2024 / 4
Иван Григорьев – художник-миниатюрист Императорской Академии художеств. Новые находки
Класс портретной миниатюры в Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге существовал порядка 50 лет – с 1779 по 1830 год. Однако художественное наследие учеников и выпускников класса до сих пор не описано и не упорядочено. К тому же миниатюристы в Академии часто писали миниатюры-копии с живописных оригиналов известных западных авторов и аллегорические сцены, которые авторы-составители каталогов портретной миниатюры зачастую игнорируют. Художник-миниатюрист Иван Григорьев представляет собой счастливое исключение. Биография и творческое наследие мастера дают достаточно информации для того, чтобы рассматривать этого художника как яркого представителя самобытной, формирующей подлинную творческую индивидуальность русской школы портретной миниатюры. Иван Григорьев часто писал представителей семьи Михаила Кутузова, получал постоянные заказы от прославленной русской аристократической фамилии, что красноречиво свидетельствует о высокой оценке его творчества. Тем важнее появление в поле зрения исследователей «новых» произведений, каждое из которых способно многое рассказать о русском художнике, его мастерстве и окружении.
The portrait miniature class at the Imperial Academy of Arts in St Petersburg existed for about 50 years, since 1779 to 1830. However, the artistic legacy of the class’s students and graduates has not yet been described or put in order. Miniaturists at the Academy often painted miniature copies of originals by famous Western artists and allegorical scenes, which the compilers of catalogs often ignore. Miniaturist Ivan Grigoriev is a happy exception. The biography and creative legacy of the master provide enough information to consider this artist as a representative of the original Russian school of portrait miniatures, which forms a genuine creative individuality. Ivan Grigoriev often painted representatives of famous Mikhail Kutuzov’s family receiving constant orders from the Russian aristocratic family, which eloquently testifies the high assessment of his work. But more important is that newly found works appear in the field of view of researchers, and each of them is capable of telling a lot about the Russian artist, his skill and environment.
Пуликова Л.В. Иван Григорьев – художник-миниатюрист Императорской Академии художеств. Новые находки // Academia. 2024. № 4. С. 710−720. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-710-720
Pulikova, L.V. (2024), “Ivan Grigoriev, a miniaturist of the Imperial Academy of Arts. Latest Discoveries”, Academia, 2024, no 4, рр. 710−720. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-710-720
Художник – гражданин. Издание к 100-летнему юбилею народного художника СССР Виктора Ивановича Иванова
Статья посвящена новому научному изданию о творчестве народного художника СССР, академика Виктора Ивановича Иванова. Структура издания включает два равнозначных блока, первый – это опубликованные в разные годы высказывания художника, второй – монографическое искусствоведческое исследование за авторством академика Российской академии художеств В.П. Сысоева. Книга готовится при поддержке Научно-исследовательского института теории и истории изобразительных искусств РАХ и приурочена к 100-летнему юбилею мастера.
The article examines a scholarly publication highlighting the creative journey and unique life of Viktor Ivanov, People’s Artist of the USSR and an Academician. The structure of the book consists of two equally significant sections. One section comprises articles and materials written by the artist himself, published over various years, while the other features a monographic art-historical study of his paintings authored by Academician Vladimir Sysoev of the Russian Academy of Arts. The publication is being prepared with the support of the Research Institute of Theory and History of Fine Arts of the Russian Academy of Arts and is timed to coincide with the 100th anniversary of the master.
Корина Н.Д. Художник – гражданин. Издание к 100-летнему юбилею народного художника СССР Виктора Ивановича Иванова // Academia. 2024. № 4. С. 721−729. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-721-729
Korina, N.D. (2024), “Artist-Citizen. Publication for the 100th Anniversary of People’s Artist of the USSR Viktor Ivanovich Ivanov”, Academia, 2024, no 4, рр. 721−729. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-721-729
Ключевые слова
Болезнь и борьба с ней в «Изенгеймском алтаре» (1512–1516) Маттиаса Грюневальда
В статье исследуется тесная связь сюжетов и образов «Изенгеймского алтаря» (1512–1516) с той практической ролью, которую он играл. Заказанный Маттиасу Грюневальду (Нитхарту-Готхарту) орденом антонитов для церкви в г. Изенгейме, алтарь прежде всего рассматривался как средство исцеления от тяжелых недугов, таких как чума, сифилис, эпилепсия и «антониев огонь», и, что не менее важно, служил духовной поддержкой для пациентов ордена. В образах алтаря тяжелобольной человек видел свою болезнь и борьбу с ней, а главное ‒ путь избавления от страдания посредством его принятия и единения с Богом.
The article explores the close connection between the themes and imagery of the Isenheim Altarpiece (1512–1516) and its practical role. Commissioned by the Order of St. Anthony from Matthias Grünewald (Neithardt-Gothart) for the church in Isenheim, the altarpiece was primarily seen as a means of healing from severe ailments such as the plague, syphilis, epilepsy, and “St. Anthony’s Fire”. Equally important, it served as spiritual support for the order’s patients. In the images of the altarpiece a gravely ill person could see their own illness and struggle, and most importantly, find a path to relief through acceptance and unity with God.
Ковальская Я.А. Болезнь и борьба с ней в «Изенгеймском алтаре» (1512–1516) Маттиаса Грюневальда // Academia. 2024. № 4. С. 695−701. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-695-701
Kovalskaya, Ya.A. (2024), “Illness and the struggle against it in Matthias Grünewald’s ‘Isenheim Altarpiece’ (1512‒1516)”, Academia, 2024, no 4, рр. 695−701. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-695-701
Образ Карелии в произведениях русских и финских художников конца XIX ‒ начала XX века
Данная статья стремится обозначить ключевые темы и мотивы, находящие отражение в творчестве русских и финских художников, а также исследует, как их произведения способствовали формированию образа Карелии в культурном сознании конца XIX ‒ начала XX века. Этот период ознаменовался повышенным интересом к пейзажу. Все чаще художники отправлялись на пленэр, посещая разные, иногда самые отдаленные уголки страны. Карелия в это время ‒ не просто географический регион, но важный элемент культурного и исторического пространства, отображающего духовные искания и художественные эксперименты эпохи.
This article aims to highlight key themes and motifs reflected in the works of Russian and Finnish artists and explores how their creations contributed to shaping the image of Karelia in the cultural consciousness of the late 19th to early 20th centuries. This period was marked by a heightened interest in landscapes, with artists increasingly venturing out to paint en plein air, visiting various and sometimes remote parts of the country. During this time, Karelia became not just a geographic region but an essential element of the cultural and historical landscape, embodying the spiritual pursuits and artistic experimentation of the era.
Лунина Ю.О. Образ Карелии в произведениях русских и финских художников конца XIX ‒ начала XX века // Academia. 2024. № 4. С. 702−709. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-702-709
Lunina, Yu.O. (2024), “The image of Karelia in the works of Russian and Finnish artists of the late 19th to early 20th centuries”, Academia, 2024, no 4, рр. 702−709. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-702-709
Ключевые слова
«Вот так картинки!». Детские книги В.М. Конашевича второй половины 1920-х годов
В статье рассматривается значительная, но недостаточно подробно изученная часть творческого наследия выдающегося графика Владимира Михайловича Конашевича (1888–1963) – его выполненные во второй половине 1920-х гг. иллюстрации к детским книгам, главным образом – к сочинениям литераторов «второго ряда». Большинству работ Конашевича этого периода свойственно ярко выраженное игровое начало. Познавательность легко совмещается в них с динамичным действием, нарядная декоративность – с иронией, условность графических образов – с их эмоциональной убедительностью. Характеризуется особое положение, которое занимал мастер в кругу коллег, анализируются его теоретические высказывания об оформлении детской книги.
The article examines a significant, but insufficiently studied part of the creative legacy of the outstanding graphic artist Vladimir Mikhailovich Konashevich (1888-1963) – his illustrations for children's books made in the second half of the 1920s, mainly for the works of "second row" writers. Most of Konashevich's works of this period are characterized by a pronounced playful beginning. Cognition is easily combined in them with dynamic action, elegant decorativeness with irony, the conventionality of graphic images with their emotional persuasiveness. The special position that the master occupied in the circle of colleagues is characterized, his theoretical statements about the design of a children's book are analyzed.
Фомин Д.В. «Вот так картинки!». Детские книги В.М. Конашевича второй половины 1920-х годов // Academia. 2024. № 4. С. 606−628. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-606-628
Fomin, D.V. (2024), “These are the pictures!”. Vladimir Konashevich's children's books of the second half of the 1920s”, Academia, 2024, no 4, pp. 606−628. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-606-628
Ключевые слова
Круглый стол «Монументально-декоративная эмаль в архитектуре: сакральное пространство храма, общественное пространство метро»
Обзор докладов, прочитанных на заседании круглого стола «Монументально-декоративная эмаль в архитектуре: сакральное пространство храма, общественное пространство метро», состоявшегося 3 апреля 2024 года в Российской академии художеств, очерчивает проблемы, связанные с развитием художественной эмали, как самостоятельного вида пластических искусств в контексте современных художественно-стилистических тенденций, эволюционирующих на стыке декоративного, станкового и монументального искусств. Круглый стол был организован и проводился Отделом художественных проблем дизайна, декоративного и народного искусства Научно-исследовательского института теории и истории изобразительных искусств Российской академии художеств при поддержке Отделений дизайна и декоративных искусств РАХ.
Целями круглого стола стали осмысление современного состояния этого вида искусства: выявление и формулирование творческих задач, стоящих перед мастерами в декоративном, станковом и монументальном искусстве в контексте активного храмового строительства в России, обмен практическим опытом освоения новых материалов и новационных технологий художественного эмалирования, а также введение в научный оборот информации о применении монументально-декоративных эмалей в архитектурных объектах последней четверти ХХ – начала XXI в.
A review of the papers presented at the round table “Monumental and decorative enamel in architecture: sacred space of the temple, public space of the metro”, held on April 3, 2024 at the Russian Academy of Arts, outlines the issues associated with the development of artistic enamel as an independent type of plastic arts in the context of modern artistic and stylistic trends evolving at the junction decorative, easel and monumental arts. The dicussion was prepared and held by the Department of Artistic Problems of Design, Decorative and Folk Art of the Scientific Research Institute of Theory and History of Fine Arts of the Russian Academy of Arts with the support of the Department of Design and Decorative Arts of the Russian Academy of Arts.
The aim of the round table was to understand the current state of this art form. The participants in the discussion sought to identify and formulate the creative tasks facing today in the context of active church construction in Russia for professionals in decorative, easel and monumental art, and exchanged practical experience in mastering new materials and innovative technologies of artistic enameling. One of the goals of the meeting was to introduce into scientific circulation information about the use of monumental and decorative enamels in architectural objects of the last quarter of the 20th – early 21st centuries.
Перфильева И.Ю. Круглый стол «Монументально-декоративная эмаль в архитектуре: сакральное пространство храма, общественное пространство метро» // Academia. 2024. № 4. С. 730−739. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-730-739
Perfilieva, I.Yu. (2024), “Round table discussion ʻMonumental and decorative enamel in architecture: sacred space of the temple, public space of the metroʼ” // Academia, 2024, no 4, рр. 730−739. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-730-739
Сергей Романович и Михаил Врубель
В статье рассматриваются некоторые недостаточно изученные аспекты творчества московского художника С.М. Романовича (1894–1968). Некоторые из его произведений неожиданно перекликаются с темами творчества М.А. Врубеля (1853–1910). Эти наблюдения относятся к работам художника как монументалиста и декоратора конца 1930‑х годов и некоторым живописным и графическим произведениям 1930-х – 1950-х годов, а также иллюстрациям к «Демону» М.Ю. Лермонтова и «Фаусту» Иоганна Вольфганга фон Гете, выполненным в поздний период. Анализируется сходство и различия интерпретаций двумя мастерами темы Фауста и Мефистофеля.
The article explores some under-researched aspects of the work of Moscow artist S.M. Romanovich (1894–1968). Several of his pieces unexpectedly resonate with the themes found in the work of M.A. Vrubel (1853–1910). These observations pertain to the artist’s projects as a monumental painter and decorator in the late 1930s, as well as to certain paintings and graphic works from the 1930s to the 1950s, including his illustrations for M.Yu. Lermontov’s “Demon” and Johann Wolfgang von Goethe’s “Faust”, created in the later period of his career. The article analyzes the similarities and differences in the interpretation of the themes of Faust and Mephistopheles by these two masters.
Иньшаков А.Н. Сергей Романович и Михаил Врубель // Academia. 2024. № 4. С. 629–644. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-629-644
Inshakov, A.N. (2024), “Sergey Romanovich and Mikhail Vrubel”, Academia, 2024, no 4, pp. 629–644. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-629-644
Константин Кузнецов: религиозный цикл «Восемь дней творения»
Статья посвящена циклу из восьми картин, написанных в технике темперы, московского художника Константина Николаевича Кузнецова. Цикл был создан в первой половине 1990-х годов на библейскую тему и является живописным размышлением эсхатологического и историософского характера, в котором синтезированы и художественно интерпретированы богословские идеи русского религиозного ренессанса начала ХХ века, актуализированные на рубеже XX‒XXI вв., в тот момент, когда шло активное возвращение досоветского наследия в культуре и христианской мысли. Христианская тематика цикла синтезирована с образами древней восточной мифологии и античной Греции, гармонического союза природы и культуры. Полотна Константина Кузнецова написаны в то время, когда в науке об искусстве заметен интерес к изобразительной иконографии христианских и дохристианских эпох и являются своеобразным творческим проявлением этого интереса.
The article is devoted to a cycle of eight tempera paintings by the Moscow artist Konstantin Kuznetsov. The cycle was created in the first half of the 1990s on a biblical theme. It is a picturesque reflection of an eschatological and historiosophical nature, in which the theological ideas of the Russian religious renaissance of the early 20th century, actualized at the turn of the 21st century, were synthesized and artistically interpreted, at a time when there was an active return of pre-Soviet heritage in culture and Christian thought. The Christian theme of the cycle is synthesized with images of ancient Oriental mythology and ancient Greece, the harmonious union of nature and culture. Konstantin Kuznetsovʼs canvases were painted at a time when art science was noticeably interested in the iconography of Christian and pre-Christian eras, their significance is a kind of creative manifestation of this interest.
Флорковская А.К. Константин Кузнецов: религиозный цикл «Восемь дней творения» // Academia. 2024. № 4. С. 645−656. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-645-656
Florkovskaya, A.K. (2024), “Konstantin Kuznetsov: the religious cycle ʻEight Days of Creationʼ”, Academia, 2024, no 4, рр. 645−656. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-4-1-645-656
2024 / 3
Иностранцы о произведениях итальянских мастеров в России конца XV‒XVII веков
Рассматриваются отзывы иностранцев о произведениях итальянцев, созданных в России на протяжении конца XV‒XVII столетий. С восстановлением русской государственности в конце XV века первыми появились в Москве итальянские зодчие, призванные великим князем Иваном III для сооружения резиденции, Московского Кремля. Выросшие в каменных городах европейцы обращали пристальное внимание на привычные для них постройки, среди которых выделялись созданные итальянскими зодчими кремлевские здания. Десятки авторов писали о московской крепости, удивляясь ее величию, прочности и особенностям. Из других сооружений выделяли Успенский собор и дворцовый комплекс, который оценивали по-разному. Заслуживает внимания и описание новых тенденций городской застройки Москвы, ее набережных и «строительства» декоративных садов, что можно уверенно связать с итальянским влиянием. Иностранцы оставили свои отзывы об итальянских посольских дарах, музыке и музыкантах, скульптуре и загородных садах. Рассмотренные записки иностранцев XV‒XVII вв. свидетельствуют о постепенном включении русского общества в контекст европейского художественного процесса.
Черный В.Д. Иностранцы о произведениях итальянских мастеров в России конца XV‒XVII веков // Academia. 2024. № 3. С. 373−387. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-3-1-373-387
Ключевые слова
Архитектурный экфрасис в записках и очерках русских путешественников по Италии
Статья посвящена особенностям восприятия строений и архитектурной среды городов Италии русскими путешественниками в XVII–XIX веках. Благодаря их путевым заметкам и очеркам, в которых сохранились впечатления, аналитические рассуждения и любопытные сопоставления итальянской архитектуры с аналогичными культурными памятниками Отечества, можно восстановить эстетические вкусы и культурные предпочтения трех эпох.
Калугина Н.А. Архитектурный экфрасис в записках и очерках русских путешественников по Италии // Academia. 2024. № 3. С. 388−400. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-3-1-388-400
Ключевые слова
Интерпретация живописи Рафаэля и Гвидо Рени в ростовской финифти конца XVIII–XX вв. в иконографии Богоматери (тип Мадонны)
В статье рассматривается вопрос об использовании ростовскими мастерами произведений итальянских художников Рафаэля и Гвидо Рени в качестве оригинальных источников. В научный оборот вводятся миниатюры на эмали с изображением Богоматери (тип Мадонны) конца XVIII–XX вв.
Пак В.Ф. Интерпретация живописи Рафаэля и Гвидо Рени в ростовской финифти конца XVIII–XX вв. в иконографии Богоматери (тип Мадонны) // Academia. 2024. № 3. С. 492−500. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-3-1-492-500
Ключевые слова
Мальтийский тронный зал в Михайловском замке. Отражение Италии
Степень погружения русского искусства в эстетические предпочтения уходящей эпохи европейского неоклассицизма конца XVIII века отражена в декоративном убранстве Михайловского замка – в том числе в утраченной, но не безвозвратно, Мальтийской тронной зале. Линия преемственности итальянских архитекторов в решении декоративного убранства интерьеров Михайловского замка связана с именами Джакомо Кваренги (1744‒1817) и Винченцо Бренна (1747‒1820). Чудом сохранившиеся фрески на куполе Мальтийского тронного зала в Михайловском дворце, исполненные итальянским художником-декоратором Карло Скотти и вновь открытые в результате реставрационных работ в 2015 году, являются редчайшим сохранившимся примером золотого фонда русской монументальной живописи конца XVIII века и требуют скорейшей реставрации. Эстетической экспертизе истоков, параллелей и мастерству исполнения посвящено это исследование.
Колосова Ю.Л. Мальтийский тронный зал в Михайловском замке. Отражение Италии // Academia. 2024. № 3. С. 519−530. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-3-1-519-530
Ключевые слова
«Итальянская тема» в романтико-просветительской концепции искусства Н.В. Гоголя
Статья посвящена рассмотрению роли «итальянской темы» в творчестве великого русского писателя Н.В. Гоголя, нашедшей отражение в его романтической и просветительской концепции искусства. Автор анализирует взгляды Гоголя на проблему творчества, на просветительскую миссию искусства. Особое внимание уделено произведениям писателя в области художественной критики (в том числе статьям об А.А. Иванове и К.П. Брюллове). «Итальянская тема» стала важным объектом художественного наследия Н.В. Гоголя.
Федотова Е.Д. «Итальянская тема» в романтико-просветительской концепции искусства Н.В. Гоголя // Academia. 2024. № 3. С. 401−408. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-3-1-401-408
Ключевые слова
Итальянская скульптура неоклассицизма в Радищевском музее
В статье представлена история изучения двух скульптурных портретов и большой мраморной статуи, поступивших в музей после октябрьской революции 1917 года из различных дворянских собраний. Как нередко бывает с произведениями, поступившими в музей в этот период, из-за ошибок в записях или утраты документов терялись сведения об авторе, названии, имени изображенных лиц, источнике поступления и пр. Все рассматриваемые работы были подписаны, но неизвестно было имя женщины, изображенной на одном из портретов, а также название статуи. Кроме того, было интересно проследить историю заказа рассматриваемых работ.
Щетина М.В. Итальянская скульптура неоклассицизма в Радищевском музее // Academia. 2024. № 3. С. 428−437. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-3-1-428-437
Публичные экспозиции живописи в Италии и Европе 1820-х годов по свидетельствам пенсионеров Императорской Академии художеств
В статье на основе эго-документов русских мастеров исследуется вопрос о проходивших в конце 1810-х‒1820-х гг. в Европе публичных выставках изобразительного искусства. Отправленные Академией художеств в пенсионерскую поездку в 1818 году живописец С.Ф. Щедрин, скульптор С.И. Гальберг и архитектор В.А. Глинка свои впечатления записывали по-разному: С.Ф. Щедрин сообщал об этом в письмах родным в Петербург и «другу Самойле»; С.И. Гальберг вел дневник, на основе которого составлял отчеты и письма; эпистолярное наследие В.А. Глинки сохранилось только в «донесениях в Академию» и очень редких письмах. В 1822 году к «русской колонии» присоединились братья К.П. и А.П. Брюлловы, которые оставили свое эпистолярное наследие.
Сохор Т.Е. Публичные экспозиции живописи в Италии и Европе 1820-х годов по свидетельствам пенсионеров Императорской Академии художеств // Academia. 2024. № 3. С. 409−417. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-3-1-409-417
Итальянская и русская живопись на VII биеннале в Венеции
В статье впервые предпринята попытка рассмотреть особенности и взаимопересечения итальянской и русской живописи, показанной на VII Венецианской биеннале 1907 года. Проанализированы произведения русских и итальянских художников, в которых отразились новые черты развития живописи рубежа XIX–ХХ вв. Объединяющим признаком различных школ стал мировоззренческий дух символизма и поиск Красоты, обусловленный новыми вызовами времени и общеевропейским стилем модерн. В стилистически разнообразных символистских композициях, портретах, пейзажах итальянской и русской школ прослеживалась тенденция сохранения национальных традиций и одновременно желание обновления и индивидуального творческого поиска.
Штольдер Н.В. Итальянская и русская живопись на VII биеннале в Венеции // Academia. 2024. № 3. С. 438−453. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-3-1-438-453
Ключевые слова
Итальянские путевые наброски И.В. Жолтовского 1924‒1926 годов в контексте творческой биографии архитектора
Статья впервые подробно рассматривает графические наброски 1924‒1926 годов, созданные архитектором И.В. Жолтовским по время его последнего длительного пребывания в Италии. Описаны события, предшествовавшие его отъезду, и обстановка в русской колонии в Риме того времени. Географическая последовательность путешествия зодчего по стране, увязана с фактами его творческой жизни и хроникой дружеских встреч. Указаны особенности наследия Жолтовского и отличия от рисунков его коллег по Академии художеств.
Нащокина М.В. Итальянские путевые наброски И.В. Жолтовского 1924‒1926 годов в контексте творческой биографии архитектора // Academia. 2024. № 3. С. 454−469. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-3-1-454-469
Ключевые слова
Итальянское путешествие В.М. Васнецова и его значение в творчестве художника
В творческом пути В.М. Васнецова значение поездки в Италию в 1885 году сложно переоценить. В итальянское путешествие он отправился по рекомендации А.В. Прахова, после того как дал согласие на выполнение масштабного и сложного для себя заказа – стенописи в соборе Св. Владимира в Киеве на основе синтеза традиций искусства Византии, эпохи Возрождения и академизма. Впечатления художника от посещения Венеции, Рима, Флоренции, Равенны и Неаполя отражены в его эпистолярном наследии. Именно изучение итальянской культуры, прежде всего произведений живописи эпохи Ренессанса, позволило ему обрести необходимый профессиональный опыт и сформировать вектор художественных влияний, который затем нашел свое выражение в различных творческих сферах, в том числе в монументальной живописи собора Св. Владимира в Киеве, по праву занимающей одно из центральных мест в творческом наследии живописца.
Скоробогачева Е.А. Итальянское путешествие В.М. Васнецова и его значение в творчестве художника // Academia. 2024. № 3. С. 409−417. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-3-1-418-427
Париж (и другие) vs Рим: национальные школы и проблема образца в XIX веке
В статье рассматривается смена ценностных критериев в эстетической сфере, завершившаяся в XIX веке и приведшая к радикальному пересмотру статуса художественного образца и формированию современного искусства. В центре внимания основные феномены развития художественного процесса, благодаря которым совершился этот пересмотр: углубление представлений об античном искусстве, обращение романтизма к новым духовным и эстетическим ориентирам, становление национальных школ как решающий фактор развития искусства, снятие определенной системы нормативных границ, свершившееся в реализме, фундаментальное обновление живописной техники. Парижская национальная школа рассматривается как средоточие этих факторов, где проблема самоценности живописи и ее элементов приобретает выраженный характер и находит последовательное решение.
Для цитирования: Лукичева К.Л. Париж (и другие) vs Рим: национальные школы и проблема образца в XIX веке // Academia. 2024. № 3. С. 470−491. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-3-1-470-491
Итальянские ювелиры на международной биеннале «Алатырь» и современный опыт творческих контактов. Италия и Россия
Статья посвящена анализу опыта проведения международного проекта в области образования художников-ювелиров Италии и России. В течение нескольких лет он осуществлялся по инициативе Калининградского областного музея янтаря и поддержке некоммерческой международной организации «Claudia Augusta project». Международное творческое сотрудничество России и Италии происходило в двух формах: творческий обмен молодых художников-ювелиров; участие в Международной биеннале «Алатырь» в Калининграде[1].
Перфильева И.Ю. Итальянские ювелиры на Международной биеннале «Алатырь» и современный опыт творческих контактов. Италия и Россия // Academia. 2024. № 3. С. 501−518. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-3-1-501-518
2024 / 2
Петр Басин – пенсионер Императорской Академии художеств: линия жизни в пространстве Италии
Материалы для статьи получены в результате исследования, проведенного в процессе подготовки к научной публикации писем пенсионера, а впоследствии профессора Академии художеств ‒ П.В. Басина (1793–1877). В статье освещаются некоторые обстоятельства его жизни в Италии, «точки пересечения» с собратьями по искусству и характер личных взаимоотношений. Сопоставление текстов писем Басина с эпистолярным наследием его современников-пенсионеров позволяет уточнить некоторые факты, имена и обстоятельства существования русской колонии в Риме в 1820-е годы, круг интересов и новые аспекты диалога русских художников с общеевропейским культурным наследием.
Степанова С.С. Петр Басин – пенсионер Императорской Академии художеств: линия жизни в пространстве Италии // Academia. 2024. № 2. С. 310−323. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-2-1-310-323
Атрибуция неизвестных акварелей Ливадии архитектора Н.П. Краснова
Статья посвящена атрибуции ранее не известных акварелей Ливадии архитектора Н.П. Краснова. Они хранятся в Российском государственном историческом архиве, где по ошибке были отнесены к ансамблю великокняжеской усадьбы Харакс. Система доказательств принадлежности изображений императорской Ливадии опирается на решение ряда вопросов.
На основании датировки рисунков уточняются обстоятельства составления проектов, их место и роль в строительстве ансамбля. Одни из акварелей относятся к первым, а другие к числу последних работ Н.П. Краснова в Ливадии. Первые связаны с поисками образа Большого дворца и Свитского дома, последние посвящены обустройству участка ансамбля от Дома министра до царского храма, и в статье каждый из этапов рассматривается отдельно.
Проектная графика служит основанием для реконструкции взглядов, реакции автора на обновление стилистики архитектуры и садово-паркового искусства начала XIX века в направлении символизма и модерна. Исследуемые материалы вводятся в историко-культурный контекст. Они сопоставляются с современным состоянием памятников. Четыре акварели публикуются впервые.
Слюнькова И.Н. Атрибуция неизвестных акварелей Ливадии архитектора Н.П. Краснова // Academia. 2024. № 2. С. 205−222. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-2-1-205-222
Образы искусства Италии эпохи Рисорджименто
Статья посвящена искусству Италии XIX века. В эпоху борьбы итальянского народа за освобождение и объединение художники создавали образы национальных героев, изображали важные исторические события. Их работы являются документами эпохи Рисорджименто, произведениями итальянского веризма.
Федотова Е.Д. Образы искусства Италии эпохи Рисорджименто // Academia. 2024. № 2. С. 223−238. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-2-1-223-238
Александр Бенуа – читатель Федора Достоевского
В статье рассмотрен вопрос о влиянии произведений Федора Достоевского преимущественно на литературное творчество Александра Бенуа. Установлено, что повести «Записки из мертвого дома», «Записки из подполья», и роман «Преступление и наказание» повлияли на описание Бенуа картин русских художников второй половины XIX века в работе «История русской живописи в XIX веке» (1902). Также установлено, что Бенуа были близки эстетические категории красоты (роман «Братья Карамазовы») и «фантастической реальности» («Дневник писателя») Достоевского, что получило отражение как в упомянутой выше работе, так и в работе «Русская живопись». Автор пришел к выводу, что творчество Достоевского оказало влияние на деятельность Бенуа в области истории искусства и художественной критики.
Завьялова А.Е. Александр Бенуа – читатель Федора Достоевского // Academia. 2024. № 2. С. 264−271. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-2-1-264-271
Творчество Элиде Кабасси. Между Италией и Россией
В статье рассматривается творчество Элиде Кабасси, итальянской художницы, которая живет в России с 1992 года. Творчество Кабасси вызывает особый интерес, поскольку в нем органично соединились традиции итальянского Возрождения и древнерусского искусства как основы, на которой она создала свой художественный мир, открытый многим новациям искусства ХХ века. Живопись Кабасси отличается уникальным профессиональным мастерством, глубиной философского подтекста и поэтическим началом.
Юшкова О.А. Творчество Элиде Кабасси. Между Италией и Россией // Academia. 2024. № 2. С. 272−288. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-2-1-200-200