2025 / 1
Малахитовые пилястры Екатерининского зала Большого Кремлевского дворца: новые исследования
Статья посвящена неизвестным деталям создания декора Екатерининского зала Большого Кремлевского дворца – исполнению малахитовых работ в этом программном интерьере. Декор помещения, создававшегося в качестве Тронного зала императриц, подробно описан современниками и исследователями, которые в основном отмечали использование в оформлении знаков ордена Святой Екатерины. Реже рассматривается логическая связь декоративной программы с обновленным вариантом интерьера Золотой (Малахитовой) гостиной императрицы в петербургском Зимнем дворце, а именно введение архитектурного декора в виде малахитовых пилястр. Между тем, несмотря на множество выдвинутых ранее версий, подлинное имя создателей малахитовых пилястр – московской мастерской Сантино (Сантина Петровича) Кампиони – впервые вводится в научный оборот благодаря обнаруженным архивным материалам, что имеет большое значение не только для истории конкретного архитектурного памятника, но и в целом для изучения отечественного камнерезного искусства.
The article is dedicated to an unknown aspect of the creation of the decor in the Catherine Hall of the Grand Kremlin Palace – the execution of malachite works in this programmatic interior. The decor of this space, designed as the Throne Hall for empresses, has been extensively described by contemporaries and researchers, who primarily noted the inclusion of the insignia of the Order of Saint Catherine in the design. Less frequently examined is the logical connection between the decorative program and the updated version of the interior design of the Golden (Malachite) Drawing Room of the Empress in the Winter Palace in St. Petersburg, specifically the introduction of architectural decor in the form of malachite pilasters. Meanwhile, despite numerous previously proposed theories, the true creators of the malachite pilasters – the Moscow workshop of Santino (Santin Petrovich) Campioni – are introduced into scholarly discourse for the first time, thanks to newly discovered archival materials. This discovery is of great significance not only for the history of this specific architectural monument but also for the broader study of Russian stone-carving art.
Будрина Л.А., Царева С.М. Малахитовые пилястры Екатерининского зала Большого Кремлевского дворца: новые исследования // Academia. 2025. № 1. C. 215‒228. DOI: 10.37953/2079-0341-2025-1-1-215-228
Русский батальный лубок периода Крымской войны 1853–1856 годов
В статье исследуется ряд посвященных событиям Крымской войны батальных лубков, выпущенных в 1853‒1855 годах. Все работы, рассмотренные в данной статье, хранятся в Институте русской литературы (Пушкинском Доме) Российской академии наук. Листы, выполненные в технике металлографии и хромолитографии в московских издательствах и одобренные цензурным комитетом, отличаются тематическим многообразием. В период Крымской войны в батальном лубке увеличивается число сюжетов, а на смену фольклорности постепенно приходит реализм.
The article examines a series of battle lubok prints dedicated to the events of the Crimean War, published in 1853–1855. All the works discussed in this article are housed in the Institute of Russian Literature (Pushkin House) of the Russian Academy of Sciences. The prints, produced using metallography and chromolithography techniques by Moscow publishing houses and approved by the censorship committee, are notable for their thematic diversity. During the Crimean War, the number of subjects in battle lubok prints increased, and folkloric elements gradually gave way to realism.
Милякова Д.С. Батальный лубок периода Крымской войны 1853–1856 годов // Academia. 2025. № 1. С. 196−204. DOI: 10.37953/2079-0341-2025-1-1-196-204
Модерн по-итальянски. Рецензия на книгу Натальи Штольдер
Рецензируемая книга представляет собой первое научное исследование на русском языке, посвященное рассмотрению феномена итальянского модерна. В ней представлены архитектура, живопись, графика и графический дизайн, скульптура и декоративно-прикладное искусство, предметы интерьера. Книга содержит обширную фактологию по всем видам изобразительного искусства, архитектуры и декоративно-прикладного искусства, отчасти выполняя функции справочника и путеводителя по итальянскому модерну, а также концептуальную аналитику его проблематики и краткие очерки творчества его крупнейших представителей. Книга богато иллюстрирована и снабжена большой библиографией на русском и итальянском языках.
The reviewed book is the first scholarly study in Russian dedicated to the phenomenon of Italian Art Nouveau. It covers architecture, painting, graphics and graphic design, sculpture, and decorative and applied arts, including interior objects. The book provides extensive factual material on all forms of visual arts, architecture, and decorative arts, partly serving as a reference guide and a handbook on Italian Art Nouveau. Additionally, it offers conceptual analysis of its key issues and brief essays on the work of its most prominent figures. The book is richly illustrated and includes a comprehensive bibliography in both Russian and Italian.
Флорковская А.К. Модерн по-итальянски. Рецензия на книгу Натальи Штольдер // Academia. 2025. № 1. С. 229−239. DOI: 10.37953/2079-0341-2025-1-1-229-239
2024 / 4
НИИ теории и истории изобразительных искусств РАХ (1947‒2027)
Статья посвящена истории и современной деятельности отдела искусства XX‒XXI века НИИ теории и истории изобразительных искусств РАХ (1947‒2027) в рамках актуализации деятельности по подготовке юбилея института.
The article is devoted to the history and modern activities of the Art Department of XX‒XXI century of Research Institute of Theory and History of Fine Arts of Russian Academy of Sciences (1947‒2027) as part of actualization of activities in preparation for anniversary of the Institute.
Флорковская А.К. НИИ теории и истории изобразительных искусств РАХ (1947‒2027) // Academia. 2024. № 4. С. 537−540. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-537-540
Florkovskaya, A.K. (2024), “Research Institute of Theory and History of Fine Arts Russian Academy of Arts (1947‒2027)”, Academia, 2024, no 4, рр. 537−540. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-537-540
О передвижниках и выставке в Третьяковской галерее
Статья посвящена выставочному проекту «Передвижники», организованному Государственной Третьяковской галереей. Последняя большая выставка членов Товарищества передвижных художественных выставок (ТПХВ) прошла более пятидесяти лет назад. Интерпретация творчества передвижников на протяжении всего ХХ‒ХХI веков страдала перегибами и вульгаризированным подходом. Целью выставки стала актуализация наследия передвижников 1870–1890-х годов. В первой части экспозиции поставлена задача раскрыть многомерность смыслов главных шедевров того времени, освободив от штампов и стереотипов, сковывающих понимание. Во второй части, условно называемой «Передвижники вне передвижничества», представлены произведения мастеров, выбывших из ТПХВ. Это они совершили яркий прорыв в живописные пространства модерна, символизма, импрессионизма, неорусского стиля, но ростки этих процессов формировались внутри ТПХВ с конца 1870-х. В статье уделено внимание структуре выставки и описанию каждого раздела, а предваряет ее краткая информация о практической деятельности ТПХВ как выставочной институции, которая обычно интересует специалистов в меньшей степени.
The article considers the exhibition project dedicated to ‘Peredvizhniki’ group of artists (known also as the Itinerants or the Wanderers) organized by the State Tretyakov Gallery. The last large exhibition of members of the Society of Itinerant Art Exhibitions took place more than fifty years ago. The interpretation of the work of the Peredvizhniki throughout the 20th and 21st centuries suffered from prejudices and a vulgarized approach.
The present exhibition aims to actualize the Itinerants’ heritage of the 1870s-1890s. The first part of the exposition follows the task of revealing the multidimensionality of the major masterpieces of that time, to free them from clichés and stereotypes that constrain understanding. The second part, provisionally titled ‘The Peredvizhniki outside the Peredvizhniki Mouvementʼ presents the works of the Peredvizhniki who dropped out of the group. They are the ones who made a vivid breakthrough into the pictorial spaces of Art Nouveau, Symbolism, Impressionism and Neo-Russian style, but the sprouts of these processes were forming within the Society since the late 1870s. The article pays special attention to the structure of the current exhibition and the description of its every section, preceded by brief information on the practical activity of the Peredvizhniki as an exhibiting body which usually attracts less interest from the specialists.
Юденкова Т.В. О передвижниках и о выставке в Третьяковской галерее // Academia. 2024. № 4. C. 541‒560. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-541-560
Yudenkova, T.V. (2024), “On Peredvizhniki (the Itinerants) and the Tretyakov Gallery exhibition”, Academia, 2024, no 4, pp. 541‒560. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-541-560
Передвижники. Тернистый путь в XXI век
Статья, написанная в связи с разработкой выставки «Передвижники» в Государственной Третьяковской галерее, посвящена проблеме рецепции наследия Товарищества передвижных художественных выставок в искусстве XX–XXI вв. Анализируя текстовые и визуальные свидетельства восприятия творчества передвижников, автор фиксирует путь от маркера эпохи к эмблеме, пройденный хрестоматийными произведениями художников.
The article, written in conjunction with the development of the “Peredvizhniki” exhibition at the State Tretyakov Gallery, focuses on the problem of the reception of the legacy of the Society for Travelling Art Exhibitions in 20th–21st century art. By analyzing textual and visual evidence of the perception of the Peredvizhniki’s works, the author traces the evolution of these canonical artworks from era-defining markers to emblematic symbols.
Дудко Д.Н. Передвижники. Тернистый путь в XXI век // Academia. 2024. № 4. С. 657−668. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-657-668
Dudko, D.N. (2024), “Peredvizhniki (the Itinerants). A thorny path into the 21st century”, Academia, 2024, no 4, рр. 657−668. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-657-668
От истории к будущему Московского художественного института. Выставка в Зарядье
Статья посвящена выставке произведений искусства, созданных студентами, выпускниками и преподавателями Московского художественного института (ныне Московского государственного академического художественного института имени В.И. Сурикова при Российской академии художеств) в 1925–2024 годах. К первой масштабной исторической выставке этого ВУЗа была уточнена история формирования и развития всех его факультетов и отделений. Частично эта информация была опубликована в каталоге выставки.
The article is devoted to the exhibition of works of art created by students, graduates and teachers of the Moscow Art Institute (now Moscow State Academic Art Institute named after Vasil Surikov at Russian Academy of Arts) in 1925–2024. For the first large-scale historical exhibition of this institute, the history of the formation and development of all its faculties and departments was clarified. Some of this information was published in the exhibition catalogue.
Павлинов П.С. От истории к будущему Московского художественного института. Выставка в Зарядье // Academia. 2024. № 4. С. 561−567. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-561-567
Pavlinov, P.S. (2024), “From History to Future of the Moscow Art Institute. Exhibition in Zaryadye”, Academia, 2024, no 4, рр. 561−567. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-561-567
Е.Е. Лансере и Италия: начальный этап неоклассицизма в России
Статья посвящена вопросу формирования стиля неоклассицизм в России и первому десятилетию его развития. Одним из первых художников, наряду с И.И. Нивинским, обратившимся к этому стилю, был Е.Е. Лансере, проработавший мастером монументально-декоративной живописи до 1946 года. Проанализированы причины обращения этого «мирискусника» к классическому наследию; среди них – французско-итальянское происхождение предков и поездки в Западную Европу родственников из семьи Бенуа. Рассмотрены путешествия самого Е.Е. Лансере в Италию в 1899 и 1907 годах, повлиявшие на перемену его художественного вкуса и интересов от готики, импрессионизма и модерна к итальянскому Ренессансу и барокко. Уточнена история выставки «Свободное искусство» в 1902–1903 годах. В статье приведены работы журнальной и книжной графики 1899–1909 годов, проекты настенных панно и плафонов 1906–1911 годов в стиле неоклассицизма.
The article focuses on the emergence of the Neoclassicism style in Russia and the first decade of its development. Among the first artists to embrace this style, alongside I.I. Nivinsky, was E.E. Lanceray, who worked as a monumental and decorative painter until 1946. The reasons behind this Mir Iskusstva artist’s turn to classical heritage are analyzed, including the French-Italian ancestry of his forebears and the travels of the Benois family members to Western Europe. The article examines E.E. Lanceray’s trips to Italy in 1899 and 1907, which influenced his shift in artistic taste and interests from Gothic, Impressionism, and Art Nouveau to the Italian Renaissance and Baroque. The history of the “Free Art” exhibition held in 1902–1903 is clarified. The article also features Lanceray’s works in journal and book graphics from 1899–1909, as well as designs for wall murals and plafonds in the Neoclassical style created between 1906 and 1911.
Павлинов П.С. Е.Е. Лансере и Италия: начальный этап неоклассицизма в России // Academia. 2024. № 4. С. 590−605. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-590-605
Pavlinov, P.S. (2024), “Eugene Lanceray and Italy: the initial period of neoclassicism in Russia”, Academia, 2024, no 4, рр. 590−605. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-590-605
Использование принципов и приемов китайской живописи в композициях современных петербургских художников
В статье рассматривается такая важная черта академического направления в искусстве, как открытость к взаимодействию с разными мировыми культурами, в частности проявляющаяся в использовании принципов и приемов традиционной китайской живописи гохуа в композициях. Способность творчески осмысливать принципы иных художественных школ делает петербургский академизм выдающимся явлением современного искусства. Сюжеты, мотивы и образы, к которым обращаются петербургские академисты в своем творчестве, представляют собой уникальный материал для формально-композиционного анализа в контексте взаимовлияний с художественной культурой Китая.
The article examines the interaction of Russian academicism and Chinese culture, in particular considering the principles and techniques of Chinese painting applied by contemporary artists in their compositions. The creative ability to comprehend the principles of other art schools makes St. Petersburg academicism an outstanding phenomenon of modern art. In their work, St Petersburg masters turn to subjects, motifs, and images that represent unique material for formal-compositional analysis in the context of mutual influences with artistic process in China.
Ли Мин Си. Использование принципов и приемов китайской живописи в композициях современных петербургских художников // Academia. 2024. № 4. С. 669−678. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-669-678
Li, Mingxi (2024), “Principles and techniques of Chinese painting applied in the compositions of contemporary St Petersburg artists”, Academia, 2024, no 4, рр. 669−678. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-669-678
Иконография хачкара Всеспаситель (Аменапркич)
В статье рассматривается редкий иконографический тип хачкара Всеспаситель (Аменапркич) на примере трех памятников, относящихся к различным временным периодам и отличающихся наибольшей сохранностью. Выделяются характерные черты данного типа, анализируются различия их формально-композиционных решений. Высказываются предположения об особенностях возникновения и бытования подобных образцов камнерезного искусства, обусловленных спецификой культурно-исторических процессов на территории Армении XIII–XVII вв.
The article examines the rare iconographic type of the All-Savior (Amenaprkich) khachkar through the example of three well-preserved monuments from different time periods. It highlights the characteristic features of this type and analyzes the variations in their formal and compositional designs. The study proposes hypotheses regarding the origins and cultural significance of such stone-carving art forms, shaped by the unique cultural and historical processes in Armenia from the 13th to 17th centuries.
Вичкаева А.В. Иконография хачкара Всеспаситель (Аменапркич) // Academia. 2024. № 4. С. 679−686. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-679-686
Vichkaeva, A.V. (2024), “Iconography of the All-Savior (Amenaprkich) khachkar”, Academia, 2024, no 4, рр. 679−686. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-679-686
Ключевые слова
Неизвестные терракотовые храмы Бенгалии
В статье осуществляется общий обзор памятников терракотовой храмовой архитектуры Западной Бенгалии XVIII – начала XX вв., ранее не введенных в отечественный научный оборот. Многие храмы Колката и прилегающих районов входят в круг памятников второго порядка и зачастую оказываются в тени более именитых собратьев, хотя представляют не меньший интерес для исследований. По этой причине культовые сооружения, не взятые под защиту Археологического управления Индии, стремительно исчезают, оставшись неизученными.
The article provides an overview of terracotta temple architecture in West Bengal from the 18th to the early 20th centuries, monuments that have not yet been introduced into Russian academic discourse. Many temples in Kolkata and its surrounding areas are considered secondary monuments and often remain overshadowed by their more famous counterparts, though they hold equal interest for research. For this reason, religious structures not protected by the Archaeological Survey of India are rapidly disappearing, leaving them unstudied.
Терентьева М.П. Неизвестные терракотовые храмы Бенгалии // Academia. 2024. № 4. С. 687−694. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-687-694
Terenteva, M.P. (2024), “Unknown terracotta temples of Bengal”, Academia, 2024, no 4, рр. 687−694. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-687-694
Иван Григорьев – художник-миниатюрист Императорской Академии художеств. Новые находки
Класс портретной миниатюры в Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге существовал порядка 50 лет – с 1779 по 1830 год. Однако художественное наследие учеников и выпускников класса до сих пор не описано и не упорядочено. К тому же миниатюристы в Академии часто писали миниатюры-копии с живописных оригиналов известных западных авторов и аллегорические сцены, которые авторы-составители каталогов портретной миниатюры зачастую игнорируют. Художник-миниатюрист Иван Григорьев представляет собой счастливое исключение. Биография и творческое наследие мастера дают достаточно информации для того, чтобы рассматривать этого художника как яркого представителя самобытной, формирующей подлинную творческую индивидуальность русской школы портретной миниатюры. Иван Григорьев часто писал представителей семьи Михаила Кутузова, получал постоянные заказы от прославленной русской аристократической фамилии, что красноречиво свидетельствует о высокой оценке его творчества. Тем важнее появление в поле зрения исследователей «новых» произведений, каждое из которых способно многое рассказать о русском художнике, его мастерстве и окружении.
The portrait miniature class at the Imperial Academy of Arts in St Petersburg existed for about 50 years, since 1779 to 1830. However, the artistic legacy of the class’s students and graduates has not yet been described or put in order. Miniaturists at the Academy often painted miniature copies of originals by famous Western artists and allegorical scenes, which the compilers of catalogs often ignore. Miniaturist Ivan Grigoriev is a happy exception. The biography and creative legacy of the master provide enough information to consider this artist as a representative of the original Russian school of portrait miniatures, which forms a genuine creative individuality. Ivan Grigoriev often painted representatives of famous Mikhail Kutuzov’s family receiving constant orders from the Russian aristocratic family, which eloquently testifies the high assessment of his work. But more important is that newly found works appear in the field of view of researchers, and each of them is capable of telling a lot about the Russian artist, his skill and environment.
Пуликова Л.В. Иван Григорьев – художник-миниатюрист Императорской Академии художеств. Новые находки // Academia. 2024. № 4. С. 710−720. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-710-720
Pulikova, L.V. (2024), “Ivan Grigoriev, a miniaturist of the Imperial Academy of Arts. Latest Discoveries”, Academia, 2024, no 4, рр. 710−720. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-710-720
«О влиянии и пользе подражательных искусств» Джозефа Саундерса: к вопросу о преподавании истории художеств как европейской академической дисциплины в первой трети XIX века
Посылом к написанию статьи послужило сочинение британского гравера Джозефа Саундерса «О влиянии и пользе подражательных искусств», впервые прозвучавшее в 1810 году как инаугурационная речь в собрании Виленского университета и спустя несколько лет опубликованное в местном периодическом журнале. На отраженные в данном тексте позиции мастер опирался при составлении авторского курса лекций по истории художеств, который он читал в университете на протяжении 1810–1818 годов, наряду с преподаванием английской литературы и собственно гравюры. Взгляды Саундерса, до переезда в Вильну более десяти лет состоявшего придворным Историческим гравером при Императорском Эрмитаже в Петербурге, обнаруживают широкий теоретический кругозор педагога, а также родство с соответствующими воззрениями российских современников; его практическая деятельность, между тем, высвечивает дополнительные грани начального этапа преподавания истории искусства как европейской академической дисциплины.
This article took inspiration from the British engraver Joseph Saunders’ essay “On the Influence and Benefit of Imitative Arts”, first delivered in 1810 as an inaugural address at the Vilna University and published several years later in a local periodical. The principles reflected in the text were basic for the master when he compiled the original art history course, which he delivered at the University during 1810–1818, along with lessons on English literature and engraving. Before moving to Vilna, Saunders worked for over a decade as court historical engraver at the Imperial Hermitage in St Petersburg, and his views reveal the broad theoretical outlook of the educator, as well as his affinity with the relevant ideas of his Russian contemporaries; his practical work, meanwhile, highlights additional facets of the early stage of teaching art history as a European academic discipline.
Марисина И.М. «О влиянии и пользе подражательных искусств» Джозефа Саундерса: к вопросу о преподавании истории художеств как европейской академической дисциплины в первой трети XIX века // Academia. 2024. № 4. С. 568−589. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-568-589
Marisina, I.M. (2024), “On the Influence and Benefit of Imitative Arts by Joseph Saunders: teaching art history as a European academic discipline in the first third of the 19th century” // Academia, 2024, no 4, рр. 568−589. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-568-589
Болезнь и борьба с ней в «Изенгеймском алтаре» (1512–1516) Маттиаса Грюневальда
В статье исследуется тесная связь сюжетов и образов «Изенгеймского алтаря» (1512–1516) с той практической ролью, которую он играл. Заказанный Маттиасу Грюневальду (Нитхарту-Готхарту) орденом антонитов для церкви в г. Изенгейме, алтарь прежде всего рассматривался как средство исцеления от тяжелых недугов, таких как чума, сифилис, эпилепсия и «антониев огонь», и, что не менее важно, служил духовной поддержкой для пациентов ордена. В образах алтаря тяжелобольной человек видел свою болезнь и борьбу с ней, а главное ‒ путь избавления от страдания посредством его принятия и единения с Богом.
The article explores the close connection between the themes and imagery of the Isenheim Altarpiece (1512–1516) and its practical role. Commissioned by the Order of St. Anthony from Matthias Grünewald (Neithardt-Gothart) for the church in Isenheim, the altarpiece was primarily seen as a means of healing from severe ailments such as the plague, syphilis, epilepsy, and “St. Anthony’s Fire”. Equally important, it served as spiritual support for the order’s patients. In the images of the altarpiece a gravely ill person could see their own illness and struggle, and most importantly, find a path to relief through acceptance and unity with God.
Ковальская Я.А. Болезнь и борьба с ней в «Изенгеймском алтаре» (1512–1516) Маттиаса Грюневальда // Academia. 2024. № 4. С. 695−701. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-695-701
Kovalskaya, Ya.A. (2024), “Illness and the struggle against it in Matthias Grünewald’s ‘Isenheim Altarpiece’ (1512‒1516)”, Academia, 2024, no 4, рр. 695−701. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-695-701
Художник – гражданин. Издание к 100-летнему юбилею народного художника СССР Виктора Ивановича Иванова
Статья посвящена новому научному изданию о творчестве народного художника СССР, академика Виктора Ивановича Иванова. Структура издания включает два равнозначных блока, первый – это опубликованные в разные годы высказывания художника, второй – монографическое искусствоведческое исследование за авторством академика Российской академии художеств В.П. Сысоева. Книга готовится при поддержке Научно-исследовательского института теории и истории изобразительных искусств РАХ и приурочена к 100-летнему юбилею мастера.
The article examines a scholarly publication highlighting the creative journey and unique life of Viktor Ivanov, People’s Artist of the USSR and an Academician. The structure of the book consists of two equally significant sections. One section comprises articles and materials written by the artist himself, published over various years, while the other features a monographic art-historical study of his paintings authored by Academician Vladimir Sysoev of the Russian Academy of Arts. The publication is being prepared with the support of the Research Institute of Theory and History of Fine Arts of the Russian Academy of Arts and is timed to coincide with the 100th anniversary of the master.
Корина Н.Д. Художник – гражданин. Издание к 100-летнему юбилею народного художника СССР Виктора Ивановича Иванова // Academia. 2024. № 4. С. 721−729. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-721-729
Korina, N.D. (2024), “Artist-Citizen. Publication for the 100th Anniversary of People’s Artist of the USSR Viktor Ivanovich Ivanov”, Academia, 2024, no 4, рр. 721−729. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-721-729
Ключевые слова
Образ Карелии в произведениях русских и финских художников конца XIX ‒ начала XX века
Данная статья стремится обозначить ключевые темы и мотивы, находящие отражение в творчестве русских и финских художников, а также исследует, как их произведения способствовали формированию образа Карелии в культурном сознании конца XIX ‒ начала XX века. Этот период ознаменовался повышенным интересом к пейзажу. Все чаще художники отправлялись на пленэр, посещая разные, иногда самые отдаленные уголки страны. Карелия в это время ‒ не просто географический регион, но важный элемент культурного и исторического пространства, отображающего духовные искания и художественные эксперименты эпохи.
This article aims to highlight key themes and motifs reflected in the works of Russian and Finnish artists and explores how their creations contributed to shaping the image of Karelia in the cultural consciousness of the late 19th to early 20th centuries. This period was marked by a heightened interest in landscapes, with artists increasingly venturing out to paint en plein air, visiting various and sometimes remote parts of the country. During this time, Karelia became not just a geographic region but an essential element of the cultural and historical landscape, embodying the spiritual pursuits and artistic experimentation of the era.
Лунина Ю.О. Образ Карелии в произведениях русских и финских художников конца XIX ‒ начала XX века // Academia. 2024. № 4. С. 702−709. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-702-709
Lunina, Yu.O. (2024), “The image of Karelia in the works of Russian and Finnish artists of the late 19th to early 20th centuries”, Academia, 2024, no 4, рр. 702−709. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-702-709
Ключевые слова
«Вот так картинки!». Детские книги В.М. Конашевича второй половины 1920-х годов
В статье рассматривается значительная, но недостаточно подробно изученная часть творческого наследия выдающегося графика Владимира Михайловича Конашевича (1888–1963) – его выполненные во второй половине 1920-х гг. иллюстрации к детским книгам, главным образом – к сочинениям литераторов «второго ряда». Большинству работ Конашевича этого периода свойственно ярко выраженное игровое начало. Познавательность легко совмещается в них с динамичным действием, нарядная декоративность – с иронией, условность графических образов – с их эмоциональной убедительностью. Характеризуется особое положение, которое занимал мастер в кругу коллег, анализируются его теоретические высказывания об оформлении детской книги.
The article examines a significant, but insufficiently studied part of the creative legacy of the outstanding graphic artist Vladimir Mikhailovich Konashevich (1888-1963) – his illustrations for children's books made in the second half of the 1920s, mainly for the works of "second row" writers. Most of Konashevich's works of this period are characterized by a pronounced playful beginning. Cognition is easily combined in them with dynamic action, elegant decorativeness with irony, the conventionality of graphic images with their emotional persuasiveness. The special position that the master occupied in the circle of colleagues is characterized, his theoretical statements about the design of a children's book are analyzed.
Фомин Д.В. «Вот так картинки!». Детские книги В.М. Конашевича второй половины 1920-х годов // Academia. 2024. № 4. С. 606−628. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-606-628
Fomin, D.V. (2024), “These are the pictures!”. Vladimir Konashevich's children's books of the second half of the 1920s”, Academia, 2024, no 4, pp. 606−628. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-606-628
Ключевые слова
Круглый стол «Монументально-декоративная эмаль в архитектуре: сакральное пространство храма, общественное пространство метро»
Обзор докладов, прочитанных на заседании круглого стола «Монументально-декоративная эмаль в архитектуре: сакральное пространство храма, общественное пространство метро», состоявшегося 3 апреля 2024 года в Российской академии художеств, очерчивает проблемы, связанные с развитием художественной эмали, как самостоятельного вида пластических искусств в контексте современных художественно-стилистических тенденций, эволюционирующих на стыке декоративного, станкового и монументального искусств. Круглый стол был организован и проводился Отделом художественных проблем дизайна, декоративного и народного искусства Научно-исследовательского института теории и истории изобразительных искусств Российской академии художеств при поддержке Отделений дизайна и декоративных искусств РАХ.
Целями круглого стола стали осмысление современного состояния этого вида искусства: выявление и формулирование творческих задач, стоящих перед мастерами в декоративном, станковом и монументальном искусстве в контексте активного храмового строительства в России, обмен практическим опытом освоения новых материалов и новационных технологий художественного эмалирования, а также введение в научный оборот информации о применении монументально-декоративных эмалей в архитектурных объектах последней четверти ХХ – начала XXI в.
A review of the papers presented at the round table “Monumental and decorative enamel in architecture: sacred space of the temple, public space of the metro”, held on April 3, 2024 at the Russian Academy of Arts, outlines the issues associated with the development of artistic enamel as an independent type of plastic arts in the context of modern artistic and stylistic trends evolving at the junction decorative, easel and monumental arts. The dicussion was prepared and held by the Department of Artistic Problems of Design, Decorative and Folk Art of the Scientific Research Institute of Theory and History of Fine Arts of the Russian Academy of Arts with the support of the Department of Design and Decorative Arts of the Russian Academy of Arts.
The aim of the round table was to understand the current state of this art form. The participants in the discussion sought to identify and formulate the creative tasks facing today in the context of active church construction in Russia for professionals in decorative, easel and monumental art, and exchanged practical experience in mastering new materials and innovative technologies of artistic enameling. One of the goals of the meeting was to introduce into scientific circulation information about the use of monumental and decorative enamels in architectural objects of the last quarter of the 20th – early 21st centuries.
Перфильева И.Ю. Круглый стол «Монументально-декоративная эмаль в архитектуре: сакральное пространство храма, общественное пространство метро» // Academia. 2024. № 4. С. 730−739. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-730-739
Perfilieva, I.Yu. (2024), “Round table discussion ʻMonumental and decorative enamel in architecture: sacred space of the temple, public space of the metroʼ” // Academia, 2024, no 4, рр. 730−739. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-730-739
Сергей Романович и Михаил Врубель
В статье рассматриваются некоторые недостаточно изученные аспекты творчества московского художника С.М. Романовича (1894–1968). Некоторые из его произведений неожиданно перекликаются с темами творчества М.А. Врубеля (1853–1910). Эти наблюдения относятся к работам художника как монументалиста и декоратора конца 1930‑х годов и некоторым живописным и графическим произведениям 1930-х – 1950-х годов, а также иллюстрациям к «Демону» М.Ю. Лермонтова и «Фаусту» Иоганна Вольфганга фон Гете, выполненным в поздний период. Анализируется сходство и различия интерпретаций двумя мастерами темы Фауста и Мефистофеля.
The article explores some under-researched aspects of the work of Moscow artist S.M. Romanovich (1894–1968). Several of his pieces unexpectedly resonate with the themes found in the work of M.A. Vrubel (1853–1910). These observations pertain to the artist’s projects as a monumental painter and decorator in the late 1930s, as well as to certain paintings and graphic works from the 1930s to the 1950s, including his illustrations for M.Yu. Lermontov’s “Demon” and Johann Wolfgang von Goethe’s “Faust”, created in the later period of his career. The article analyzes the similarities and differences in the interpretation of the themes of Faust and Mephistopheles by these two masters.
Иньшаков А.Н. Сергей Романович и Михаил Врубель // Academia. 2024. № 4. С. 629–644. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-629-644
Inshakov, A.N. (2024), “Sergey Romanovich and Mikhail Vrubel”, Academia, 2024, no 4, pp. 629–644. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-629-644
Константин Кузнецов: религиозный цикл «Восемь дней творения»
Статья посвящена циклу из восьми картин, написанных в технике темперы, московского художника Константина Николаевича Кузнецова. Цикл был создан в первой половине 1990-х годов на библейскую тему и является живописным размышлением эсхатологического и историософского характера, в котором синтезированы и художественно интерпретированы богословские идеи русского религиозного ренессанса начала ХХ века, актуализированные на рубеже XX‒XXI вв., в тот момент, когда шло активное возвращение досоветского наследия в культуре и христианской мысли. Христианская тематика цикла синтезирована с образами древней восточной мифологии и античной Греции, гармонического союза природы и культуры. Полотна Константина Кузнецова написаны в то время, когда в науке об искусстве заметен интерес к изобразительной иконографии христианских и дохристианских эпох и являются своеобразным творческим проявлением этого интереса.
The article is devoted to a cycle of eight tempera paintings by the Moscow artist Konstantin Kuznetsov. The cycle was created in the first half of the 1990s on a biblical theme. It is a picturesque reflection of an eschatological and historiosophical nature, in which the theological ideas of the Russian religious renaissance of the early 20th century, actualized at the turn of the 21st century, were synthesized and artistically interpreted, at a time when there was an active return of pre-Soviet heritage in culture and Christian thought. The Christian theme of the cycle is synthesized with images of ancient Oriental mythology and ancient Greece, the harmonious union of nature and culture. Konstantin Kuznetsovʼs canvases were painted at a time when art science was noticeably interested in the iconography of Christian and pre-Christian eras, their significance is a kind of creative manifestation of this interest.
Флорковская А.К. Константин Кузнецов: религиозный цикл «Восемь дней творения» // Academia. 2024. № 4. С. 645−656. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-645-656
Florkovskaya, A.K. (2024), “Konstantin Kuznetsov: the religious cycle ʻEight Days of Creationʼ”, Academia, 2024, no 4, рр. 645−656. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-645-656
2024 / 3
Иностранцы о произведениях итальянских мастеров в России конца XV‒XVII веков
Рассматриваются отзывы иностранцев о произведениях итальянцев, созданных в России на протяжении конца XV‒XVII столетий. С восстановлением русской государственности в конце XV века первыми появились в Москве итальянские зодчие, призванные великим князем Иваном III для сооружения резиденции, Московского Кремля. Выросшие в каменных городах европейцы обращали пристальное внимание на привычные для них постройки, среди которых выделялись созданные итальянскими зодчими кремлевские здания. Десятки авторов писали о московской крепости, удивляясь ее величию, прочности и особенностям. Из других сооружений выделяли Успенский собор и дворцовый комплекс, который оценивали по-разному. Заслуживает внимания и описание новых тенденций городской застройки Москвы, ее набережных и «строительства» декоративных садов, что можно уверенно связать с итальянским влиянием. Иностранцы оставили свои отзывы об итальянских посольских дарах, музыке и музыкантах, скульптуре и загородных садах. Рассмотренные записки иностранцев XV‒XVII вв. свидетельствуют о постепенном включении русского общества в контекст европейского художественного процесса.
Черный В.Д. Иностранцы о произведениях итальянских мастеров в России конца XV‒XVII веков // Academia. 2024. № 3. С. 373−387. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-3-1-373-387
Ключевые слова
Архитектурный экфрасис в записках и очерках русских путешественников по Италии
Статья посвящена особенностям восприятия строений и архитектурной среды городов Италии русскими путешественниками в XVII–XIX веках. Благодаря их путевым заметкам и очеркам, в которых сохранились впечатления, аналитические рассуждения и любопытные сопоставления итальянской архитектуры с аналогичными культурными памятниками Отечества, можно восстановить эстетические вкусы и культурные предпочтения трех эпох.
Калугина Н.А. Архитектурный экфрасис в записках и очерках русских путешественников по Италии // Academia. 2024. № 3. С. 388−400. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-3-1-388-400
Ключевые слова
Интерпретация живописи Рафаэля и Гвидо Рени в ростовской финифти конца XVIII–XX вв. в иконографии Богоматери (тип Мадонны)
В статье рассматривается вопрос об использовании ростовскими мастерами произведений итальянских художников Рафаэля и Гвидо Рени в качестве оригинальных источников. В научный оборот вводятся миниатюры на эмали с изображением Богоматери (тип Мадонны) конца XVIII–XX вв.
Пак В.Ф. Интерпретация живописи Рафаэля и Гвидо Рени в ростовской финифти конца XVIII–XX вв. в иконографии Богоматери (тип Мадонны) // Academia. 2024. № 3. С. 492−500. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-3-1-492-500
Ключевые слова
Мальтийский тронный зал в Михайловском замке. Отражение Италии
Степень погружения русского искусства в эстетические предпочтения уходящей эпохи европейского неоклассицизма конца XVIII века отражена в декоративном убранстве Михайловского замка – в том числе в утраченной, но не безвозвратно, Мальтийской тронной зале. Линия преемственности итальянских архитекторов в решении декоративного убранства интерьеров Михайловского замка связана с именами Джакомо Кваренги (1744‒1817) и Винченцо Бренна (1747‒1820). Чудом сохранившиеся фрески на куполе Мальтийского тронного зала в Михайловском дворце, исполненные итальянским художником-декоратором Карло Скотти и вновь открытые в результате реставрационных работ в 2015 году, являются редчайшим сохранившимся примером золотого фонда русской монументальной живописи конца XVIII века и требуют скорейшей реставрации. Эстетической экспертизе истоков, параллелей и мастерству исполнения посвящено это исследование.
Колосова Ю.Л. Мальтийский тронный зал в Михайловском замке. Отражение Италии // Academia. 2024. № 3. С. 519−530. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-3-1-519-530
Ключевые слова
«Итальянская тема» в романтико-просветительской концепции искусства Н.В. Гоголя
Статья посвящена рассмотрению роли «итальянской темы» в творчестве великого русского писателя Н.В. Гоголя, нашедшей отражение в его романтической и просветительской концепции искусства. Автор анализирует взгляды Гоголя на проблему творчества, на просветительскую миссию искусства. Особое внимание уделено произведениям писателя в области художественной критики (в том числе статьям об А.А. Иванове и К.П. Брюллове). «Итальянская тема» стала важным объектом художественного наследия Н.В. Гоголя.
Федотова Е.Д. «Итальянская тема» в романтико-просветительской концепции искусства Н.В. Гоголя // Academia. 2024. № 3. С. 401−408. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-3-1-401-408