2024 / 2
К вопросу атрибуции картины «Морской берег» неизвестного художника из собрания Угличского музея
В статье предпринята попытка установить происхождение неоконченного морского пейзажа из собрания Угличского музея. В его мотиве усматривается сходство с несколькими работами Сильвестра Щедрина, русского пейзажиста первой половины XIX века, работавшего в Риме и в Сорренто. Установлено, что холст поступил в музей более ста лет назад вместе с комплексом предметов из окрестных усадеб (на его обороте в 1940 году был написан вид угличских новостроек). Ф.П. Опочинин, владелец села Шишкино, дважды совершал поездки по Италии, встречался с художником, интересовался его работой. Автор рассматривает неоконченный пейзаж в контексте этого знакомства, анализирует композиционную схему и техническую сторону вопроса и предлагает некоторые аргументы в пользу авторства Щедрина.
Кистенева С.В. К вопросу атрибуция картины «Морской берег» неизвестного художника из собрания Угличского музея // Academia. 2024. № 2. С. 239−247. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-2-1-239-247
Ключевые слова
Из жизни колонии русских художников в Риме (на материале шаржей М.И. Доливо-Добровольского)
В статье впервые в полном объеме вводятся в научный оборот рисунки художника М.И. Доливо-Добровольского (1841–1881), хранящиеся в отделе рукописей Государственного Русского музея. Это серия шаржей, на которых запечатлены члены колонии русских художников в Риме в 1873 году: М.П. Боткин, С.П. Постников, А.В. Снигиревский, И.П. Панфилов, М.А. Чижов, А.А. Риццони, М.П. Попов, Ф.А. Бронников, а также сам автор. Жанровые сцены передают ироничные образы художников, обедающих в кафе Греко, играющих в бильярд, шагающих под дождем по улице. Шаржи сопровождаются остроумными надписями, добавляющими меткие характеристики героям. Публикуемый материал послужит дополнительным источником к изучению жизни русских художников в Риме в 1870-е годы.
Бакалдина Е.В., Капырина С.Л. Из жизни колонии русских художников в Риме (на материале шаржей М.И. Доливо-Добровольского) // Academia. 2024. № 2. С. 248−263. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-2-1-248-263
Эстетика времени в этюдах и зарисовках Е.А. Кибрика. Венеция ‒ Флоренция ‒ Рим ‒ Милан
Статья посвящена поездке Е.А. Кибрика в составе группы художников и искусствоведов в Италию, организованной Министерством культуры СССР в 1956 году. Результатом поездки стали многочисленные зарисовки и этюды, созданные художником во время путешествия по маршруту Венеция – Флоренция – Рим – Милан, а также воспоминания о поездке, опубликованные в газете «Советская культура», и обзор экспозиций Международной художественной выставки в Венеции. Книга «Об искусстве и художниках», вышедшая в свет в 1961 году, была посвящена проблематике эстетики времени от античности и Возрождения до современности.
Чичварина О.Г. Эстетика времени в этюдах и зарисовках Е.А. Кибрика. Венеция ‒ Флоренция ‒ Рим ‒ Милан // Academia. 2024. № 2. С. 289−299. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-2-1-289-299
Ключевые слова
Стекло Мурано в контексте современного искусства
Всемирно известное венецианское стекло уже давно стало историко-культурным понятием, определяющим одну из главных линий мирового стеклоделия. В статье рассматриваются его развитие и влияние на судьбы мирового стекла, в том числе исторически возникшие отношения венецианского и русского стекла. Особое внимание уделяется Мурано как широко известному центру стекольного ремесла с его многочисленными мастерскими и великолепными стеклодувами. Статья также затрагивает вопрос о разных формах связи российского и итальянского стекла на современном этапе развития.
Казакова Л.В. Стекло Мурано в контексте современного искусства // Academia. 2024. № 2. С. 300−309. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-2-1-300-309
Класс портретной миниатюры в Академии художеств 1779‒1830 гг. Руководители, программы, обучение
Портретная миниатюра в России проделала путь от элитного царского подарка и награды до искусства, доступного всем. Императорская Академия художеств чутко реагировала на все новшества в искусстве, и среди ее классов в 1779 году появляется новый класс портретной миниатюры. За полувековое существование классом руководили выдающиеся деятели русского искусства ‒ Жарков, Щукин, Иванов, Варнек. Каждый из них по-своему видел процесс обучения; разнились и программы, задаваемые для экзаменов. Данная статья ‒ первое объемное исследование, посвященное классу портретной миниатюры в Академии художеств, его ученикам и их работам, многие из которых были ранее неизвестны.
Пуликова Л.В. Класс портретной миниатюры в Академии художеств 1779‒1830 гг. Руководители, программы, обучение // Academia. 2024. № 2. С. 324−338. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-2-1-324-338
Иван Бабин – живописец Пермского Спасо-Преображенского кафедрального собора
Статья посвящена истории Пермского Спасо-Преображенского кафедрального собора периода его первоначального строительства. На основе никогда ранее не публиковавшихся документов из Государственного архива Пермского края стало возможным атрибутировать 12 икон из коллекции Пермской государственной художественной галереи. Они обрели имя автора – им оказался И.В. Бабин – иконописец, родоначальник целой династии живописцев, в числе которых профессор Санкт-Петербургской академии художеств В.П. Верещагин, художник В.А. Плотников. Благодаря обнаружению договора иконописца с пермским епископом стало возможным идентифицировать иконы его письма, дать точную датировку произведений. Кроме того, стало известно место, которое занимали иконы в пространстве собора – иконостас и алтарь зимнего храма. Из обнаруженного договора подтвердился важный факт: наличие в иконостасе икон, написанных художниками Императорской академии художеств. Сейчас имя пермского живописца И.В. Бабина введено в полноценный научный оборот.
Эта исследовательская работа стала началом подробного изучения неизвестных произведений, находящихся в коллекции Пермской государственной художественной галереи и исследованию мраморного иконостаса зимнего храма Спасо-Преображенского собора Перми.
Отмахова А.В., Сысоева Т.Л. Иван Бабин – живописец Пермского Спасо-Преображенского кафедрального собора // Academia. 2024. № 2. С. 339−353. DOI:10.37953/2079-0341-2024-2-1-339-353
Обзор Первого российско-китайского форума «Теория и практика художественного образования: вызовы современности, традиции и национальные школы XXI века»
Представляем обзор докладов, озвученных в рамках Первого российско-китайского форума «Теория и практика художественного образования: вызовы современности, традиции и национальные школы XXI века», прошедшего 11–13 ноября 2023 года и организованного совместно Российской академией художеств, Научно-исследовательским институтом теории и истории изобразительных искусств Российской академии художеств, Российским государственным художественно-промышленным университетом имени С.Г. Строганова, Национальной академией дизайна, Московским архитектурным институтом (Государственной академией), Китайской академией искусств (Ханчжоу), творческой организацией «Шелковый путь искусства» Москва ‒ Тяньцзинь, Тяньцзиньской академией искусств (TAFA) и Сямынской академией искусств.
Целью конференции стало осмысление актуального состояния российско-китайских связей в области архитектуры, изобразительного и декоративного искусства, а также современного дизайна. Ключевыми стали аспекты взаимодействия художественной и проектной культур России и Китая в контексте истории и современности; перекрестки искусств и вопросы культурной идентичности; наследие, музейное строительство и художественное образование; философия творчества; национальное и интернациональное в предметно-художественных видах творчества; цифровые технологии.
Сазиков А.В. Обзор Первого Российско-Китайский форума «Теория и практика художественного образования: вызовы современности, традиции и национальные школы XXI века» // Academia. 2024. № 2. С. 354−366. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-2-1-354-366
2024 / 1
Коллекция первого художника Арктики А.А. Борисова в собрании музейного объединения Архангельска
Аннотация
В статье дан обзор и предложена научная классификация живописи и графики Александра Алексеевича Борисова (1866–1934) из собрания Государственного музейного объединения «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск) – крупнейшей коллекции первого художника-путешественника в Арктике. Работы А.А. Борисова стали основой для создания единственного в своем роде Музея художественного освоения Арктики, носящего имя художника и хранящего в своих фондах большую часть его выявленных работ. В задачи музея входит не только сохранение и изучение историко-культурного наследия северной полярной области земли, но и исследование творчества уникального по своей пейзажной тематике мастера, образная система которого рождалась в непосредственном взаимодействии с реальной природой Арктики.
Abstract
The article gives a review and offers an academic classification of the paintings and drawings by Alexander Alexeevich Borisov (1866–1934) from the collection of the State Museum Association “Art Culture of the Russian North” (Arkhangelsk), the largest collection of the first artist-traveller in the Arctic. A.A. Borisov’s work laid the foundation for a unique Museum of Artistic Exploration of the Arctic, bearing the artist’s name and keeping in its funds most of his identified works. The museum’s objectives are not only to preserve and study the historical and cultural heritage of the northern polar region of the Earth, but also to explore the work of the master, unique in his landscape themes, whose imagery system was born in direct interaction with the real Arctic nature.
Катышев И.А. Коллекция первого художника Арктики А.А. Борисова в собрании музейного объединения Архангельска // Academia. 2024. № 1. C. 86–101. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-86-101
Импрессионистические опыты в пейзажных этюдах Я.Ф. Ционглинского
Аннотация
Статья посвящена анализу пейзажных работ Я.Ф. Ционглинского. Он был увлечен этюдом как самостоятельной формой, начиная со второй половины 1880-х годов. Свои живописные задачи художник пытался реализовать не только во время пленэров в Петербурге и его окрестностях, но и во время частых путешествий в южные восточные страны, где можно было в полной мере насладиться солнцем и воздухом. В серии палестинских, египетских и индийских этюдов Ционглинского, которые ныне входят в собрания не только Государственной Третьяковской галереи и Государственного Русского музея, но и национальных музеев в Варшаве и Кракове, проявились новые цветовые решения и свободный взгляд на натуру. В статье рассматриваются характерные особенности эволюции творческой манеры Ционглинского, вводятся в научный оборот новые сведения о жизни и деятельности мастера.
Abstract
The paper analyses landscape works by Jan Ciaglinsky, who from the second half of the 1880s, was fascinated by etude as an independent form. He tried to solve his painting tasks not only during plein-airs in St Petersburg and its environs, but also during frequent travels to southern and eastern countries, where one could fully enjoy the sun and air. In a series of Palestinian, Egyptian and Indian studies by Ciaglinsky, which now form part of the collection not only of State Tretyakov Gallery and State Russian Museum, but also of the National Museums of Warsaw and Krakow, new color schemes and a free look at nature manifested itself. The article discusses the characteristic features of the evolution of Ciaglinsky’s creative manner, as well as introduces new information about the life and work of the master into academic circulation.
Гуренович М.А. Импрессионистические опыты в пейзажных этюдах Я.Ф. Ционглинского // Academia. 2024. № 1. C. 154–165. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-154-165
Пейзажное начало в творчестве А.И. Сави́нова дореволюционного периода
Аннотация
В статье рассматривается значение пейзажа в наследии художника Александра Ивановича Савинова (1882–1942) дореволюционного периода; дается анализ наиболее известных работ мастера, в которых пейзажный жанр играет важную роль. Автор сопоставляет пейзажи А.И. Савинова с произведениями его современников, представителей «саратовской школы» и академического направления, и прослеживает развитие пейзажного жанра в творчестве художника, заметно эволюционировавшего от пленэризма и импрессионистических поисков к модерну.
Abstract
The article examines the significance of landscape in the pre-revolutionary art of Alexander Savinov (1882–1942), analyzes the master’s most famous creations, in which the landscape genre plays an important role. The author compares Savinov’s landscapes with the works of his contemporaries, representatives of the Saratov school and the academic direction, and traces the development of the landscape genre in the artist’s work from Impressionism to Art Nouveau.
Для цитирования:
Ступина А.С. Пейзажное начало в творчестве А.И. Савинова дореволюционного периода // Academia. 2024. № 1. C. 68–85. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-68-85
Стилистические тенденции середины XIX века в работах учеников пейзажного класса Московского училища живописи и ваяния
Аннотация
Статья посвящена художественному развитию пейзажного жанра в Московском училище живописи и ваяния (МУЖВ) на раннем этапе его существования (1840–1850-е). Хронологически данный период совпал с важными процессами в эволюции русской пейзажной живописи середины XIX века. На примере локальной по сравнению с общим историко-искусствоведческим контекстом ситуации в исследовании выявляются типичные ориентиры тех художественных поисков, внутри которых постепенно вызревали устойчивые черты московской школы пейзажа. Основной акцент в статье поставлен на произведениях малоизвестных художников (Л.Л. Каменева, В.Ф. Аммона, М.И. Бочарова и др.) – учеников пейзажной мастерской МУЖВ, до 1857 года руководимой К.И. Рабусом. Композиции учеников МУЖВ этого времени, сочетающие композиционные элементы и живописные приемы классицистического и романтического пейзажа с новыми реалистическими мотивами, анализируются с точки зрения стилистической эволюции пейзажной живописи, что позволяет детальнее изучить переходный этап становления русского национального пейзажа.
Abstract
The article is devoted to the artistic development of the landscape genre at the Moscow School of Painting and Sculpture at an early stage of its existence (1840–1850s). Chronologically, this period coincided with important processes in the evolution of Russian landscape painting in the middle of the 19th century. On the example of a local situation in comparison with the general historical and art history context, the study reveals the typical landmarks of those artistic searches, within which the stable features of the Moscow school of landscape gradually matured. The main emphasis in the article is placed on the works of little-known artists (L.L. Kamenev, V.F. Ammon, M.I. Bocharov, etc.) – students of the landscape workshop of the Moscow School of Painting and Sculpture, led by Karl Rabus until 1857. The Moscow School compositions of that time, combining elements and pictorial techniques of the classicistic and romantic landscape with new realistic motifs, are analyzed from the point of view of the stylistic evolution of landscape painting, which makes it possible to study in more detail the transitional stage in the formation of the Russian national landscape.
Для цитирования:
Суровяткина Е.А. Стилистические тенденции середины XIX века в работах учеников пейзажного класса Московского училища живописи и ваяния // Academia. 2024. № 1. C. 18–42. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-18-42
О Ливадии. Исследование архитектуры дворцово-паркового ансамбля
Аннотация
Публикация посвящена книге «Ливадия. Архитектура дворцово-паркового ансамбля. Вторая половина XIX века». Автор охватывает в своем исследовании широчайший круг представлений, касающихся побудительных мотивов возникновения ливадийского ансамбля, этапов строительства, стилистики архитектуры, культурной семантики памятника в его элементах и целом. В книге вдумчиво изучаются механизмы творческих процессов в ходе строительных работ, отношения между заказчиками и исполнителями, деятельность многочисленных архитекторов, как И.А. Монигетти, А.И. Резанов, А.Г. Венсан, а также художников, вовлеченных в проект. Автор вникает и в вопросы благоустройства территории в соответствии с новыми техническими возможностями эпохи, отмечает заботу о решении бытовых проблем обслуживающего его населения при устройстве резиденции.
Abstract
The publication is dedicated to the book “Livadia. The architecture of palace and park ensemble. The second half of XIX century”. In his research, the author covers a wide range of ideas concerning the motivations for the emergence of the Livadia ensemble, the stages of construction, the stylistics of architecture, the cultural semantics of the monument in its elements and in general. The book thoughtfully examines the mechanisms of creative processes during construction work, the relationship between customers and performers, the activities of numerous architects like Hippolyte Monighetti, Alexander Rezanov, Alphonse Vincent, as well as the artists involved in the project. The author also delves into the issues of landscaping in accordance with the new technical capabilities of the era, notes the concern for solving the everyday problems of the population serving it when setting up a residence.
Козлова С.И. О Ливадии. Исследование архитектуры дворцово-паркового ансамбля // Academia. 2024. № 1. С. С. 180–190. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-180-190
К вопросу о своеобразии творческого метода Николая Крымова
Аннотация
В статье рассматривается творческий метод Николая Петровича Крымова (1884–1958) с позиции эволюции жанровых форм. В рамках жанровой системы Крымова можно с определенностью охарактеризовать как пейзажиста. Но сами эти рамки претерпевают трансформацию в искусстве символизма и модерна. Творческий метод Крымова можно рассматривать как своего рода вариант неоклассицизма. Он разрабатывает типологию объемно-пространственной композиции, подобно пуссеновским «модусам». Творчество Крымова сопоставимо с работами его современников-архитекторов, таких как И.А. Фомин или И.В. Жолтовский. Как эти мастера сумели добиться органичности в применении ордерных форм, так и Крымов, используя традиционно жанровую фабулу, строит собственную живописную архитектонику, проектируя разнообразные ансамбли на основе единой типологии композиционных приемов.
Abstract
The paper examines the creative method of Nikolay Petrovitch Krymov (1884–1958) viewed from the standpoint of the evolution of genre forms. Within the framework of the genre system, Krymov can be unambiguously characterized as a landscape artist. But these genre boundaries undergo some transformations in the art of Symbolism and Art Nouveau. Krymov’s creative method can be considered as a kind of neoclassical. He develops a typology of three-dimensional composition, like Poussin’s ‘modes’. Krymov’s creations could be compared to the works of his fellow architects such as Ivan Fomin or Ivan Zholtovsky. Just as these masters managed to achieve organic use of order forms, so Krymov, using the traditional genre plot, builds his own pictorial architectonics based on a single typology of compositional techniques.
Мережников А.Н., Стихина М.И. К вопросу о своеобразии творческого метода Николая Крымова // Academia. 2024. № 1. C. 102–116. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-102-116
Неоромантический пейзаж в творчестве Николая Дубовского
Аннотация
Николай Никанорович Дубовской (1859–1918) сыграл заметную роль в русском пейзажном искусстве конца XIX – начала XX века. Однако сегодня обширное наследие художника, несмотря на его высокий прижизненный авторитет, изучено далеко не в полной мере и мало известно широкому кругу зрителей. Цель статьи состоит в попытке выявить индивидуальные особенности подхода Дубовского к теме национального русского пейзажа, а также рассмотреть факторы, которые повлияли на становление мастера как художника неоромантического направления, по-своему воспринявшего достижения пленэрной живописи и использовавшего их для создания преимущественно панорамных, философских по содержательному наполнению пейзажей.
Abstract
Nikolai Dubovskoy (1859–1918) played a prominent role in Russian landscape art of the late 19th and early 20th centuries. However, today the artist’s extensive legacy, despite his high prestige in his lifetime, is almost unknown to a wide range of researchers. The goal of the article is to try to determine the features of Dubovskoy’s approach to the national Russian landscape. The author seems to consider the factors that influenced the formation of the master as an artist of the neo-romantic direction, who in his own way perceived the achievements of plein air painting and used them to create predominantly panoramic, philosophical landscapes.
Для цитирования:
Кузнецова М.В. Неоромантический пейзаж в творчестве Николая Дубовского // Academia. 2024. № 1. C. 166–179. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-166-179
Развитие пейзажной концепции И.С. Остроухова в произведениях 1880‒1890-х годов
Аннотация
В статье анализируется формирование пейзажной концепции И.С. Остроухова в 1880–1890-е годы. Начиная работать в традициях искусства передвижников, художник постепенно вырабатывает собственную образно-пластическую систему, обогащаемую новыми достижениями русской живописи. Почувствовав близкие по духу идеи времени, Остроухов сумел по-своему оценить их и выразить в индивидуальной живописно-пластической форме. Природа изображается художником в переходные моменты времен года, что определяет драматургическую и композиционную структуру его произведений. Избранный мотив задает натурную и эмоционально-смысловую основу многочисленным этюдам И.С. Остроухова, которые синтезируются, корректируются творческим замыслом и определяют лирико-поэтическую содержательность его пейзажных образов.
Abstract
TThe article analyzes the formation of the landscape concept of Ilya Ostroukhov in the 1880‒90s. Starting the work in the traditions of the art of the Peredvizhniki, (The Itinerants) he gradually developed his own figurative system, enriched by new achievements in Russian painting. He took their like-minded ideas close to his heart, but managed to evaluate them in his own way and he was often the first to express them in a pictorial form. Nature is depicted by the artist in the transitional moments of the seasons, which determines the dramatic and compositional structure of his works. The chosen motif enriched by the relevant observations and impressions becomes the basis for Ilya Ostroukhov’s numerous studies, which are synthesized and corrected by the creative concept, forming the lyrical and poetic content of his landscapes.
Рымшина Т.А. Развитие пейзажной концепции И.С. Остроухова в произведениях 1880‒1890-х годов // Academia. 2024. № 1. C. 43–67. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-43-67
Папка фотографий Беньямина Земаха: личные обстоятельства известных фотографий
Аннотация
Статья рассматривает ключевые вопросы современной практики атрибуции произведений из истории российской фотографии на примере атрибуции памятника «Папка Цемаха» из собрания Музея изобразительных искусств г. Хьюстона, США, а именно: возможность атрибутирования имен, уточнение датировок при перекрестно-сравнительном анализе памятников. В составе исследуемого памятника соединились произведения русских фотографов-художников 1920-х годов, принадлежавших к разным поколениям, но объединенных деятельностью в рамках «Искусства движения» и ГАХН. В статье очерчен метод построения перекрестного анализа произведений при атрибуции группы памятников. Атрибутированный памятник предстает источником для историков искусства, историков фотографии, истории русского театра, включая театр «Габима», для изучения преподавания метода Станиславского и русского балета в США. Также на основе проведенной атрибуции возникает возможность проведения физиогномической атрибуции героев фотографии с привлечением других памятников модернистской фотографии России и Германии 1920-х годов. «Папка Цемаха» позволяет проследить эволюцию представлений о героях русского балета в 1920-е−1930-е годы и маршруты эмиграции танцовщиков из Советской России в Западную Европу и США.
Abstract
The article examines key issues in the contemporary practice of attributing works from the history of Russian photography, using the example of attributing the so called “Zemach’s Folder” from the collection of the Museum of Fine Arts in Houston, USA. Specifically, it addresses the possibility of attributing names and refining dates through cross-comparative analysis of monuments. The set of the folder combines works of Russian photographers-artists from the 1920s, belonging to different generations but united by their activity within the Art of Movement and the State Academy of Arts (GAKhN). The article outlines the method of conducting cross-comparative analysis of works when attributing a group of monuments. The attributed monument serves as a source for art historians, historians of photography and historians of Russian theater, including the Habima Theater, for studying the teaching methods of Stanislavsky and Russian ballet in the USA. Moreover, based on the conducted attribution, there is an opportunity to perform physiognomic attribution of the characters in the photograph by involving other monuments of modernist photography in Russia and Germany from the 1920s. “The Zemach’s Folder” traces the evolution of perceptions of characters in Russian ballet in the 1920s−1930s and the routes of emigration of dancers from Soviet Russia to Western Europe and the USA.
Чмырева И.Ю. Папка фотографий Беньямина Цемаха: личные обстоятельства известных фотографий // Academia. 2024. № 1. С. 117−132. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-117-132
П.С. Коган и организация художественных выставок СССР в Италии в 1920-е годы
Аннотация
Фигура Петра Семеновича Когана, историка литературы и критика, президента Государственной академии художественных наук (ГАХН), в научных исследованиях рассматривается в контексте истории русской и западноевропейской литературы, истории Государственной академии художественных наук. До настоящего момента деятельность П.С. Когана в области организации международных выставок 1920-х годов не освещалась. В статье дана оценка вклада П.С. Когана в работу над выставками СССР в Италии в 1920-х годах. Основой для исследования послужили архивные документы Российского государственного архива литературы и искусства, которые публикуются впервые.
Abstract
The role of Pyotr Semenovich Kogan, a literary historian and critic, and the President of the State Academy of Arts Sciences (GAHN), is examined in scholarly research within the context of Russian and Western European literature history, as well as the history of the State Academy of Arts Sciences. Until now, Kogan’s involvement in organizing international exhibitions in the 1920s has not been extensively explored. The article evaluates Pyotr Semenovich Kogan’s contribution to the organization of Soviet exhibitions in Italy during the 1920s. The study is based on archival documents from the Russian State Archive of Literature and Art, which are being published for the first time.
Безрукова Н.Б. П.С. Коган и организация художественных выставок СССР в Италии в 1920-е годы // Academia. 2024. № 1. C. 133–139. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-133-139
Серия гравюр «Притча о добром самарянине» (1610‒1625) в «Theatrum biblicum» Класа Висхера (Библии Пискатора). Штрихи к истории раннего голландского пейзажа
Аннотация
В статье исследуется серия из четырех гравюр «Притча о добром самарянине» в составе увража «Theatrum biblicum» (1639, 1643, 1650, 1674), известного в России как «Библия Пискатора». Серия не привлекала к себе внимания исследователей. Как удалось установить, гравюры были выполнены в 1610–1625 гг. в мастерской братьев Ассуеруса и Яна Лондерзеел в Роттердаме. Обнаружено, что композиции гравюр серии скомбинированы из разных источников – пейзажи взяты из гравюр по оригиналам Яна Брейгеля Старшего и Пауля Бриля, выполненных членами известной семьи граверов Саделер: Эгидием II, Яном I, Рафаэлем I в 1590‑е годы, а фигуры персонажей – с гравюр работы Криспейна ван де Пассе I на тему той же притчи (1588–1589) по оригиналам Ханса Бола.
Abstract
The article examines a series of four engravings “The Parable of the Good Samaritan” as part of the theatrum biblicum (1639, 1643, 1650, 1674), known in Russia as the “Piscator Bible”. The series did not attract the attention of researchers. As we were able to establish, the engravings were made in 1610–1625 in the workshop of the brothers Assuerus and Jan Londerseel in Rotterdam. It was discovered that the compositions of the engravings of the series were combined from different sources ‒ the landscapes were taken from engravings based on the originals of Jan Brueghel the Elder and Paul Bril, madex by members of the famous Sadeler family of engravers: Aegidius II, John I, Raphael I in the 1590s, and the figures of the characters were taken from engravings by Crispijn van de Passe I on the theme of the same parable (1588–1589) based on the originals by Hans Bol.
Для цитирования:
Гамлицкий А.В. Серия гравюр «Притча о добром самарянине» (1610‒1625) в «Theatrum biblicum» Класа Висхера (Библии Пискатора). Штрихи к истории раннего голландского пейзажа // Academia. 2024. № 1. C. 7–17. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-7-17
Роза и Крест Жозефена Пеладана
Аннотация
Сборник «Париж около 900-х. „Роза+Крест“ Жозефена Пеладана» является результатом коллективного труда участников Межинститутской научной группы «Европейский символизм и модерн» − известного сообщества ученых, деятельность которого продолжается в Москве уже 25 лет. Под обложкой собраны статьи, посвященные различным, в том числе малоизученным, явлениям и фактам парижской художественной жизни рубежа XIX−XX веков. Многое увидено под новым углом. Центральной темой являются выставки организованного Жозефеном Пеладаном Ордена, получившие название «Салон „Роза+Крест“» и долгие годы находившиеся на периферии научных интересов, но в последние годы вновь привлекшие внимание зарубежной и российской науки об искусстве. Пересмотр значения этих выставок, их содержание и влияние на художественную жизнь разных стран, а также широкий культурный и мировоззренческий контекст эпохи являются содержанием данного коллективного труда.
Abstract
The anthology “Paris circa 900s. “Rose+Cross” by Joséphin Péladan” is the result of collaborative work by members of the Interinstitutional Scientific Group “European Symbolism and Modernism” – a well-known community of scholars whose activities took place in Moscow for 25 years. Under the cover are gathered articles dedicated to various, including little-studied, phenomena and facts of the Parisian art life at the turn of 19th – 20th centuries. Much has been seen from a new perspective. The central theme is the exhibitions organized by Joséphin Péladan's Order, which were named ‘Salon “Rose+Cross”’ and for many years remained on the periphery of scholarly interests, but in recent years have once again attracted the attention of international and Russian art scholarship. Revisiting the significance of these exhibitions, their content, and their influence on the artistic life of different countries, as well as the broad cultural and ideological context of the era, are the subject of this collective work.
Флорковская А.К. Роза и Крест Жозефена Пеладана // Academia. 2024. № 1. C. 191–198. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-191-198
Защита Лодыгина: пейзаж как компенсаторный механизм в жизни художника
Аннотация
Статья посвящена творческому пути художника Сергея Петровича Лодыгина (1892–1948) в послереволюционный период, участию в журнальных и книжных изданиях. В 1920-е годы он был признан одним из лучших в то время отечественных иллюстраторов. Новизна публикации – в акценте, поставленном на роли пейзажного жанра в творчестве Сергея Лодыгина. Диапазон творческого самовыражения художника показывает, что журнальная, книжная и плакатная графика мастера не являлись единственной сферой его интересов в искусстве. Не менее значим вклад художника в развитие русского пейзажа, послужившего для Лодыгина своеобразным психологическим ресурсом, помогавшим ему преодолевать тяготы и угрозы эпохи и сохранять собственную идентичность.
Abstract
The paper is devoted to the creative path of the artist Sergei Petrovich Lodygin (1892–1948) in the post-revolutionary period, his work in magazines and book publications. In the 1920s, he was recognized as one of the best Russian illustrators at that time. This particular publication focuses mainly on Lodygin’s landscape paintings. Analyzing the ups and downs of fate, the sources of the pictorial manner and what can be found from the relatively small artistic legacy of Lodygin that has survived to this day, the author shows that the artist’s magazine, book and poster graphics are not the only area of his interests in art. No less significant is the artist’s contribution to the development of Russian landscape, which served for Lodygin as a kind of psychological resource that helped him overcome the hardships and threats of the epoch and preserve his own identity.
Голубинов В.В.. Защита Лодыгина: пейзаж как компенсаторный механизм в жизни художника // Academia. 2024. № 1. C. 140–153. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-140-153
2023 / 4
Пейзаж в русском искусстве второй половины XIX – начала XX века. Эволюция жанра. Введение в проблематику
Аннотация
Статья посвящена концептуальному анализу эволюции пейзажного жанра в русском изобразительном искусстве второй половины XIX – начала XX века; поставлен и разносторонне исследован ключевой вопрос о взаимосвязи пейзажной поэтики с мировоззрением художников и эстетическими ориентирами времени, влияющими как на восприятие природы, так и на способы ее отражения в искусстве. В основе научно-практической базы лежат подвергнутые тщательному рассмотрению задачи, итоги и перспективы развития темы одноименной международной конференции «Пейзаж в русском искусстве второй половины XIX – начала XX века. Эволюция жанра» (16–17 мая 2022, Российская академия художеств, Москва), куратором которой был автор статьи.
Abstract
The article is devoted to the conceptual analysis of the multifaceted evolution of the landscape genre in Russian art in the second half of the 19th – early 20th century. The author poses and investigates in detail the key question of interrelationship of landscape poetics with the artists’ world view and aesthetic guidelines of the time influencing the perception of nature and its reflections in art. The academic and practical foundation of the article consists of the tasks, results and development prospects of the topic of the international conference with the same title “Landscape in Russian Art in the Second Half of the 19th – the Beginning of the 20th Century. Evolution of a Genre” (May 16–17, 2022, Russian Academy of Arts, Moscow), curated by the author.
Для цитирования:
Давыдова О.С. Пейзаж в русском искусстве второй половины XIX – начала XX века. Эволюция жанра. Введение в проблематику // Academia. 2023. № 4. C. 379–423. DOI: 10.37953/2079-0341-2023-4-1-379-423
«На что душа моя оглянется?..» Послесловие к выставке «Новый русский пейзаж. Диалог во времени»
Аннотация
Статья посвящена выставке Российской академии художеств и Московского музея современного искусства в рамках Второго фестиваля современного искусства в Ярославле «Новый русский пейзаж. Диалог во времени» (3 августа – 10 сентября 2023 года). В экспозиции были представлены более 200 произведений разных видов изобразительного искусства – от живописи, графики и скульптуры до видео и инсталляции.
Abstract
The article is dedicated to the exhibition organized by the Russian Academy of Arts and the Moscow Museum of Modern Art as part of the Second Festival of Contemporary Art in Yaroslavl titled “New Russian Landscape: Dialogue in Time” (August 3 – September 10, 2023). The exhibition featured over 200 works across various forms of visual arts, ranging from painting, graphics, and sculpture to video and installations.
Для цитирования:
Давыдова О.С. «На что душа моя оглянется?..» Послесловие к выставке «Новый русский пейзаж. Диалог во времени» // Academia. 2023. № 4. C. 577–585. DOI: 10.37953/2079-0341-2023-4-1-577-585
Опыт интерпретации пространственных моделей лесного пейзажа в книжной графике рубежа XIX–XX веков
Аннотация
В статье анализируются особенности построения и символики лесных сцен в книжной графике рубежа XIX–XX веков в их связи с избранными примерами интерпретации мотивов леса в истории искусства предшествующих периодов – позднего Средневековья, Возрождения, романтизма. На основе проведенного иконографического исследования автор статьи приходит к выводу, что темное пространство легендарного, сказочного, «дикого» леса в смысловом значении уподоблялось стене, завесе, границе «иного мира». В работе выделяется ряд устойчивых композиционных приемов изображения лесного пространства, отмечаются различия в трактовке образа леса в искусстве романтизма и символизма, делается акцент на психологической драматизации восприятия лесного пейзажа в книжной графике рубежа XIX–XX веков. Особое внимание уделяется анализу визуальных примет, к которым можно отнести расположение координатных осей лесного пространства, таких, как линия горизонта и тропа, отказ от изображения неба и акцентировка яруса древесных корней.
Abstract
The article analyses the peculiarities of construction and symbolic meaning of forest scenes in book graphics of the late 19th and early 20th centuries in their connection with the selected examples of the interpretation of forest motifs in the history of art of previous periods – the Late Middle Ages, the Renaissance and Romanticism. Iconographic research treats the dark space of the legendary “wild” forest in its spatial and semantic meaning as similar to a wall, a curtain, the boundary of the “other worldˮ. The paper highlights sustainable compositional techniques of forest imagery, and points out the differences in forest images of Romanticism and Symbolism emphasising the psychological dramatisation of perception of the woodland scenes in the book graphics of the turn of the 20th century. Particular attention is paid to the analysis of the location of the coordinate axes of forest space, such as the horizon line and the trail, refusal to depict the sky and emphasis on the tier of tree roots.
Для цитирования:
Мишачева И.В. Опыт интерпретации пространственных моделей лесного пейзажа в книжной графике рубежа XIX–XX веков // Academia. 2023. № 4. C. 528–553. DOI: 10.37953/2079-0341-2023-4-1-528-553
«Жанрист моря». Живопись А.П. Боголюбова двух французских периодов из собрания Государственного Русского музея
Аннотация
В статье рассматривается группа произведений пейзажиста и мариниста А.П. Боголюбова (1824–1896), выполненных в 1850-х–1880-х годах во Франции. Затрагиваются история бытования работ художника в Академии художеств, проблемы их датировки (в том числе, в связи с технологическими исследованиями). Предпринята попытка обозначить некоторые особенности живописного языка Боголюбова и эволюцию его представлений о задачах этюда.
Abstract
The article is devoted to the series of paintings by landscape and marine painter Alexey Bogolyubov (1824–1896), that were created in the 1850s – 1880s in France. The history of existence of the artist’s works at the Academy of Arts, the questions of their dating are mentioned (partly, as a result of technological examination). The article attempts to present some individual features of Bogolyubov pictorial language, and the evolution of his ideas on the oil sketches role.
Для цитирования:
Волошко А.В. «Жанрист моря». Живопись А.П. Боголюбова двух французских периодов из собрания Государственного Русского музея // Academia. 2023. № 4. C. 554–567. DOI: 10.37953/2079-0341-2023-4-1-554-567
Сергей Романович. Искусство и жизнь
Аннотация
Монография А.Н. Иньшакова «Сергей Михайлович Романович. Искусство и жизнь» (БуксМАрт, 2022) рассматривает творчество художника в широком контексте отечественного изобразительного искусства ХХ века. Автор глубоко исследовал эволюцию мировоззрения Романовича, его стилистические и эстетические предпочтения – от авангарда к идеям «Маковца» и фундаментальному мировому классическому наследию.
Abstract
The monograph by A.N. Inshakov, “Sergey Mikhailovich Romanovich: Art and Life” (BooksMArt, 2022), explores the artist’s work in the broad context of Russian visual arts in the 20th century. The author deeply investigates the evolution of Romanovich’s worldview, his stylistic and aesthetic preferences – from avant-garde to the ideas of “Makovets” and the fundamental world classical heritage.
Для цитирования:
Киселев М.Ф. Сергей Романович. Искусство и жизнь // Academia. 2023. № 4. C. 568–576. DOI: 10.37953/2079-0341-2023-4-1-568-576