2021 / 4
От классики до современности: новые издания Российской академии художеств за 2020-2021 годы
Аннотация
Статья подводит итоги презентации книг сотрудников Научно-исследовательского института теории и истории изобразительных искусств Российской академии художеств, прошедшей 22 сентября 2021 года. В мероприятии приняли участие – академики и члены-корреспонденты Российской академии художеств, доктора и кандидаты искусствоведения, представители издательств и Российского фонда фундаментальных исследований. В публикации дана характеристика изданий 2020–2021 годов, посвященных вопросам изучения искусства как прошлых столетий, так и нашего времени.
Abstract
The article summarizes the results of the presentation of the latest books by researchers of the Research Institute of Theory and History of Fine Arts of the Russian Academy of Arts (RAA). Academicians and corresponding members of RAA, PhD and Candidates of Arts History, publishers and members of Russian Foundation for Basic Research took part in the event held on September 22, 2021. This publication represents the characteristics of editions of 2020–21, related to the problems of art of previous times as well as contemporary art.
Для цитирования:
Круглова E.С. От классики до современности: новые издания Российской академии художеств за 2020-2021 годы // Academia. 2021. № 4. С. 374–382. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-4-1-374-382
Владимир Куприянов: исчезновение фотографии. К первой посмертной выставке художника «Тень времени» в галерее POP/OFF/ART
Аннотация
Статья посвящена первой посмертной выставке «Тень времени» художника и фотографа Владимира Куприянова, состоявшейся в мае 2021 года в московской галерее POP/OFF/ART. В тексте рассматриваются особенности стилистики и работы с материалом; творческая биография художника представлена в контексте развития «современной фотографии» как художественного явления последней трети ХХ века.Статья посвящена первой посмертной выставке «Тень времени» художника и фотографа Владимира Куприянова, состоявшейся в мае 2021 года в московской галерее POP/OFF/ART. В тексте рассматриваются особенности стилистики и работы с материалом; творческая биография художника представлена в контексте развития «современной фотографии» как художественного явления последней трети ХХ века.
Abstract
The article is devoted to the first posthumous exhibition “Shadow of Time” by artist and photographer Vladimir Kupriyanov, held in May 2021 at the Moscow POP/OFF/ART gallery. The text examines the individuality of the artist, his personal style and manner of working with the material. The creative biography is presented in the context of Russian "contemporary photography" as a cultural phenomenon of the late twentieth century.
Для цитирования:
Чмырева И.Ю. Владимир Куприянов: исчезновение фотографии. К первой посмертной выставке художника «Тень времени» в галерее POP/OFF/ART // Academia. 2021. № 4. C. 383-388. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-4-1-383-388
Эрнст Барлах в России. 2 августа – 27 сентября 1906 года. Откровение пути
Аннотация
26 апреля 2018 г. в Санкт-Петербурге открылась выставка «Барлах – Кольвиц: В диалоге с русскими современниками». Она размещалась в Мраморном дворце, устроителями были «Общество Эрнста Барлаха» (Гамбург) и Русский музей. Обещанный «диалог» по ряду причин не состоялся, но церемония открытия имела иную подоплеку. Во-первых, юбилейную: выставкой отмечалось 150-летие со дня рождения каждого из этих знаменитых художников; во-вторых – теснейшей биографической и творческой связью их с Россией. Барлах в 1906 г., после двух месяцев пребывания на юге Украины, обрел подлинное откровение будущего своего пути художника-пацифиста; приезда Кольвиц в СССР в 1927 г. ожидали тысячи россиян, уже знакомых с ее творчеством. Все это нашло отражение в экспозиции в Мраморном дворце. Здесь впервые можно было видеть столь полный подбор скульптур и рисунков Барлаха из знаменитого цикла «Русские нищие» (1906 – 1908).
Abstract
On April 26, 2018, the exhibition “Barlach – Kollwitz: In a dialogue with Russian contemporaries” was opened in St Petersburg. It was located in the Marble Palace, the organizers were the Ernst Barlach Society (Hamburg) and the Russian Museum. The promised dialogue did not take place for a number of reasons, but the opening ceremony had a different background. Firstly, the anniversary: the exhibition marked the 150th anniversary of the birth of each of these famous artists; secondly – their closest biographical and creative connection with Russia. In 1906, after two months of staying in the south of Russia, Barlach found a true revelation of the future of his way as a pacifist artist. In 1927, thousands of those who were already familiar with Kollwitz work were waiting her visit to the USSR. All this was reflected in the exhibition in the Marble Palace. Here for the first time, one could see such a complete selection of sculptures and drawings by Barlaсh of the famous cycle “Russian Beggars” (1906–1908).
Для цитирования:
Маркин Ю.П. Эрнст Барлах в России. 2 августа – 27 сентября 1906 года. Откровение пути // Academia. 2021. № 4. C. 356–373. DOI: 10.37953/2079‑0341‑2021‑4‑1‑356‑373
2021 / 3
Ближний круг: Суриков и Кончаловский
Аннотация
Родство В.И. Сурикова и П.П. Кончаловского, представителей разных генераций русского искусства и различных творческих устремлений, рассматривается в аспекте творческих взаимосвязей и в контексте культурных процессов начала ХХ века. Семейные обстоятельства повлияли и на схожий modus vivendi, и совместные поездки в Сибирь на родину Сурикова в Красноярск, а также в Европу – в Германию, во Францию, в Испанию, и общие взгляды на классические произведения, и работу плечом к плечу и в художественной студии Англада в Париже, и на этюдах в путешествиях.
Abstract
Vasily Surikov’s and Piotr Konchalovsky’s kinship, the kinship of representatives of different generations of Russian art and various creative aspirations, is considered in the aspect of creative interconnections and in the context of the cultural processes of the early 20th century. Here it should be remembered their similar modus vivendi, and joint trips to Siberia, Surikovʼs homeland, to Krasnoyarsk, and also to Europe – Germany, o France, Spain; common views on classics; their joint work at the art studio of H. Anglada Camarasa in Paris and their sketches done while traveling.
Для цитирования:
Геташвили Н.В. Ближний круг: Суриков и Кончаловский // Academia. 2021. № 3. С. 244–254. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-3-1-244-254
Ключевые слова
Композиция «Суббота всех святых» в росписи Архангельского собора Московского Кремля. Истоки иконографии
Аннотация
В Архангельском соборе композиция «Суббота всех святых» заняла почетное, центральное место в росписи западной стены. Она является продолжением сюжетов на тему Символа веры, представленных в северном и южном пряслах, и раскрывает перед зрителем наглядную картину жизни праведников в Раю, как кульминационная часть цикла. Почетное место, выбранное для нее, обусловлено идеей храма-усыпальницы, где постоянно совершались заупокойные службы по преставившимся князьям. Фреска Архангельского собора способствовала укоренению в царской семье традиции помещать икону «Суббота всех святых» в надгробные иконостасы.
Abstract
In the decoration of the Archangel Cathedral the composition Saturday of All Saints has a central place in the painting of the western wall. It is a continuation of the theme Credo, presented in the northern and southern vertical parts of the facade of the temple, revealing a visual picture of the life of the saints in Paradise, as the culminating part of the cycle. The place of honour chosen for it is due to the idea of a cathedral, where funeral services for the deceased princes were constantly performed. The composition of the Archangel Cathedral contributed to the rooting of the tradition in the royal family to place the icon Saturday of All Saints in the iconostases above the princesʼ tombs.
Для цитирования:
Самойлова Т.Е. Композиция «Суббота всех святых» в росписи Архангельского собора Московского Кремля. Истоки иконографии // Academia. 2021. № 3. С. 226–233. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-3-1-226-233
Ключевые слова
Пророчество о «новом бытии». Книга Елены Сидориной о Казимире Малевиче
Аннотация
Рецензия на книгу Елены Викторовны Сидориной «Казимир Малевич и его пророчество о “новом бытии”», вышедшая в издательстве БуксМАрт в 2021 году.
Abstract
Review of the book by Elena Sidorina “Kazimir Malevich and his prophecy about the ‘new being’”, published by BooksMArt in 2021.
Для цитирования:
Юшкова О.А. Пророчество о «новом бытии». Книга Елены Сидориной о Казимире Малевиче // Academia. 2021. № 3. С. 309–315. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-3-1-309-315
«Дон Тенорио». Flashtheatre Анатолия Чечика. Цифровая память о прошлом в изобразительном дискурсе
Аннотация
Наш современник Анатолий Чечик принадлежит к числу «умных» художников, чье творчество всегда содержит в себе культурную память о прошлом и требует от зрителя значительного интеллектуального бэкграунда, необходимого для понимания семантических аспектов произведения. Один из вечных образов мировой литературы Дон Жуан Тенорио представлен художником в XXI столетии в мире цифры. На примере произведения флэш-театра анализируются его архетипические свойства: какие из них все еще актуальны, а какие остались в прошлом. Благодаря новым технологиям художник легко манипулирует произведениями искусства разных эпох, используя их в качестве актеров, каждый из которых играет свою роль. Опираясь на содержание, которое было вложено в них десятилетия, столетия, а иногда и тысячелетия назад, автор играючи создает драматургию, режиссирует зрелище, вскрывая новые смыслы традиционного сюжета и одновременно демонстрируя вечные истины, актуальные и в новом мире.
Abstract
Our contemporary Anatoly Chechik is one of the so called “clever” artists. His creations always contain cultural memory of the past and require deep and extensive intellectual background from the viewer for the understanding of semantic aspects of the artwork. The article considers the representation of Don Juan Tenorio – one of the eternal images of the world literature in digital art. In this Flash-theater experience the author analyzes, which of his archetypic traits are outdated and which are still actual. The new technology enables the artist to manipulate the art objects from different epochs and use them as actors of sorts, playing their roles depending on their original content. This way the artist-actionist-protogonist directs the dramaturgy of the action, opening the new meaning and showing the actuality of the eternal in today’s world.
Для цитирования:
Королева А.Ю. «Дон Тенорио». Flashtheatre Анатолия Чечика. Цифровая память о прошлом в изобразительном дискурсе // Academia. 2021. № 3. С. 271–281. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-3-1-271-281
В ожидании перемен для традиционных народных промыслов. Памяти Александра Грекова (1954–2021)
Аннотация
Статья посвящена памяти историка искусства А.У. Грекова (1954–2021), значимости его вклада в изучение народных художественных промыслов, их поддержание и развитие в конце ХХ – начале XXI веков.
Abstract
The article is dedicated to the memory of art historian A.U. Grekov (1954–2021), the significance of his contribution to the study of folk arts and crafts, their maintenance and development in the late XX – early XXI centuries.
Для цитирования:
Некрасова М.А. В ожидании перемен для традиционных народных промыслов. Памяти Александра Грекова (1954–2021) // Academia. 2021. № 3. С. 316–319. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-3-1-316-319
Выставки Российской академии художеств (1992 – начало 2000-х гг.)
Аннотация
Статья посвящена выставочной деятельности Российской академии художеств после реорганизации Академии художеств СССР в 1992 году. В ней рассматривается, как вырабатывались в этот сложный переходный период новые экспозиционные принципы показа современной художественной практики в ее взаимосвязи с традициями отечественного искусства. Среди них выделялись выставки творческого наследия известных династий отечественных художников (в том числе Васнецовых, Жилинских, Рукавишниковых и др.).
Развитие выставочной деятельности Российской академии художеств было тесно связано с подготовкой ее выставочных залов, нуждавшихся в реставрации, и открытием примыкающей к ней Галереи искусств Зураба Церетели.
Abstract
The article focuses on the exhibition activities of the Russian Academy of Arts after the reorganization of the USSR Academy of Arts in 1992. The author analyzes how new expositional principles of showing modern artistic practices connected with Russian art tradition were developed during that difficult transition period. Among them one can single out exhibitions dedicated to the creative heritage of famous dynasties of Russian artists (including the Vasnetsovs, Zhilinsky, Rukavishnikovs, etc.).
The development of the Academy exhibition activities was closely connected with the preparation of its exhibition halls which required restoration and the opening of the adjacent Zurab Tsereteli Art Gallery.
Для цитирования:
Аронов В.Р. Выставки Российской академии художеств (1992 – начало 2000-х гг.) // Academia. 2021. № 3. C. 293–308. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-3-1-293-308
Караваджо – нарушитель спокойствия и революционер
Аннотация
Открывающий историю искусства новой постренессансной Европы итальянский мастер Караваджо (1571–1610) должен, наконец, быть поставлен в ряд нарушителей спокойствия – эстетических и социокультурных мятежников Нового времени. Для обоснования этого предположения, сформулированного, прежде всего отечественными искусствоведами Е.И. Ротенбергом и М.И. Свидерской, достаточно проследить этапы развития искусства мастера – от ранней стадии «скверных анекдотов» и сцен из жизни городского дна до новаторских вызывающих произведений на библейские темы.
Abstract
Caravaggio (1571–1610) chronologically opens (or prepares) the new stage of art history known as Modernity. He must be finally ranked among the troublemakers – the aesthetic and socio-cultural rebels of this era. This idea belongs to Russian art historians E.I. Rotenberg and M.I. Sviderskaya and explores Caravaggio’s artistic development from early stages of “nasty anecdotes” to mature works on biblical themes treated in a challenging manner
Для цитирования:
Якимович А.К. Караваджо – нарушитель спокойствия и революционер // Academia. 2021. № 3. C. 282–292. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-3-1-282-292
Диалог на виражах. Василий Суриков и «модернизм»: коллизия взаимоотношений
Аннотация
В статье рассмотрены особенности диалога, который возникает на рубеже XIX–XX столетий между творческими поисками В.И. Сурикова и новейшими модернистскими течениями в России, начиная от символизма художников круга «Мира искусства» и «Голубой розы» и кончая разными стадиями русского авангарда – от «Бубнового валета» до супрематизма. В основе композиции исследования лежит «контрапункт» двух вопросов: как воспринял Суриков «модернизм» и как «модернизм» воспринимал Сурикова. Понятие «модернизм» в данном случае трактовано в расширенном смысле поиска современных началу XX столетия образных и пластических средств выражения, выходивших за границы передвижнического реализма. Коллизия взаимоотношений рассмотрена сквозь призму устойчивых пластических и эмоциональных черт художественной поэтики самого Сурикова, а потому затрагивает вопросы личного понимания мастером природы искусства и проблемы новаторства, волновавшие его до конца дней и нашедшие выражение в декоративных и лирически-экспрессивных чертах позднего периода творчества.
Abstract
The article deals with the peculiarities of the dialogue which occurred at the turn of the 19th century between the creative searches of Surikov and the newest modernist trends in Russia: from Symbolism of the artists of the World of Art (known in Russian as Mir Iskusstva) group and the Blue Rose (Golubaya Roza) circle to the different stages of the Russian avant-garde – from the Jack of Diamonds (Bubnovy Valet) to Suprematism. The composition of the study is based on the counterpoint of two questions – how Surikov perceived “modernism” and how “modernism” perceived Surikov. The concept of “modernism” in this case is interpreted in the extended sense of the creative search to the early 20th century for unconventional art of magical and plastic means of expression that went beyond the limits of the Itinerant (Рeredvizhniki) Movement’s realism. The collision of relationships is viewed through the prism of the stable plastic and emotional features of the artistic poetics of Surikov himself. That is why the author touches the issues of the artists’s personal understanding of the nature of art and the problems of innovation, which worried him until the end of his life and found expression in the decorative, lyrical and expressive features of the late creative period.
Для цитирования:
Давыдова О.С. Диалог на виражах. Василий Суриков и «модернизм»: коллизия взаимоотношений // Academia. 2021. № 3. С. 255–270. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-3-1-255-270
Италия в жизни и творчестве выдающихся мастеров исторической живописи – В.И. Сурикова и Яна Матейко
Аннотация
«Матейко имел великую национальную душу и умел горячо и кстати выражать любовь к своему народу своим творчеством», – это высказывание И.Е. Репина по праву можно отнести и к В.И. Сурикову. К сожалению, исследователи его творчества сталкиваются с тем, что замкнутый образ жизни художника во многом способствовал отсутствию объемного эпистолярного и мемуарного наследия. Сведения же о польском художнике Яне Матейко, который вел такой же затворнический образ жизни, более обширны. В статье автор останавливается на роли Италии в жизни и творчестве этих двух выдающихся исторических живописцев, ярких представителей славянской культуры, которых, кроме приверженности исторической живописи, объединяло определенное сходство характеров, жизненных установок и творческой позиции.
Abstract
Ilya Repin wrote, “Matejko had a great national soul, he could as a painter express his love to his compatriots boldly and just to the point”. This statement can be attached to Surikov’s creative activity as well. Unfortunately, the researchers of Surikov’s works have to realize that painter’s secluded lifestyle obviously led to an insufficient number of letters and memoirs. The information on the Polish artist Jan Matejko is more extensive though he also was a recluse in his life. The author of the article pays special attention to Italy, and its role in private and artistic life of Surikov and Matejko. Both represented Slavonic culture, both were adherents to historical painting, and, moreover, had much in common as for their tempers, existential and creative principles.
Для цитирования:
Хасьянова Л.С. Италия в жизни и творчестве выдающихся мастеров исторической живописи – В.И. Сурикова и Яна Матейко // Academia. 2021. № 3. С. 234–243. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-3-1-234-243
Ключевые слова
2021 / 2
Перспективы и практики христоцентричного искусства
Аннотация
В статье дается определение термина «христоцентричное искусство», который характеризует перспективное с точки зрения автора направление искусства, задающее вектор развития современной христианской культуры в постсекулярном мире. Далее термин раскрывается на конкретных примерах из авторской практики последних лет; рассматриваются другие представители, планы и перспективы этого направления.
Abstract
The article defines the term “Christ-centric art”, which characterizes a promising direction of art, setting the vector of the development of modern Christian culture in the post-secular world. The term is then revealed in specific examples from the author's practice of recent years, and describes other representatives, plans and perspectives for this direction.
Для цитирования:
Гор Чахал. Перспективы и практики христоцентричного искусства // Academia. 2021. № 2. С. 170-177. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-2-1-170-177
Икона в творчестве Александра Чашкина
Аннотация
Иконописец Александр Иванович Чашкин – ученик великого мастера иконописи архимандрита Зинона (Теодора). Однако в своем творчестве Чашкин создает собственный индивидуальный мир, где византийская художественная традиция глубоко переосмысливается, и перед нами предстает вариант ее интерпретации. Современные греки, признавая византийскую основу его иконописи, свидетельствуют о своеобразии его художественного языка в рамках сакрального мира художника. Большую роль в формировании творческого подхода Александра Чашкина сыграла духовная суть иконописи, воспринятая им от монахини Иулиании (Соколовой). В своих иконах Чашкин соединяет внешнюю красоту образа с его глубоким внутренним содержанием.
Abstract
The icon painter Alexander Ivanovich Chashkin is a disciple of the great master Archimandrite Zinon (Theodore). However, Chashkin creates his own individual world in his work, where the Byzantine artistic tradition is reinterpreted and presented to us as a deeply original version of its interpretation. Thus, the modern Greeks, recognizing the Byzantine basis of his iconography, testify to the specialness of his artistic language within the framework of the artist's personal world. A great role in the formation of Alexander Chashkin's work was played by the spiritual essence of icon painting, which he received from the nun Juliania (Sokolova). In his icons, Mr. Chashkin combines the external beauty of the image with a deep inner content.
Для цитирования:
Рындина А.В. Икона в творчестве Александра Чашкина // Academia. 2021. № 2. С. 142-148. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-2-1-142-148
Небесные радости Богоматери в ярославском искусстве конца XVII-начала XVIII веков
Аннотация
В эпоху расцвета ярославского искусства расширился круг литературных источников художественных работ. Большой популярностью пользовалось сочинение Иоанникия Галятовского «Небо Новое». Так, чудо о Фоме Кантуарийском, которому Богоматерь рассказала о своих Радостях на Небесах, стало самостоятельным иконографическим сюжетом, который известен в Ярославле и в иконах, и в монументальной живописи. Предполагается, что эта композиция возникла и развивалась в кругу знаменщика Федора Игнатьева. В настоящее время в других художественных центрах подобный сюжет пока не выявлен.
Abstract
In its heydays, Yaroslavl art expanded its range of literary sources. The composition of Ioanniky Galyatovsky “Nebo Novoe” (“New Heaven”) was very popular. The miracle of St Thomas Becket of Canterbury, in which the Virgin tells him of her rapture in Heaven, became an iconographic subject. In Yaroslavl art this theme can be found in several versions, both in icons and in monumental painting. It is believed that the theme appeared and was developed in the school of Yaroslavl icon painter Feodor Ignatiev. Currently, this plot has not been identified in other centres of art.
Для цитирования:
Макарова Е.Ю. «Небесные радости Богоматери» в ярославском искусстве конца XVII – начала XVIII века // Academia. 2021. № 2. С. 111–117. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-2-1-111–117
«Смерть Пелопида»: мемория – история – поэтика
Аннотация
В статье рассматривается история создания и особенности художественно-пластической трактовки произведения, созданного историческим живописцем, профессором Императорской Академии художеств Андреем Ивановичем Ивановым. Автор статьи ставит вопрос об истоках замысла, литературной основе сюжета и специфике художественного решения. Принятое мнение о посвящении картины памяти И. Пнина и связанная с этим датировка полотна подвергаются сомнению на основании анализа смыслового содержания избранного художником эпизода, а также исходя из живописной стилистики и особенностей манеры письма.
(Исследование выполнено при финансовой поддержке РФФИ в рамках научного проекта № 19-012-00459).
Abstract
The article deals with the history of creation and features of artistic and plastic interpretation of the work created by the historical painter, Professor of the Imperial Academy of Art Andrey Ivanovich Ivanov. The author raises the question of the origins of the idea, the literary basis of the plot, and the specifiсs of artistic solution. Accepted opinion on the dedication of the painting to the memory of I. Pnin and the associated dating of the canvas are questioned based on the analysis of the semantic content of the episode chosen by the artist and stylistic peculiarities of the painting.
The reported study was funded by RFBR according to the research project no. 19-012-00459.
Для цитирования:
Степанова С.С. «Смерть Пелопида»: мемория – история – поэтика // Academia. 2021. № 1. С. 118–128. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-2-1-118-128
Пространства для экспонирования внеконфессионального религиозного искусства: российский и зарубежный опыт
Аннотация
С ростом в XX–XXI вв. «экспозиционной ценности» произведений искусства (В. Беньямин) меняются и контексты их восприятия. Внеконфессиональное религиозное искусство обнаруживает свою актуальность в различных экспозиционных контекстах: в пространстве храма и храмового комплекса, в городском пространстве, в епархиальных и художественных музеях. Создаются также специальные пространства диалога церкви и искусства. Сравнительный анализ зарубежного и российского опыта основывается на синхронном поиске путей взаимодействия искусства и религии. На примере деятельности христианских церквей показывается признание ими актуальности формирования художественной компетентности.
Abstract
With the growth of the art works ‘exposition value’ (V. Benjamin) in the XX–XXI centuries, the contexts of their perception also change. Non-confessional religious art reveals its relevance in various exposition contexts: in the space of a church and church complex, in urban spaces, in diocesan and art museums. Special spaces for dialogue between church and art are also being created. A comparative analysis of foreign and Russian experience is based on a synchronous search for ways of interaction between art and religion. On the example of the activities of Christian churches, the author shows their recognition of the relevance of the formation of artistic competence.
Для цитирования:
Барашков В.В. Пространства для экспонирования внеконфессионального религиозного искусства: российский и зарубежный опыт // Academia. 2021. № 2. С. 149–162. DOI: 10.37953-2079-0341-2021-2-1-149-162
Илья Репин: от Воскрешения к Воскресению
Аннотация
Разнообразие тем и замыслов в творчестве И.Е. Репина (1844–1930) на протяжении долгих лет было принято объяснять «переменчивостью» художника, его непоследовательностью и стихийностью артистического дара. В связи с этим актуальной представляется задача обозначить цельность творческих устремлений мастера, обнаружить некую первооснову его творчества. В статье прослежен путь Репина от ранней академической работы «Воскрешение дочери Иаира» до одного из его поздних произведений – «Голгофа». Если попытаться привести множество сюжетов к одному знаменателю, то окажется, что Репин последовательно разрабатывал тему жизни, смерти, демонстрируя интерес к смыслам человеческого бытия. Эта тема волновала его как в произведениях, посвященных евангельским событиям, как и во многих картинах и портретах.
Abstract
The diversity of topics and ideas in the art of Ilya Repin (1844–1930) has long been seen as a result of the artist’s changeability, the inconsistency of his views and the suddenness of his creative talent. Therefore, it is important to show the integrity of Repin’s artistic world and to discover a certain foundation for his professional activity. This article traces the artist’s path from the early academician work “The raising of Jairus’ daughter” to one of his late paintings, “The Golgotha”. If you try to assess a vast number of Repin’s picture motifs you’ll see that over the whole course of his professional career he was working step by step on the subject of life and death, demonstrating interest in the meanings of human existence. These aspects worried the painter in connection not only with Gospel subjects but also with historical pictures and portraits.
Для цитирования:
Юденкова Т.В. Илья Репин: от Воскрешения к Воскресению // Academia. 2021. № 2. С. 129–141. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-2-1-129-141
Искусство ислама – шамаиль – традиции и современность
Аннотация
Изобразительное искусство ислама многогранно и имеет очень древнюю историю, а темы тесно переплетаются с культурой, философией, религиозным знанием и историей нашей страны. В статье рассматривается шамаиль – особый вид мусульманского изобразительного искусства, своеобразный феномен культуры ислама и важная часть религиозно-эстетического сознания мусульман. Шамаиль является носителем коранического содержания – текста в виде суры из Священного Корана, соответствующе оформленного, с изображением мечетей или крепостей, орнаментов или птиц, образами древа, ковчега и др.
Abstract
Islamic art is multifaceted and has a great history in fine arts. Religious art, including Islamic themes, is closely intertwined with culture, philosophy, religious knowledge and especially with the history of our country. Let us consider the specific form of Muslim art that has existed since ancient times: shamail, a peculiar phenomenon of Islamic culture and an important part of religious and aesthetic consciousness. Shamail is an art form as a carrier of written Quranic content – texts in the form of a sura from the Holy Quran with particular design consisting of images of mosques or fortresses, ornaments or birds, images of a tree or an ark and some others.
Для цитирования:
Мустафин И.Х. Искусство ислама – шамаиль – традиции и современность // Academia. 2021. № 2. С. 178-184. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-2-1-178-184
Ключевые слова
Иконологическая традиция и анализ фильма
Аннотация
В статье рассматриваются возможности интерпретации фильма, в первую очередь, с опорой на визуальное решение. Опыт иконологии как метода искусствознания включает внимание к деталям и подробностям изображения и мизансцены, а также прочтение и понимание разных уровней содержания и смысла произведения.
Abstract
The article discusses film interpretation as reading and analysis of the visual part. Iconology as one of the methods in art history inspires concentration on details of the image and the scene as well as understanding of different layers of meaning in film.
Для цитирования:
Торопыгина М.Ю. Иконологическая традиция и анализ фильма // Academia. 2021. № 2. С. 185-194. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-2-1-185-194
Ключевые слова
«Многие видели оригинал Доменикино…». Об одном иконографическом типе евангелиста Иоанна в русском прикладном искусстве XIX века
Аннотация
В статье прослеживаются истоки иконографии Иоанна Богослова, изображенного на серебряном чеканном окладе 1858 года Евангелия из собрания Владимиро-Суздальского музея-заповедника. В отличие от других евангелистов, Иоанн изображен в виде юноши. Этот редкий для православного искусства образ восходит к картине «Святой Евангелист Иоанн» работы Доменикино (Доменико Цампьери) 1625–1628 годов, получившей в России XIX века самую широкую известность благодаря многочисленным повторениям в живописи, графике и прикладном искусстве.
Abstract
The article considers the rare iconographic type of St John the Evangelist depicted on the 1858 silver-chased Gospel mount from the collection of the Vladimir-Suzdal Museum. Unlike other Evangelists, St John is represented as a young man. The author traces the origins of this image, rarely used in Russian Orthodox religious art, back to the original painting by Domenichino (Domenico Zampieri) “St John the Evangelist” (1625–1628), which became widely known in 19th-century Russia through its various copies in painting, engraving and applied art.
Для цитирования:
Быкова М.А. «Многие видели оригинал Доменикино…». Об одном иконографическом типе евангелиста Иоанна в русском прикладном искусстве XIX века // Academia. 2021. № 2. С. 195–207. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-2-1-195-207
Современное русское религиозное искусство в немецком музее: проект Александра Маркина I.N.R.I.
Аннотация
Статья посвящена художественному проекту «Иисус Назорей Царь Иудейский» / I.N.R.I. как примеру современного религиозного искусства. Проект экспонировался в Музее паломничества в Германии в 2020 году и представляет собой своеобразную среду, где в пространстве нескольких залов объединились скульптура, живопись, графика и витражи, посвященные событиям Евангельской истории, с акцентом на Страстях Христовых. Автор обратился к традициям модернизма, в том числе в церковном искусстве, и соединил их с традициями иконописи, русского авангарда и дизайнерским подходом. Его задачей было заговорить на евангельские темы на современном языке понятного визуального знака. В статье рассматривается возникновение идеи и ход работы над проектом, его художественные части и специфика трактовок.
Abstract
The article is devoted to the art project “Jesus of Nazareth King of the Jews” / I. N. R. I. as an example of modern religious art. The project was exhibited at the Pilgrimage Museum in Germany in 2020 and presents an environment, where sculpture, painting, graphics and stained glass windows dedicated to the events of the Gospel history with an emphasis on the Passion of Christ are combined in the space of several halls. The author turned to the traditions of modernist art, including the church art, combining them with the traditions of icon painting, Russian avant-garde and design approach. His task was to speak on the gospel themes in the modern language of a clear visual sign. The article examines the origin of the idea and the course of work on the project, its artistic parts and the specifics of the interpretations.
Для цитирования:
Флорковская А.К., Маркин А.С. Современное русское религиозное искусство в немецком музее: проект Александра Маркина I.N.R.I. // Academia. 2021. № 2. С. 163-169. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-2-1-163-169
Обзор Международной научно-практической конференции «Архитектура и дизайн в цифровую эпоху»
Аннотация
Статья подводит итоги Международной научно-практической конференции «Архитектура и дизайн в цифровую эпоху», состоявшейся онлайн 23–24 апреля 2021 г. Показаны истоки научной проблематики конференции, отмечены важнейшие ее итоги, среди которых констатация завершения процесса «цифровизации» проектного поля и распределения функций в процессе создания объектов, когда само проектирование становится технологией, производством. В статье дана характеристика подготовленного по итогам конференции сборника научных трудов, приведен краткий обзор прозвучавших докладов.
Abstract
The article summarizes the results of the International Scientific and Practical Conference “Architecture and Design in the Digital Age”, held online on April 23–24, 2021. The background of the whole range of problems brushed at the conference is shown, its most important results are noted, including the statement of the completion of the process of ‘digitalization’ of the design field and the distribution of functions in the process of creating objects, when design itself becomes technology, production. The article provides a description of the collection of scientific papers prepared at the end of the conference and a brief overview of the reports presented.
Для цитирования:
Лаврентьев А.Н., Сазиков А.В. Обзор Международной научно-практической конференции «Архитектура и дизайн в цифровую эпоху» // Academia. 2021. № 2. C. 208–219. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-2-1-208-219
2021 / 1
Прошлое как “автоцитата”: XVIII век и проблема аутентичности отражения времени в творчестве художников «Мира искусства»
Аннотация
В статье сделан аналитический обзор визуальной поэтики произведений художников «Мира искусства» в контексте взаимосвязи новаторских особенностей стиля модерн с прошлым. Присущее символистскому мироощущению восприятие времени через образы искусства рассматривается как один из главных источников, сообщивших ретроспективной мечтательности (пассеизму) ведущих мастеров «Мира искусства» характер субъективно значимой поэтической тоски по идеалу. Ностальгия по воображаемому былому, присвоение художественной реальности другой эпохи собственному внутреннему миру привели мирискусников на путь превращения цитаты в автоцитату, образца в образ, копии в подобие. Данный процесс расширил семантическую составляющую художественного языка, открыв новые возможности синтеза прошлого и настоящего в творческой практике первой трети XX века.
Abstract
The article gives an analytical review of the visual poetics of the works of Mir iskusstva (World of Art) artistic group in the context of the relationship of the innovative features of the Art Nouveau with the Past. The perception of Time through the images of Art, inherent in the symbolist worldview, is considered as one of the main sources that gives the retrospective dreams of the leading World of Art masters the character of a subjectively significant poetic longing for an ideal. Nostalgia for the imaginary past, the appropriation of its artistic reality to its own inner world, led the artists of the group to the path of turning a “quote” into a “self-citation”, a “sample” into an “image”, a “copy” into a “likeness”. This process expanded the semantic component of the artistic language, opening up new possibilities for the synthesis of the past and the presentin the creative practice of the first third of the 20th century.
Для цитирования:
Давыдова О.С. Прошлое как “автоцитата”: XVIII век и проблема аутентичности отражения времени в творчестве художников «Мира искусства» // Academia. 2021. № 1. C. 55–71. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-1-1-55-71
Голландско-фламандские образы цветов и плодов в русской живописи XVIII века: от науки и эмблематики к эстетизации образа
Аннотация
История русского натюрморта с цветами и плодами начинается в XVIII веке, когда отечественная художественная культура начинает все теснее взаимодействовать с западноевропейской, в частности, с культурой Нидерландов. В статье прослеживается эволюция этого жанра в России на протяжении XVIII века через призму голландско-фламандских заимствований. Главные акценты сделаны на предметных мотивах, входивших в состав натюрмортных композиций, и их семантике. В произведениях с цветами и плодами русских художников преемственность традиций голландской эмблематической культуры легко прослеживается благодаря «Символам и Эмблемате» – иконологическому справочнику, изданному по инициативе Петра I.
Abstract
The history of Russian fruit and flower still life began in the 18th century, when Russian state’s art culture was getting closer to that of European countries, especially with the Netherlands. This article shows the evolution of Russian fruit and flower still life of the 18th century in the context of Dutch-Flemish inheritance. The major focus is made on the objective motifs of the still life and its semantics. In the works of this genre, the continuity of Dutch traditions could be traced due to “Symbols and Emblemata”, an iconological reference book published at the initiative of Peter I.
Для цитирования:
Захарова Т.А. Голландско-фламандские образы цветов и плодов в русской живописи XVIII века: от науки и эмблематики к эстетизации образа // Academia. 2021. № 1. C. 23–31. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-1-1-23-31