1624), Francesco Pona (“Cardiomorphoseos, sive, Ex corde desumpta emblemata sacra”, 1645), as well as the treatise of Benedict Haeften (Schola cordis, sive Aversi a deo cordis, ad eumdem reductio et instructio, 1629). This article focuses on the reflection of the theme of the heart in the Russian religious culture of the same time. The comparison is carried out primarily on the example of the Book of Ioanniky Galyatovsky “The Key of Perception” (“Klyuch razumeniya”), first published in Kiev in 1659.
Для цитирования:
Звездина Ю.Н. Образ сердца в религиозных эмблемах XVII века // Academia. 2020. № 2. C. 248–256. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-2-1-248-256
Памяти Наталии Николаевны Шередеги (1950–2020)
Аннотация
Эти строки посвящается памяти уникального профессионала и замечательного коллеги и друга Натальи Николаевны Шередеги.
Abstract
These lines are dedicated to the memory of the unique professional and remarkable colleague and friend Natalya Nikolaevna Sheredega.
Для цитирования:
Толстая Н.В. Памяти Наталии Николаевны Шередеги (1950–2020) // Academia. 2020. № 2. C. 290–292. DOI: 10.37953-2079-0341-2020-2-1-290-292
Ключевые слова
Тайна Пегаса. Сакральный образ крылатого коня в прошлом и настоящем истории культуры
Аннотация
Статья посвящена трактовке образа крылатого коня в контексте истории культуры. Основное внимание сосредоточено на опыте обращения к истории греческой карты созвездий и вопросу о ее генезисе; в одном из тезисов статьи утверждается, что создатели наиболее ранней композиции образов карты ночного неба, зафиксировали в ней морфологию одного из наиболее распространенных ритуалов бронзового века, мифологическая основа которого включает ранние космологические мотивы.
Основа структуры созвездий сложилась в дописьменный период истории, когда «небесные образы», представлявшие наиболее важные культурные коды, были канонизированы и составили часть древних культов.
Abstract
The article is devoted to the image of a winged horse in the context of the history of Western European culture. The focus is on the experience of addressing the history of the Greek constellation map and the question of its genesis. The article states that the creators of the earliest composition images of the night sky map recorded in it the morphology of the image one the most common rituals of the Bronze Age, the mythological basis of which includes early cosmological motifs.
The basis of the constellations structure was formed in the pre-writing period of history. Initially, “heavenly images”, representing the most important cultural codes, were canonized – they served as a part for ancient cults.
Для цитирования:
Кузьмин А.В. Тайна Пегаса. Сакральный образ крылатого коня в прошлом и настоящем истории культуры // Academia. 2020. № 2. С. 166–174. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-2-1-166-174
Ученый Михаил Соколов (1946–2016)
Аннотация
Статья посвящена памяти историка искусства Михаила Николаевича Соколова (1946–2016), профессиональному наследию и значению его трудов для современного искусствознания.
Abstract
The article is devoted to the memory of art historian Michael Nikolaevich Sokolov (1946–2016), professional heritage and the significance of his works for contemporary art history.
Для цитирования:
Федотова Е.Д. Ученый Михаил Соколов (1946–2016) // Academia. 2020. № 2. C. 163–165. DOI: 10.37953-2079-0341-2020-2-1-163-165
2020 / 1
Поиски новой декоративности в советской керамической скульптуре 1920-х—1930-х
Аннотация
В статье детализированы и по-новому открыты наиболее содержательные принципы отечественной керамической скульптуры 1920-х–1930-х годов, ставшей самостоятельной версией ар деко, а общим стилевым знаменателем в первой трети XX века выступила декоративность.
Abstract
The article rediscovers in details all significant principles of the Soviet ceramic sculpture of the 1920s – 1930s, which became at large an independent version of Art Deco. In the first third of the 20th century, all main ceramic schools could be characterised by its attractive colors and decorativeness.
Для цитирования:
Астраханцева Т.Л. Поиски новой декоративности в советской керамической скульптуре 1920-х–1930-х годов // Academia. 2020. № 1. C. 59–71. DOI: 10.37953 / 2079‑0341‑2020‑1‑1-59-71
Рецензия: Выставка «Библия Пискатора – настольная книга русских иконописцев» (Государственная Третьяковская галерея 26.06 – 06.10.2019)
Аннотация
Выставка посвящена художественным контактам России и Западной Европы, которые сыграли важнейшую роль в переходе русской культуры от Средневековья к Новому времени. На выставке представлены произведения русского искусства (иконы, графика, декоративно-прикладные изделия), созданные со середины XVII по начало XIX века под влиянием гравюр лицевых Библий, напечатанных в Нидерландах в XVII веке. Крупнейшей из них является Theatrum biblicum Класа Висхера (Николауса Пискатора), экземпляр которого из собрания Государственной Третьяковской галереи также представлен на выставке наряду с другими западными иллюстрированными изданиями, известными в России. Выставка является первым опытом репрезентации данной темы в музейной практике. Многие произведения экспонируются впервые.
Abstract
The review talks about the exhibition dedicated to the artistic contacts of Russia and Western Europe, which played a crucial role in the transition of Russian culture from the Middle Ages to the New Time. The exhibition presents works of Russian art (icons, graphics, objects of decorative art) created from the middle of the 17th up to the beginning of the 19th century under the influence of “Biblical prints” published in the Netherlands in the 17th century. The largest of them is Theatrum biblicum by Claes Visscher (Nikolaus Piscator), a copy of which from the collection of the State Tretyakov Gallery is also presented at the exhibition along with other illustrated Western editions known in Russia. The exhibition is the first experience of representing this topic in museum practice. Many works are exhibited for the first time.
Для цитирования:
Гамлицкий А.В. Рецензия: Выставка «Библия Пискатора — настольная книга русских иконописцев» (Государственная Третьяковская галерея 26.06 – 06.10.2019) // Academia. 2020. № 1. С. 132–142. DOI: 10.37953 / 2079‑0341‑2020‑1‑1-132-142
От первого лица. По материалам интервью с Татьяной Назаренко
Аннотация
Татьяна Назаренко — известный художник, академик и член Президиума Российской академии художеств. Высказывания мастера о различных проблемах современного искусства, художественного образования и о собственном творческом пути представляют большой интерес.
Abstract
Tatiana Nazarenko is a well-known artist, academician, member of the Presidium of Russian Academy of Arts. Master’s statements about various problems of contemporary art, art education and her own creative path are of great interest.
Для цитирования:
Юшкова О.А. От первого лица. По материалам интервью Ольги Юшковой с Татьяной Назаренко, состоявшегося 29 апреля 2019 года // Academia. 2020. № 1. C. 104–110. DOI: 10.37953 / 2079‑0341‑2020‑1‑1-104-110