2021 / 2
Икона в творчестве Александра Чашкина
Аннотация
Иконописец Александр Иванович Чашкин – ученик великого мастера иконописи архимандрита Зинона (Теодора). Однако в своем творчестве Чашкин создает собственный индивидуальный мир, где византийская художественная традиция глубоко переосмысливается, и перед нами предстает вариант ее интерпретации. Современные греки, признавая византийскую основу его иконописи, свидетельствуют о своеобразии его художественного языка в рамках сакрального мира художника. Большую роль в формировании творческого подхода Александра Чашкина сыграла духовная суть иконописи, воспринятая им от монахини Иулиании (Соколовой). В своих иконах Чашкин соединяет внешнюю красоту образа с его глубоким внутренним содержанием.
Abstract
The icon painter Alexander Ivanovich Chashkin is a disciple of the great master Archimandrite Zinon (Theodore). However, Chashkin creates his own individual world in his work, where the Byzantine artistic tradition is reinterpreted and presented to us as a deeply original version of its interpretation. Thus, the modern Greeks, recognizing the Byzantine basis of his iconography, testify to the specialness of his artistic language within the framework of the artist's personal world. A great role in the formation of Alexander Chashkin's work was played by the spiritual essence of icon painting, which he received from the nun Juliania (Sokolova). In his icons, Mr. Chashkin combines the external beauty of the image with a deep inner content.
Для цитирования:
Рындина А.В. Икона в творчестве Александра Чашкина // Academia. 2021. № 2. С. 142-148. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-2-1-142-148
Небесные радости Богоматери в ярославском искусстве конца XVII-начала XVIII веков
Аннотация
В эпоху расцвета ярославского искусства расширился круг литературных источников художественных работ. Большой популярностью пользовалось сочинение Иоанникия Галятовского «Небо Новое». Так, чудо о Фоме Кантуарийском, которому Богоматерь рассказала о своих Радостях на Небесах, стало самостоятельным иконографическим сюжетом, который известен в Ярославле и в иконах, и в монументальной живописи. Предполагается, что эта композиция возникла и развивалась в кругу знаменщика Федора Игнатьева. В настоящее время в других художественных центрах подобный сюжет пока не выявлен.
Abstract
In its heydays, Yaroslavl art expanded its range of literary sources. The composition of Ioanniky Galyatovsky “Nebo Novoe” (“New Heaven”) was very popular. The miracle of St Thomas Becket of Canterbury, in which the Virgin tells him of her rapture in Heaven, became an iconographic subject. In Yaroslavl art this theme can be found in several versions, both in icons and in monumental painting. It is believed that the theme appeared and was developed in the school of Yaroslavl icon painter Feodor Ignatiev. Currently, this plot has not been identified in other centres of art.
Для цитирования:
Макарова Е.Ю. «Небесные радости Богоматери» в ярославском искусстве конца XVII – начала XVIII века // Academia. 2021. № 2. С. 111–117. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-2-1-111–117
Перспективы и практики христоцентричного искусства
Аннотация
В статье дается определение термина «христоцентричное искусство», который характеризует перспективное с точки зрения автора направление искусства, задающее вектор развития современной христианской культуры в постсекулярном мире. Далее термин раскрывается на конкретных примерах из авторской практики последних лет; рассматриваются другие представители, планы и перспективы этого направления.
Abstract
The article defines the term “Christ-centric art”, which characterizes a promising direction of art, setting the vector of the development of modern Christian culture in the post-secular world. The term is then revealed in specific examples from the author's practice of recent years, and describes other representatives, plans and perspectives for this direction.
Для цитирования:
Гор Чахал. Перспективы и практики христоцентричного искусства // Academia. 2021. № 2. С. 170-177. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-2-1-170-177
«Смерть Пелопида»: мемория – история – поэтика
Аннотация
В статье рассматривается история создания и особенности художественно-пластической трактовки произведения, созданного историческим живописцем, профессором Императорской Академии художеств Андреем Ивановичем Ивановым. Автор статьи ставит вопрос об истоках замысла, литературной основе сюжета и специфике художественного решения. Принятое мнение о посвящении картины памяти И. Пнина и связанная с этим датировка полотна подвергаются сомнению на основании анализа смыслового содержания избранного художником эпизода, а также исходя из живописной стилистики и особенностей манеры письма.
(Исследование выполнено при финансовой поддержке РФФИ в рамках научного проекта № 19-012-00459).
Abstract
The article deals with the history of creation and features of artistic and plastic interpretation of the work created by the historical painter, Professor of the Imperial Academy of Art Andrey Ivanovich Ivanov. The author raises the question of the origins of the idea, the literary basis of the plot, and the specifiсs of artistic solution. Accepted opinion on the dedication of the painting to the memory of I. Pnin and the associated dating of the canvas are questioned based on the analysis of the semantic content of the episode chosen by the artist and stylistic peculiarities of the painting.
The reported study was funded by RFBR according to the research project no. 19-012-00459.
Для цитирования:
Степанова С.С. «Смерть Пелопида»: мемория – история – поэтика // Academia. 2021. № 1. С. 118–128. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-2-1-118-128
Пространства для экспонирования внеконфессионального религиозного искусства: российский и зарубежный опыт
Аннотация
С ростом в XX–XXI вв. «экспозиционной ценности» произведений искусства (В. Беньямин) меняются и контексты их восприятия. Внеконфессиональное религиозное искусство обнаруживает свою актуальность в различных экспозиционных контекстах: в пространстве храма и храмового комплекса, в городском пространстве, в епархиальных и художественных музеях. Создаются также специальные пространства диалога церкви и искусства. Сравнительный анализ зарубежного и российского опыта основывается на синхронном поиске путей взаимодействия искусства и религии. На примере деятельности христианских церквей показывается признание ими актуальности формирования художественной компетентности.
Abstract
With the growth of the art works ‘exposition value’ (V. Benjamin) in the XX–XXI centuries, the contexts of their perception also change. Non-confessional religious art reveals its relevance in various exposition contexts: in the space of a church and church complex, in urban spaces, in diocesan and art museums. Special spaces for dialogue between church and art are also being created. A comparative analysis of foreign and Russian experience is based on a synchronous search for ways of interaction between art and religion. On the example of the activities of Christian churches, the author shows their recognition of the relevance of the formation of artistic competence.
Для цитирования:
Барашков В.В. Пространства для экспонирования внеконфессионального религиозного искусства: российский и зарубежный опыт // Academia. 2021. № 2. С. 149–162. DOI: 10.37953-2079-0341-2021-2-1-149-162
Искусство ислама – шамаиль – традиции и современность
Аннотация
Изобразительное искусство ислама многогранно и имеет очень древнюю историю, а темы тесно переплетаются с культурой, философией, религиозным знанием и историей нашей страны. В статье рассматривается шамаиль – особый вид мусульманского изобразительного искусства, своеобразный феномен культуры ислама и важная часть религиозно-эстетического сознания мусульман. Шамаиль является носителем коранического содержания – текста в виде суры из Священного Корана, соответствующе оформленного, с изображением мечетей или крепостей, орнаментов или птиц, образами древа, ковчега и др.
Abstract
Islamic art is multifaceted and has a great history in fine arts. Religious art, including Islamic themes, is closely intertwined with culture, philosophy, religious knowledge and especially with the history of our country. Let us consider the specific form of Muslim art that has existed since ancient times: shamail, a peculiar phenomenon of Islamic culture and an important part of religious and aesthetic consciousness. Shamail is an art form as a carrier of written Quranic content – texts in the form of a sura from the Holy Quran with particular design consisting of images of mosques or fortresses, ornaments or birds, images of a tree or an ark and some others.
Для цитирования:
Мустафин И.Х. Искусство ислама – шамаиль – традиции и современность // Academia. 2021. № 2. С. 178-184. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-2-1-178-184
Ключевые слова
Илья Репин: от Воскрешения к Воскресению
Аннотация
Разнообразие тем и замыслов в творчестве И.Е. Репина (1844–1930) на протяжении долгих лет было принято объяснять «переменчивостью» художника, его непоследовательностью и стихийностью артистического дара. В связи с этим актуальной представляется задача обозначить цельность творческих устремлений мастера, обнаружить некую первооснову его творчества. В статье прослежен путь Репина от ранней академической работы «Воскрешение дочери Иаира» до одного из его поздних произведений – «Голгофа». Если попытаться привести множество сюжетов к одному знаменателю, то окажется, что Репин последовательно разрабатывал тему жизни, смерти, демонстрируя интерес к смыслам человеческого бытия. Эта тема волновала его как в произведениях, посвященных евангельским событиям, как и во многих картинах и портретах.
Abstract
The diversity of topics and ideas in the art of Ilya Repin (1844–1930) has long been seen as a result of the artist’s changeability, the inconsistency of his views and the suddenness of his creative talent. Therefore, it is important to show the integrity of Repin’s artistic world and to discover a certain foundation for his professional activity. This article traces the artist’s path from the early academician work “The raising of Jairus’ daughter” to one of his late paintings, “The Golgotha”. If you try to assess a vast number of Repin’s picture motifs you’ll see that over the whole course of his professional career he was working step by step on the subject of life and death, demonstrating interest in the meanings of human existence. These aspects worried the painter in connection not only with Gospel subjects but also with historical pictures and portraits.
Для цитирования:
Юденкова Т.В. Илья Репин: от Воскрешения к Воскресению // Academia. 2021. № 2. С. 129–141. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-2-1-129-141
Современное русское религиозное искусство в немецком музее: проект Александра Маркина I.N.R.I.
Аннотация
Статья посвящена художественному проекту «Иисус Назорей Царь Иудейский» / I.N.R.I. как примеру современного религиозного искусства. Проект экспонировался в Музее паломничества в Германии в 2020 году и представляет собой своеобразную среду, где в пространстве нескольких залов объединились скульптура, живопись, графика и витражи, посвященные событиям Евангельской истории, с акцентом на Страстях Христовых. Автор обратился к традициям модернизма, в том числе в церковном искусстве, и соединил их с традициями иконописи, русского авангарда и дизайнерским подходом. Его задачей было заговорить на евангельские темы на современном языке понятного визуального знака. В статье рассматривается возникновение идеи и ход работы над проектом, его художественные части и специфика трактовок.
Abstract
The article is devoted to the art project “Jesus of Nazareth King of the Jews” / I. N. R. I. as an example of modern religious art. The project was exhibited at the Pilgrimage Museum in Germany in 2020 and presents an environment, where sculpture, painting, graphics and stained glass windows dedicated to the events of the Gospel history with an emphasis on the Passion of Christ are combined in the space of several halls. The author turned to the traditions of modernist art, including the church art, combining them with the traditions of icon painting, Russian avant-garde and design approach. His task was to speak on the gospel themes in the modern language of a clear visual sign. The article examines the origin of the idea and the course of work on the project, its artistic parts and the specifics of the interpretations.
Для цитирования:
Флорковская А.К., Маркин А.С. Современное русское религиозное искусство в немецком музее: проект Александра Маркина I.N.R.I. // Academia. 2021. № 2. С. 163-169. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-2-1-163-169
Обзор Международной научно-практической конференции «Архитектура и дизайн в цифровую эпоху»
Аннотация
Статья подводит итоги Международной научно-практической конференции «Архитектура и дизайн в цифровую эпоху», состоявшейся онлайн 23–24 апреля 2021 г. Показаны истоки научной проблематики конференции, отмечены важнейшие ее итоги, среди которых констатация завершения процесса «цифровизации» проектного поля и распределения функций в процессе создания объектов, когда само проектирование становится технологией, производством. В статье дана характеристика подготовленного по итогам конференции сборника научных трудов, приведен краткий обзор прозвучавших докладов.
Abstract
The article summarizes the results of the International Scientific and Practical Conference “Architecture and Design in the Digital Age”, held online on April 23–24, 2021. The background of the whole range of problems brushed at the conference is shown, its most important results are noted, including the statement of the completion of the process of ‘digitalization’ of the design field and the distribution of functions in the process of creating objects, when design itself becomes technology, production. The article provides a description of the collection of scientific papers prepared at the end of the conference and a brief overview of the reports presented.
Для цитирования:
Лаврентьев А.Н., Сазиков А.В. Обзор Международной научно-практической конференции «Архитектура и дизайн в цифровую эпоху» // Academia. 2021. № 2. C. 208–219. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-2-1-208-219
Иконологическая традиция и анализ фильма
Аннотация
В статье рассматриваются возможности интерпретации фильма, в первую очередь, с опорой на визуальное решение. Опыт иконологии как метода искусствознания включает внимание к деталям и подробностям изображения и мизансцены, а также прочтение и понимание разных уровней содержания и смысла произведения.
Abstract
The article discusses film interpretation as reading and analysis of the visual part. Iconology as one of the methods in art history inspires concentration on details of the image and the scene as well as understanding of different layers of meaning in film.
Для цитирования:
Торопыгина М.Ю. Иконологическая традиция и анализ фильма // Academia. 2021. № 2. С. 185-194. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-2-1-185-194
Ключевые слова
«Многие видели оригинал Доменикино…». Об одном иконографическом типе евангелиста Иоанна в русском прикладном искусстве XIX века
Аннотация
В статье прослеживаются истоки иконографии Иоанна Богослова, изображенного на серебряном чеканном окладе 1858 года Евангелия из собрания Владимиро-Суздальского музея-заповедника. В отличие от других евангелистов, Иоанн изображен в виде юноши. Этот редкий для православного искусства образ восходит к картине «Святой Евангелист Иоанн» работы Доменикино (Доменико Цампьери) 1625–1628 годов, получившей в России XIX века самую широкую известность благодаря многочисленным повторениям в живописи, графике и прикладном искусстве.
Abstract
The article considers the rare iconographic type of St John the Evangelist depicted on the 1858 silver-chased Gospel mount from the collection of the Vladimir-Suzdal Museum. Unlike other Evangelists, St John is represented as a young man. The author traces the origins of this image, rarely used in Russian Orthodox religious art, back to the original painting by Domenichino (Domenico Zampieri) “St John the Evangelist” (1625–1628), which became widely known in 19th-century Russia through its various copies in painting, engraving and applied art.
Для цитирования:
Быкова М.А. «Многие видели оригинал Доменикино…». Об одном иконографическом типе евангелиста Иоанна в русском прикладном искусстве XIX века // Academia. 2021. № 2. С. 195–207. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-2-1-195-207
2021 / 1
Прошлое как “автоцитата”: XVIII век и проблема аутентичности отражения времени в творчестве художников «Мира искусства»
Аннотация
В статье сделан аналитический обзор визуальной поэтики произведений художников «Мира искусства» в контексте взаимосвязи новаторских особенностей стиля модерн с прошлым. Присущее символистскому мироощущению восприятие времени через образы искусства рассматривается как один из главных источников, сообщивших ретроспективной мечтательности (пассеизму) ведущих мастеров «Мира искусства» характер субъективно значимой поэтической тоски по идеалу. Ностальгия по воображаемому былому, присвоение художественной реальности другой эпохи собственному внутреннему миру привели мирискусников на путь превращения цитаты в автоцитату, образца в образ, копии в подобие. Данный процесс расширил семантическую составляющую художественного языка, открыв новые возможности синтеза прошлого и настоящего в творческой практике первой трети XX века.
Abstract
The article gives an analytical review of the visual poetics of the works of Mir iskusstva (World of Art) artistic group in the context of the relationship of the innovative features of the Art Nouveau with the Past. The perception of Time through the images of Art, inherent in the symbolist worldview, is considered as one of the main sources that gives the retrospective dreams of the leading World of Art masters the character of a subjectively significant poetic longing for an ideal. Nostalgia for the imaginary past, the appropriation of its artistic reality to its own inner world, led the artists of the group to the path of turning a “quote” into a “self-citation”, a “sample” into an “image”, a “copy” into a “likeness”. This process expanded the semantic component of the artistic language, opening up new possibilities for the synthesis of the past and the presentin the creative practice of the first third of the 20th century.
Для цитирования:
Давыдова О.С. Прошлое как “автоцитата”: XVIII век и проблема аутентичности отражения времени в творчестве художников «Мира искусства» // Academia. 2021. № 1. C. 55–71. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-1-1-55-71
Голландско-фламандские образы цветов и плодов в русской живописи XVIII века: от науки и эмблематики к эстетизации образа
Аннотация
История русского натюрморта с цветами и плодами начинается в XVIII веке, когда отечественная художественная культура начинает все теснее взаимодействовать с западноевропейской, в частности, с культурой Нидерландов. В статье прослеживается эволюция этого жанра в России на протяжении XVIII века через призму голландско-фламандских заимствований. Главные акценты сделаны на предметных мотивах, входивших в состав натюрмортных композиций, и их семантике. В произведениях с цветами и плодами русских художников преемственность традиций голландской эмблематической культуры легко прослеживается благодаря «Символам и Эмблемате» – иконологическому справочнику, изданному по инициативе Петра I.
Abstract
The history of Russian fruit and flower still life began in the 18th century, when Russian state’s art culture was getting closer to that of European countries, especially with the Netherlands. This article shows the evolution of Russian fruit and flower still life of the 18th century in the context of Dutch-Flemish inheritance. The major focus is made on the objective motifs of the still life and its semantics. In the works of this genre, the continuity of Dutch traditions could be traced due to “Symbols and Emblemata”, an iconological reference book published at the initiative of Peter I.
Для цитирования:
Захарова Т.А. Голландско-фламандские образы цветов и плодов в русской живописи XVIII века: от науки и эмблематики к эстетизации образа // Academia. 2021. № 1. C. 23–31. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-1-1-23-31
Метаморфозы Овидия в русских иллюстрациях 1790-х годов: поиск европейских аналогов
Аннотация
Рассматривается проблема влияния европейской гравюры на русскую книжную иллюстрацию XVIII века. Объектом предстают европейские гравюры, гравюры и рисунки для изданий «Метаморфоз» Овидия XVIII века. Прототипами иллюстраций русского издания Овидия 1794–1795 годов являются гравюры из аналогичного голландского издания 1732 года на французском языке. Приводятся результаты сопоставления ряда эскизов рукописи «Овидиевы превращения в лицах» на русском языке 1796 года с гравюрами французского издания «Метаморфоз» 1767–1771 годов. Методом сравнения гравюра голландского издания 1732 года определена как образец, взятый одним из воспитанников Академии художеств для учебного рисунка. Проанализированы приемы копирования и трансформации европейских гравюр. Автор доказывает, что интерпретации европейских образцов русскими граверами и рисовальщиками академической школы отличались творческим характером.
Abstract
The paper shows the influence of the European engravings on the Russian book illustrations. The object of the study are European and Russian 18th-century illustrations for Ovid’s Metamorphoses. As a result of the comparison, prototypes of illustrations for the Russian edition of Ovid of 1794–1795 were identified as engravings from a similar Dutch edition of 1732. The results of a comparison of a number of sketches of the Russian manuscript “Ovid Metamorphoses with Illustrations” of 1796 and the engravings of the French edition of “Metamorphoses” of 1767–1771 are given. The methods of copying and transformation of European prints are analyzed. The author proves creative nature of the interpretation of European samples by Russian engravers and draftsmen of the academic school.
Для цитирования:
Борщ Е.В. Метаморфозы Овидия в русских иллюстрациях 1790-х годов: поиск европейских аналогов // Academia. 2021. № 1. C. 32–40. DOI: 10.37953-2079-0341-2021-1-1-32-40
Императрица Елизавета Петровна в творчестве Александра Бенуа: образы и источники
Аннотация
В статье рассмотрен вопрос о генезисе образа императрицы Елизаветы Петровны в восприятии и искусстве Александра Бенуа. Автор применил комплексный метод исследования, объединивший источниковедческий анализ воспоминаний и работ Бенуа по истории искусства, традиционный формальный анализ его произведений и данные историографии времени царствования Елизаветы Петровны. Установлено, что Бенуа обращался к официальным портретам кисти Луи Каравака, а также к работе Г.К. Гроота.
Рассмотрены взгляды А. Бенуа на деятельность Ф.Б. Растрелли. Установлено влияние образа Конфетенхаузена из новеллы Э.Т.А. Гофмана «Щелкунчик и мышиный король» на интерпретацию образа Янтарной комнаты в статье Бенуа «Деталь Янтарной комнаты в Большом Царскосельском дворце».
Abstract
The article considers the question of the genesis of the image of Empress Elizabeth Petrovna in the perception and art of Alexander Benois. The author used a complex method which combined the source analysis of artist’s works and memoires, his articles on the history of architecture, and traditional formal analysis of his works and data of historiography of the reign of Elizabeth Petrovna. It was found out the official portraits of Louis Caravaque and portrait of G.C. Grooth influenced the image of Elizabeth in Benois works. Benois views on the work of F.B. Rastrelli whose work he considered the embodiment of the reign of Empress Elizabeth Petrovna.
Для цитирования:
Завьялова А.Е. Императрица Елизавета Петровна в творчестве Александра Бенуа: образы и источники // Academia. 2021. № 1. C. 72–82. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-1-1-72-82
Российская модель европейского Castrum doloris. Особенности убранства императорских Печальных залов в России XVIII века
Аннотация
В статье впервые рассматриваются основные принципы художественного оформления Castrum doloris (Печальных залов) российских монархов в XVIII столетии. Исходя из специфики объекта исследования, автор применяет комплексный метод, в основе которого лежит научная реконструкция некогда грандиозных траурных ансамблей. При подготовке к погребению Петра I была выработана определенная модель печального убранства, восходившая к европейским образцам и сохранявшаяся в России на протяжении всего XVIII века. Художественное решение траурных ансамблей подчинялось общим законам, характерным для церемониальной культуры Нового времени, и отвечало стилевому развитию искусства. В статье вводятся новые материалы, уточняются вопросы терминологии.
Abstract
This article discusses the main decorative principles of Castrum doloris for the Russian emperors in the 18th century. The author applies a complex method, which is based on the academic reconstruction of the once-grandiose mourning ensembles. In preparation for the burial of Peter the Great, a certain model of funeral decoration was created and was preserved in Russia throughout the 18th century. The design of mourning ensembles followed the general laws of the ceremonial culture of that period, and corresponded to the stylistic development of art. The article introduces new materials and factual data, and clarifies certain issues of terminology.
Для цитирования:
Тюхменева Е.А. Российская модель европейского Castrum doloris. Особенности убранства императорских Печальных залов в России XVIII века // Academia. 2021. № 1. C. 41–54. DOI: 10.37953-2079-0341-2021-1-1-41-54
XVIII столетие в русском золото-серебряном искусстве второй половины XIX – начала ХХ века: от неприятия к признанию
Аннотация
Статья посвящена влиянию искусства XVIII столетия на творчество русских ювелирных фирм второй половины XIX – начала ХХ века. В период господства национального стиля обращение к XVIII столетию представляет особый интерес, поскольку искусство этой эпохи в восприятии потомков прошло путь от полного неприятия до признания художественной самобытности, и как следствие – «национальности». Последнее повлекло за собой использование памятников культуры XVIII века в качестве прототипов при создании золото-серебряных изделий более позднего времени. Рассматриваются как произведения русских ювелирных предприятий, так и документальные свидетельства, демонстрирующие отношение современников к художественной культуре ушедшего столетия.
Abstract
This article shows the influence of the XVIII century art on the creativity of Russian jewellery firms in the second half of XIX – early XX centuries. During the period of national style domination, the revision to XVIII century is especially interesting. The art of this era in the perception of descendants became from complete rejection in the eyes of posterity to a total recognition of its originality, artistic individuality, and as a result nationality. The using of cultural assets of 18th century as prototypes of gold and silver products created in late XIX - early XX centuries because of nationality. The author analyses both: the works of Russian jewellery firms and documentary evidence demonstrated the attitude of contemporaries to an art culture of the XVIII century.
Для цитирования:
Юдин М.О. XVIII столетие в русском золото-серебряном искусстве второй половины XIX – начала ХХ века: от неприятия к признанию // Academia. 2021. № 1. C. 83–91. DOI: 10.37953-2079-0341-2021-1-1-83-91
Свое чужое. Особенности цитирования в русском изобразительном искусстве XVIII века
Аннотация
При обращении к проблеме цитирования в изобразительном искусстве XVIII века неизменно возникает вопрос о взаимодействии в авторской лексике «своего» и «чужого». В России традиция уважительного отношения к образцу отразилась в характере цитирования как составной части стратегии подражания природе. Во-первых, те художества, которые, как гравюра, вынуждены были использовать образцы, обрели право на самостоятельность. Во-вторых, использование образца часто демонстрировало присоединение к самым востребованным идеям, воплощенным авторитетными мастерами разных эпох. Выбор конкретного ориентира порой приводил к «говорящей» прономинации, поднимавшей престиж автора и национальной художественной школы и к тому же, означавшей превращение «чужого» в «свое» как необходимой части единого творческого процесса.
Abstract
Referring to the problem of “citation” in fine arts of the 18th century, the discussion invariably arises about author’s originality and imitation. In Russia, a tradition of respect for the model is reflected in the nature of “citation” as part of the imitating of nature. First, fine arts, like engraving, have to use models, and so acquired the right to independence. Second, artists using models often demonstrated joining the most requested ideas embodied by reputable masters of various epochs. At times it leads to some kind of paraphrasis to a significant pronomination, which enhanced the prestige of an author and national art school. In addition, it was a symptom of the metamorphosis of the “borrowed” into one’s “own” as a necessary part of a creative process.
Для цитирования:
Евангулова О.С., Карев А.А. Своё чужое. Особенности цитирования в русском изобразительном искусстве XVIII века // Academia. 2021. № 1. C. 11–22. DOI: 10.37953-2079-0341-2021-1-1-11-22
Ключевые слова
Наши учителя
Аннотация
Статья посвящена творческому наследию историков искусства О.С. Евангуловой (1933–2016) и И.В. Рязанцева (1932–2014), оценке значимости их вклада в изучение художественных процессов русского искусства XVIII– начала XIX веков и развитию отечественной искусствоведческой школы по изучению русского искусства XVIII века.
Abstract
The article is devoted to creative heritage of art historians O.S. Evangulova (1933-2016) and I.V. Ryazantsev (1932-2014), assessment of the significance of their contribution to the study of the artistic processes of Russian art of the XVIII – early XIX centuries and the development of the Russian art school for the study of Russian art of the XVIII century.
Для цитирования:
Карев А.А. Наши учителя // Academia. 2021. № 1. С. 7–10. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-1-1-7-10
Пейзажи Шарля Франсуа Гренье де Лакруа и ученики ландшафтного класса Императорской Академии художеств. От копии к оригиналу
Аннотация
Статья посвящена роли копий и пастишей в пейзажном жанре во второй половине XVIII века. Типологические и стилистические свойства копийных произведений, исполненных учениками класса ландшафтной живописи Императорской Академии художеств, позволяют выявить ряд оригиналов, выступавших для них образцами, и проанализировать степень и особенности их взаимодействия. Особое внимание уделено ученическим работам А.Е. Мартынова. Высказываются предположения об их возможных источниках, среди которых наиболее вероятными являются произведения Шарля Франсуа де Лакруа, в свою очередь, исполнявшего виды в духе Жозефа Верне и Сальватора Розы.
Abstract
The article is devoted to the role of copies and pastiche in the landscape genre in the second half of the 18th century. Typological and stylistic properties of replicas performed by landscape painting class students of the Imperial Academy of Arts allow us to identify a number of originals that served as samples for them and analyze the degree and characteristics of their interaction. Special attention is paid to the student works of A. Martynov. Assumptions are made about their possible sources, among which the most probable are the works of Charles François de Lacroix, who in his turn painted his views in the spirit of Joseph Vernet and Salvator Rosa.
Для цитирования:
Усачева С.В. Пейзажи Шарля Франсуа Гренье де Лакруа и ученики ландшафтного класса Императорской Академии художеств. От копии к оригиналу // Academia. 2021. № 1. С. 92–99. DOI 10.37953/2079-0341-2021-1-1-92-99
Борис Иогансон. Московский союз художников. Взгляд из XXI века
Аннотация
В рецензии на книгу Б.И. Иогансона рассматриваются авторская постановка вопроса, специфика изложения художественной ситуации в СССР (1932 – 1962), условия учреждения и бытования советских художественных творческих организаций (в частности, МОСХа) в первые три десятилетия советской власти.
Abstract
Review of the book by B.I. Ioganson examines the author's statement of question, the specifics of presentation of artistic situation in the USSR (1932-1962), conditions for the establishment and existence of Soviet artistic creative organizations (MOSH) in the first three decades of Soviet power.
Для цитирования:
Якимович А.К. Борис Иогансон. Московский союз художников. Взгляд из XXI века // Academia. 2021. № 1. C. 100–104. DOI: 10.37953-2079-0341-2021-1-1-100-104
2020 / 4
“Классическое” наследие в византийском и домонгольском искусстве конца XI – раннего XII вв.
Аннотация
Древнерусское искусство в целом было ориентировано на монашескую культуру Византии, и это стало отчетливо ясно в XII в. На ранних этапах развития домонгольской культуры в княжеской среде от Византии усваивалось придворное искусство, полное «классических» реминисценций. Новые находки фресковых фрагментов церкви Благовещения на Городище и Георгиевского собора Юрьева монастыря в Новгороде, наглядно демонстрируют, что аристократические традиции, с элементами «классики», проникали на Русь в период правления рода Мономаховичей. Эти традиции распространились за пределы Киева и Южной Руси и проявились в памятниках Новгорода. Они были живы не только в XI в., но и на протяжении всей первой трети XII в. Такая ситуация вполне соответствовала и сохранению практики княжеского заказа.
Abstract
Old Russian art as a whole was oriented towards the monastic culture of the Byzantine Empire, and this became distinctly clear in the 12th century. The princely community at the early stages of the development of pre-Mongol culture assimilated from Byzantium the court art full of "classical" reminiscences. New finds of fresco fragments of the Church of the Annunciation on Hillfort and the St. George Cathedral of the Yuriev monastery in Novgorod clearly demonstrate that aristocratic traditions, with elements of the “classics” penetrated into Russia during the reign of the House of Monomakh. These traditions spread beyond the boundaries of the Kiev land and Southern Russia and manifested themselves in the monuments of Novgorod. They were alive not only in the 11th century, but throughout the entire first third of the 12th century. This situation was quite consistent with the preservation of the practice of the princely order.
Для цитирования:
Этингоф О.Е. “Классическое” наследие в византийском и домонгольском искусстве конца XI – раннего XII вв. // Academia. 2020. № 4. С. 421–440. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-4-1-421-440
Ключевые слова
Классическая линия в итальянском пейзаже Ренессанса
Аннотация
В статье, вошедшей в тематическое целое «Классика в развитии», внимание сосредоточено на классической линии в итальянском пейзаже Ренессанса. В своей основе ее воплощает буколический пейзаж. Автор очерчивает схему соотношений античной буколики и ренессансной пасторали, анализируя развитие жанра от изначальной модели к его новым, усложненным формам. Прослеживается характерная для Возрождения трактовка пасторали в ее многомерности, насыщенности акцентами буколическими, литературно-мифологическими, религиозными, философскими. Это позволяет заключить, что мотив аркадийского пространства обретает в живописи Возрождения глубинную содержательность, становясь, по сути, основой для «выстраивания» пейзажа мифологического, библейского, аллегорического.
Abstract
The article, entitled «The Classical Tradition in its Development», included into the present collection research, pays special attention to classical line in landscape of Italian Renaissance, with its Bucolic matter being the essence of it. The author outlines the scheme of ancient Bucolic, correlates it with the analysis of the vision of the Renaissance Pastoral, which is here depicted in development from initial model of the Pastoral to its new, complicated one. The author traces back the traditional interpretation of the Renaissance conception of the Pastoral in its multidimensional nature, and also, in its saturation with Bucolic, literary-mythological, philosophical meanings. This perspective allows concluding that the motif of the Pastoral landscape acquires deep substantive content in Renaissance paintings, thus becoming the constructing basis for other types of landscapes – mythological, biblical, allegorical among them.
Для цитирования:
Козлова С.И. Классическая линия в итальянском пейзаже Ренессанса // Academia. 2020. № 4. С. 488-499. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-4-1-488-499
Античные мотивы в расписанных Пинтуриккио римских капеллах
Аннотация
В статье прослежена эволюция античных мотивов в римских капеллах, расписанных Пинтуриккио и его мастерской. Впервые отмечено смысловое значение гротеска в программе росписи этих религиозных ансамблей, большая часть которых так или иначе связана с античной историей. Продемонстрировано, как в использовании античных приемов и персонажей воплощается идея триумфа христианства над языческим прошлым. Показана роль Пинтуриккио – опытного и талантливого художника, виртуозно писавшего фрески, – в изобретательном и остроумном продумывании программы росписи и умелой и рациональной организации хода работ. Проанализированы богатые возможности имитации различных техник (восходящие к иллюзионистической живописи Древнего Рима). Достигаемый благодаря их органичному использованию синтез искусств производит мощное эстетическое впечатление и оказывает сильное эмоциональное и религиозное воздействие на посетителя капеллы.
Abstract
The article traces the evolution of ancient motifs in the Roman chapels painted by Pinturicchio and his workshop. For the first time, the symbolic significance of the grotesque is noted in the program of painting in these religious ensembles, most of which are somehow connected with an ancient history. It is shown how the use of antique techniques and characters embodies the idea of the triumph of Christianity over the pagan past. The role of Pinturicchio – an experienced and talented artist who masterfully painted frescoes – in inventive and witty thinking of the program of painting and skillful and rational organization of the work course is shown. The rich possibilities of imitating of various techniques (dating back to the illusionistic painting of Ancient Rome) are analyzed. The synthesis of art achieved through their organic use makes a powerful aesthetic impression and has a strong emotional and religious impact on the chapel visitor.
Для цитирования:
Тараканова Е.И. Античные мотивы в расписанных Пинтуриккио римских капеллах // Academia. 2020. № 4. С. 464-478. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-4-1-464-478
Ключевые слова
Греко-римские и византийские традиции в миниатюре арабского средневековья
Аннотация
Сравнительный анализ памятников изобразительного искусства Ближнего Востока разных эпох позволяет предположить, что красочные настенные росписи, рельефы и мозаики дворцов, культовых и общественных зданий, как и иллюстрированные греческие, латинские и сирийские свитки и кодексы, созданные в давнем и недавнем доисламском прошлом Передней Азии либо современные первым столетиям Халифата, служили «питательной средой» для развития новой для исламского мира художественной формы – книжной миниатюры.
В произведениях монументального искусства городов-государств доисламской древней Сирии и Месопотамии обнаруживаются черты, позволяющие видеть в наследии художественных культур античного и раннесредневекового Средиземноморья и несредиземноморского Эллинизированного Востока не только колыбель, но и школы греко-римской и ранневизантийской миниатюры, дополняющей и украшающей тексты древних свитков и кодексов. С поглощением этих регионов Арабским халифатом и формированием исламской цивилизации эти школы, наряду с живым и развивающимся искусством Византии, стали источниками знания и умения для художников арабских рукописей.
Оформление позднеантичных и византийских кодексов помимо иллюстраций в тексте инспирировало включение в арабские манускрипты фронтисписа с «портретом» автора и посвятительных картин – отдельных миниатюр, в аллегорической форме прославляющих заказчика или венценосного адресата книги. Со временем стиль миниатюр арабских рукописей утратил видимые связи как с греко-римскими, так и с византийскими прототипами. Однако обретение собственных стилистических приёмов и норм не означало ни окончательного отхода, ни полного отрицания полученных уроков книжной живописи. В том или ином виде их воздействие проявлялось и в более поздних иллюстрированных арабских манускриптах, хотя и ориентированных теперь на модели и идеалы Ирана и Восточной Азии.
Abstract
A comparative analysis of the Middle Eastern art monuments from different epochs urge the assumption upon us that colourful murals, reliefs and mosaics of palaces, religious and public buildings, just as the illustrated Greek, Latin and Syrian scrolls and codes, created in distant and recent the Western Asia pre-Islamic past or in the early centuries of the Caliphate, served as a kind of breeding ground for the development of a new art form for the Islamic world – a book miniature.
In the works of monumental art of the city-states of pre-Islamic ancient Syria and Mesopotamia, traits are found that allow us to see in the heritage of the different art cultures of the ancient and early medieval Mediterranean and the non-Mediterranean Hellenized East not only a cradle, but also schools of Greco-Roman and Early Byzantine miniatures that complement and decorate texts of the ancient manuscripts. With the absorption of these regions by the Caliphate and the development of the medieval Islamic civilization, these schools, next to the vivid and developing art of Byzantium, became sources of knowledge and skill for the designers of Arabic manuscripts.
The design of Greek, Latin and Syrian codes, along with the illustrations in the text, inspired the inclusion in the Arabic manuscripts of the frontispiece with the "portrait" of the author (or authors) of the book, and 'the dedication picture' – that were the separate miniatures glorifying the patron or the crowned addressee of the book in allegorical form. Over time, the style of Arabic manuscripts had lost the visible connection with both Greco-Roman and Byzantine prototypes. However, the acquisition of their own stylistic devices, methods and norms did not mean either a final deviation or a complete denial of lessons of the classical book painting. In one form or another, their contribution in Medieval Near Eastern arts was also manifested in the later illustrated Arabic manuscripts, although now at most they were oriented toward the models and ideals of Iran and Eastern Asia.
Для цитирования:
Стародуб Т.Х. Греко-римские и византийские традиции в миниатюре арабского средневековья // Academia. 2020. № 4. С. 441–463. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-4-1-441-463