2020 / 4
Личный музейный манифест – размышляя о нашем времени
Аннотация
Рассматриваются альтернативные культурные и финансовые модели взаимодействия национальных художественных музеев и публики (в частности, Пинакотеки Брера), выход из сферы только лишь публичного пространства в дополненную реальность (интернет-трансляции, онлайн-услуги), предлагается обоснование экономической модели музейного менеджмента за счет постоянных взносов и изменения статуса посетителей на постоянных пользователей.
Abstract
Alternative cultural and financial models of interaction between the national art museums and public (specifically, Pinacoteca di Brera), leaving the sphere of only public space in augmented reality (Internet broadcasts, online services), it is proposed to substantiate the economic model of museum management through constant contributions and changing the status of visitors to regular users.
Для цитирования:
Брэдберн Д.М. Личный музейный манифест – размышляя о нашем времени // Academia. 2020. № 4. С. 529–537. DOI: 10.37953-2079-0341-2020-4-1-529-537
Керамика – расширение границ
Аннотация
Статья посвящена актуальным явлениям в современной отечественной керамике. Рассматривается масштабная тематическая выставка, проходившая летом 2020 года в Московском доме художника на Кузнецком, 11 под слоганом «ЧелоВечность», анализируется концепция выставки и творчество художников-керамистов, участвовавших в этом проекте.
Abstract
In article is devoted to common phenomena in modern Russian ceramics. A large-scale thematic exhibition is being considered that took place in the summer of 2020 at the Moscow House of Artists on Kuznetsky, 11 under the slogan "Humanity. The concept of exhibition and work of the ceramic artists participating in this project are analyzed.
Для цитирования:
Орлов С.И. Керамика – расширение границ // Academia. 2020. № 4. C. 513-524. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-4-1-513-524
Влияние Джона Соуна на восприятие классического ордера архитекторами модернизма и постмодернизма
Аннотация
Наследие Джона Соуна, английского архитектора эпохи Регенства, оказало определенное влияние на зодчество XX столетия. Основные принципы стиля архитектора (прежде всего, частичный или полный отказ от ордера) проявили себя в творчестве мастеров функционализма. Филипп Джонсон обратился к работам Соуна в поисках преодоления диктата интернационального стиля, в то время как архитекторы-постмодернисты нашли в произведениях мастера источник для всевозможных цитат и пастишей.
Abstract
The oeuvre of John Soane, the architect of the Regency era, has influenced to some degree the architecture of the XX century. The staples of his style (first of all his attempts to exclude – entirely or partly – the elements of classical order) can be detected in buildings of the functionalist architects. Philipp Johnson resorted to Soane trying to unfetter his manner from the doctrine of the International style. Meanwhile the postmodernists found in his structures the source for references and pastiches.
Для цитирования:
Грознов О.Д. Влияние Джона Соуна на восприятие классического ордера архитекторами модернизма и постмодернизма // Academia. 2020. № 4. C. 416-420. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-4-1-416-420
Ключевые слова
Живопись наблюдений. К юбилею Павла Федоровича Никонова
Аннотация
Рассказ о выставке произведений народного художника России, академика РАХ, лауреата Государственной премии России Павла Федоровича Никонова, приуроченной к 90-летию художника, состоявшейся осенью 2020 года в залах Российской академии художеств (Пречистенка, 21). В экспозицию вошло около ста произведений живописи и графики, показывающих творчество Никонова за последние двадцать лет.
Abstract
The article presents the exhibition of works by the People’s Artist of Russia, Academician of the Russian Academy of Arts, winner of the State Prize of Russia Pavel Fedorovich Nikonov, dedicated to the 90th anniversary of the master, held in the fall of 2020 in the exhibition halls of the Russian Academy of Arts on Prechistenka. The exhibition shows about a hundred new works of painting and drawing, demonstrating the evolution of the artist’s work over the past twenty years.
Для цитирования:
Саленков А.Г. Живопись наблюдений. К юбилею Павла Федоровича Никонова // Academia. 2020. № 4. С. 525–528. DOI 10.37953/2079-0341-2020-4-1-525–528
Классический идеал. Памяти Валентины Александровны Крючковой (1939-2018)
Аннотация
Статья посвящена памяти историка искусства Валентины Александровны Крючковой (1939-2018), профессиональному наследию и значению ее трудов для современного искусствознания.
Abstract
The article is devoted to the memory of art historian Michael Nikolaevich Sokolov (1946–2016), professional heritage and the significance of his works for contemporary art history.
Для цитирования:
Федотова Е.Д. Классический идеал. Памяти Валентины Александровны Крючковой (1939-2018) // Academia. 2020. № 4. C. 414–415. DOI: 10.37953-2079-0341-2020-4-1-414-415
“Всадники” Марино Марини
Аннотация
Статья посвящена творчеству известного итальянского скульптора Марино Марини (1901–1980). Он являлся участником многих крупных экспозиций в Италии и за рубежом, лауреатом многих международных выставок. Фонд скульптора и Центр документации его наследия был создан в 1979 году в его родном городе, в Пистойе. Там хранятся скульптуры, графика, фотографии, каталоги выставок, книги, посвященные его творчеству. В 1975 году в Милане, где долгие годы он преподавал в художественных вузах, был открыт Музей Марини. Талант скульптора развивался под влиянием выдающегося итальянского скульптора XX века – Артуро Мартини, с которым он познакомился в 1926 году. В статье рассказывается о биографии Марини и о главной теме его творчества – образах «лошади и всадника» («cavallo e cavagliere»). В них он воплощал отзвуки собственных ассоциаций с событиями современности, также соотнося своих «всадников» с наследием пластики этрусков, так как являлся уроженцем Тосканы. Эта «una forma in una idea» получила развитие в скульптуре и графике Марини от первых работ 1930-х годов до композиций 1960-х («Чудо», «Крик» и других). Драматичная история XX столетия всегда была импульсом для создания его работ. Он оставался вне официальных заказов, был «свободной сущностью», следуя завету Артуро Мартини.
Abstract
The article is devoted to the creation of well-known Italian sculptor Marino Marini (1901–1980). He was the participant of many qreat displays in Italy and abroad, prize-winner of international exhibitions. The Fund of Marini and the Centre of documentation of his legacy was created in 1979 in one’s home town – Pistoia. His sculptures, drawings, photographyes, catalogues keeps there. In 1975 in Milano, where he teached at great artistic institutes for a long time, was opened «Museum Marini». His talent formed under the influence of distinguished italian sculptor of XXᵗʰ century – Arturo Martini, them meeting happened in 1926. In this article the talk is about biography of Marini and about the main theme of his creation – conception of «horse and rider». In these types he incarnated reverberations of one’s own associations with the contemporary events, also correlated the «riders» with the legacy of the plastic art of etruscas, because he was native of Toscana. This «forma in una idea» developed in sculptures and in drawings of Marini from first works of 1930ᵗʰ to the composition of 1950ᵗʰ–1960ᵗʰ («Miracle» – «Miracle», «Grido» – «Cry» and others). The dramatic history of XXᵗʰ century always was the impulse for his works. He stayed out of official orders, was «free essence», followed the precept of Arturo Martini.
Для цитирования:
Федотова Е.Д. “Всадники” Марино Марини // Academia. 2020. № 4. C. 500–506. DOI: 10.37953-2079-0341-2020-4-1-500–506
Феномен классики в картинах мира ХХ века
Аннотация
Статья посвящена рассмотрению способа, которым феномен классики функционирует в искусстве ХХ века. Анализ содержательных структур художественного сознания в произведениях отечественных художников, связанных с двумя основными тематическими потоками живописного мира ХХ века – религиозно-мифологическим и светским – позволяет предположить, что сущностно восходящая к античности классика выполняет функцию сохранения его целостности. Показано, что диалог конкретного автора с классикой происходит в форме обращения к картине мира, которая представляет собой проекцию ценностей традиционной художественной культуры в конкретной идейно-эстетической форме.
Abstract
The article considers the mode in which the phenomenon of classics functions in the art of the 20th century. An analysis of the essential structures of artistic consciousness in the works of Russian artists related to two main thematic currents of the pictorial world of the 20th century, religious-mythological and secular, allows us to suggest that the classic, essentially related to antiquity, performs the function of preserving its integrity. It is shown that the dialogue of a particular author with the classics takes place in the form of an appeal to a worldview, which is a projection of the values of traditional art culture in a specific ideological and aesthetic form.
Для цитирования:
Глазов И.В. Феномен классики в картинах мира ХХ века // Academia. 2020. № 4. C. 507-512. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-4-1-507-512
Ключевые слова
Подражание древним и самоценность новизны в работе римских художественных мастерских XVI века
Аннотация
Исследовав графическое наследие художников, работавших в Риме XVI столетия, мы можем найти немало примеров зарисовок античных памятников, ставших хрестоматийными образцами и справочным материалом для художественных мастерских. В связи с этим вызывает интерес не только то, какие именно древности запечатлевали художники, но и вопрос о том, насколько достоверными были подобные зарисовки. Римские мастерские Чинквеченто сталкивались одновременно с требованием творческой новизны и осознанной подражательностью своего искусства.
Abstract
With examination of the graphic heritage of artists who worked in Rome in the 16th century we can find many examples of sketches of ancient monuments, which became examples and reference material for the artistic workshops. In this regard, our interest is not only what antiquities were captured by the artists, but also the question of how accurate such sketches were. The Roman workshops of Cinquecento were faced with the demand for creative novelty and the conscious imitation of their art simultaneously.
Для цитирования:
Дунина М.В. Подражание древним и самоценность новизны в работе римских художественных мастерских XVI века // Academia. 2020. № 4. C. 479-487. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-4-1-479-487
2020 / 3
Голубая мечеть в Тебризе. Архитектура и декор: история и реконструкция
Аннотация
Голубая мечеть в Тебризе, необычный по своим характеристикам памятник ирано-азербайджанской архитектуры и орнаментально-каллиграфического декора середины XV века. Величественные руины – единственное, что уцелело от разрушенного землетрясениями большого культового и благотворительного архитектурного комплекса. В середине и второй половине XIX века французские ориенталисты положили начало научному изучению уцелевших частей сооружения, его планировки и конструкции и – благодаря значительным остаткам архитектурного декора – разбору орнаментов и переводу надписей. Возобновленные в середине XX века исследования, на этот раз – систематические, подтвердили необычность планировки здания, конструктивного и технического разнообразия его оформления. Особое внимание было уделено каллиграфии – носителю важной информации об истории и назначении сооружения. В 1980–1990-х годах на основе сохранившихся и реконструкции утраченных частей здания развернулись работы по восстановлению этого уникального для исламского средневековья архитектурного проекта и его сложной орнаментальной и эпиграфической программы. К апрелю 2010 года, когда автору статьи довелось посетить Тебриз, наружные стены, купола и сводчатые перекрытия мечети, как и ее интерьер, были восстановлены; продолжались работы по реставрации фасадов и отдельных помещений, облицовок стен, арок и сводов. Здание средневековой мечети приобрело функции художественно-исторического музея и стало частью ансамбля прилегающего парка.
Abstract
This article is devoted to the history and peculiar features of the so called Blue Mosque in Tabriz. This outstanding monument of Iranian and Azerbaijanyan architecture of the second half of the 15th century deserves attention as for its ground plan, as for its unusual characteristics of the religious building luxuriously decorated inside and outside with the different ornamental and calligraphic compositions. The poetic name – Blue Mosque – was given to this building, due to predominance of blue, ultramarine and turquoise in its decoration. At first it was called Masjid-e Muzaffariyya (the Mosque of Muzaffar) after name of its founder. The inscription on the portal indicates the name of the ruler Abul-Muzaffar Jahanshah b. Kara-Yusuf Kara-Koyunlu (1438–67) and the date of the beginning of its construction (4 Rabi I 870 AH / October 25, 1465). The inscription on the eastern wall of the portal includes the name of the calligrapher Ni’matallah b. Muhammad Bawwab and the date which, apparently, fixes the time of completion of the ornamental and epigraphic decor on the main entrance (4 Rabi I 873 / 22 September 1468). Formerly, it was a large religious and charity complex, destroyed by earthquakes during centuries. Eventually only the Mosque’s majestic ruins had remained. The mosque was built in common walls with the Mausoleum, or buk’a, that was never been completed. Persian painter Kazi Ahmad, the famous author of the “Treatise on Calligraphers and Artists” (A.D. 1596), highly appreciated the skill of Bawwab, and noted that the inscriptions of the “exalted buk’a of Muzaffariye founded by Jahanshah Mirza in Tabriz were completely fulfilled by him (Bawwab)”. During the middle and the second half of the 19th century, the French Orientalists laid the foundation for the scientific study of the ruins of the building. The restoration started in 1950–1966 and continued in the course of the 1980–1990s, and after 2000 AD. The author of this article had a chance to visit Tabriz in April 2000, and the walls, domes and vaulted ceilings of the mosque as well as the interior were basically restored. The works were continued on the restoration of facades, premises and its finishing. The building of the medieval mosque acquired some functions of an art and history museum, and became part of the adjacent park.
Для цитирования:
Стародуб Т.Х. Голубая мечеть в Тебризе. Архитектура и декор: история и реконструкция // Academia. 2020. № 3. С. 323-333. DOI 10.37953/2079-0341-2020-3-1-323-333
Гравюры с изображением апостолов, выполненные на фабрике Михаила Артемьева: работа с образцами и творческий поиск
Аннотация
Статья «Гравюры с изображением апостолов, выполненные на фабрике Михаила Артемьева: работа с образцами и творческий поиск» посвящена гравюрам из собрания Церковно-археологического музея Православного Свято-Тихоновского гуманитарного университета. Гравюры, выполненные в технике меццо-тинто, были созданы между 1760–1773 годами в Москве. Вероятно, в работе над ними принимал участие немецкий гравер Иоганн Штенглин (1710/1715–1776). Граверы не прибегали к прямому копированию каких-либо образцов. Обнаруживается определенное сходство с несколькими гравюрами французского мастера Франсуа де Лувемона (1648–?). Некоторые детали московских гравюр перекликаются с иллюстрациями из Библии Николаса Иоанниса Пискатора (1586–1652). В гравюрах фабрики Артемьева можно видеть большую степень творческой свободы авторов, самостоятельный поиск художественного решения, хотя результат этого процесса не всегда безупречен.
Abstract
The article “The engravings depicting the Apostles, executed at the Mikhail Artemyev factory: the use of sources and the creative search” is devoted to the engravings from the collection of the Archaeological Church Museum of St.Tikhon's Orthodox University. The mezzotint engravings were created at Moscow between 1760–1773, probably, with the help of German engraver Johann Stenglin (1710/1715–1776). The engravers did not directly copy any originals. These works show a certain similarity to several engravings by the French engraver Francois de Louvemont (1648–?). Some details of the Moscow engravings correspond to the illustrations from the Bible made by Nicolas Joannes Piscator (1586–1652). In the engravings from the Artemyev factory, we can see a greater degree of creative freedom of their authors, an independent search for an artistic solution, although the result of this process is not always perfect.
Для цитирования:
Нефедова Н. В. Гравюры с изображением апостолов, выполненные на фабрике Михаила Артемьева: работа с образцами и творческий поиск // Academia. 2020. № 3. С. 334-340. DOI 10.37953/2079-0341-2020-3-1-334-340
Европейские гравированные оригиналы в творчестве А.П. Лосенко
Аннотация
В статье исследуется, какие европейские гравированные оригиналы использовались русскими художниками в XVIII веке, главным образом А.П. Лосенко. В качестве нового источника автор рассматривает гравюры с полотен Антуана Куапеля, отмечая не только близость мотивов, но и факты биографии Лосенко, свидетельствующие о внимании русского мастера к творчеству французского академика, и обстоятельства художественного развития эпохи, способствовавшие интересу отечественных знатоков искусства к творчеству Антуана Куапеля.
Abstract
The article examines which European engraved sources were used by Russian artists in the 18th century. An especially thorough examination, from this position, is given to the work of Anton Losenko, one of the most significant Russian painters of the 18th century. The author adds new sources of creative inspiration for Losenko to the recognized ones, such as compositions by Jean Restout,. Among them the author counts engravings from the paintings of Antoine Coypel. Not only the closeness of individual motifs of painting of the French academician and the founder of Russian historical painting is noted, but also the facts of Losenko’s biography and the evolution of the artistic development of the epoch are considered.
Для цитирования:
Пожарова М.А. Европейские гравированные оригиналы в творчестве А.П. Лосенко // Academia. 2020. № 3. С. 341–349. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-3-1-341-349
Ключевые слова
Античность – Ренессанс – Классицизм: связь времен и «связка группов» в рисунке М. И. Козловского «Российская баня» (1778)
Аннотация
Статья посвящена способам цитирования визуальных образов в эпоху риторической культуры, которая простиралась от Античности по XVIII век включительно. В качестве наглядного примера подобного цитирования выбран рисунок М. И. Козловского, который стал его значительным достижением в ходе изучения в Риме художественного наследия древности и Ренессанса. Для выявления конкретных прообразов, которые мог цитировать в своей работе пенсионер Академии художеств, применен метод иконографического анализа отдельных фигур и групп его рисунка в контексте сохранившихся документов: рапортов и, особенно, римского журнала Козловского, направленного им в качестве отчета в Академию, в тесной связи с упоминаемыми и характеризуемыми им в этих текстах произведениями искусства. Анализ позволил впервые обнаружить в «Российской бане» образы, опирающиеся на искусство Рафаэля и его ученика Джулио Романо. Также впервые в исследовании творчества Козловского использован иконологический метод, основой которого стал взгляд на его рисунок сквозь текст И.Ф. Урванова «Краткое руководство к познанию рисования и живописи исторического рода…», что позволило найти современное выпускнику Академии художеств XVIII века теоретическое обоснование его приемов ассимиляции классических образов прошлого. На примере одной из групп в рисунке Козловского, прообраз которой (как и его вероятный источник в античном искусстве) впервые обнаружен автором статьи на ватиканской фреске «Битва Константина», рассмотрена такая весьма важная фигура визуальной риторики, как контрапост (антитезис в вербальных искусствах).
Abstract
The article is devoted to the methods of citing visual images in the rhetorical culture era, which extended from Antiquity to the 18th century inclusive. The drawing by Mikhail Kozlovsky that became his significant achievement in the course of studying the artistic heritage of Antiquity and the Renaissance in Rome was chosen as a case study to achieve this goal. In order to identify prototypes that one of the best students of the Fine Arts Academy could cite in his work the method of iconographic analysis of particular figures and groups of his drawing was applied in the context of preserved documents: reports sent by him to the Academy and, especially, Kozlovsky’s journal of art works that he had seen in Rome. This iconography is considered in close connection with the works of art mentioned and characterized by him in these texts. The analysis allowed us to discover first in the drawing Russian baths images based on the art of Raphael and his pupil Giulio Romano. For the first time in the study of Kozlovsky’s work is also used the iconological method based on the analysis of his drawing through the text of A Brief Guide to the Knowledge of Drawing and Painting of Historical Kind… by his contemporary Ivan Urvanov that allowed to find a theoretical justification of assimilation of the classic images by the graduate of the Fine Arts Academy of the 18th century. The author of the article discovered prototype of one of the groups of Kozlovsky’s drawing in the Vatican fresco Battle of Constantine. On the example of this group (as well as its ancient probable source) he considered a very important figure of visual rhetoric such as the contrapposto (antithesis in verbal art).
Для цитирования:
Сечин А.Г. Античность – Ренессанс – Классицизм: связь времен и «связка группов» в рисунке М.И. Козловского «Российская баня» (1778) // Academia. 2020. № 3. С. 299–322. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-3-1-299-322
“Манера видеть и мыслить”: образцы Жозефа-Мари Вьена (1717–1809)
Аннотация
Статья посвящена педагогической практике и системе взглядов Ж.-М. Вьена, профессора французской Королевской Академии живописи и скульптуры и парижского наставника пенсионеров Императорской Академии художеств. На протяжении многих лет мастер стремился прививать своим ученикам индивидуальную манеру «видеть и мыслить», основывавшуюся, прежде всего, на постоянной работе с натуры. Внимательное изучение работ античных и Старых мастеров (вторая обязательная составляющая образовательного процесса) должно было, по его мнению, служить взращиванию творческой самостоятельности таланта. В статье предпринята попытка проанализировать, что именно вкладывалось Вьеном в понятие «образца»: произведения искусства, заслуживавшие первоочередного внимания; творцы, заложившие основные принципы воспитания художника. Верность своим взглядам послужила основой педагогического долголетия мастера, еще при жизни признанного «образцовым» наставником и «возродителем» французской школы живописи.
Abstract
This article is dedicated to the pedagogic practice and principles of J.-M Vien, a professor of the French Royal Academy of Painting and Sculpture, and the Parisian mentor of the stipendiats of the St. Petersburg Imperial Academy of Arts. Over the course of many years the artist strove to ingrain in his pupils a singular manner of seeing and thinking, based on incessant studies from nature. A thorough examination of classical and Old Masters’ artistic heritage – another essential part of the educational process – was called upon to develop a creative independence of talents. The author presents here an attempt to analyse what exactly Vien believed to be “exemplary”: works of art deserving of primary attention; the creators who charted out the fundamentals of the artistic upbringing. Staying true to his “principes positifs” led to Vien’s tutorial longevity and gained him, in his lifetime, the reputation of an “exemplary” teacher and the “reviver” of the French School of painting.
Для цитирования:
Марисина И.М. “Манера видеть и мыслить”: образцы Жозефа-Мари Вьена (1717–1809) // Academia. 2020. № 3. С. 352-369. DOI 10.37953/2079-0341-2020-3-1-352-369
Выставочные проекты творческих мастерских Российской академии художеств (Москва) 2015-2019
Аннотация
Художественные образы создают творцы – живописцы, скульпторы, архитекторы, декораторы… Их произведения влияют на эстетические и этические нормы, формируют историческую память человека, воспитывают категории сознания, которые объединяют нас как членов гражданского коллектива. Если художников лишить творческой производственной базы, разорвать звенья единой системы профессиональной подготовки, общество постепенно утратит параметры своей идентичности и родные художественные образы заменят чужие. Необходимость сохранения за Российской академией художеств целостной системы подготовки профессиональных художников наглядно подтверждает наш альбом.
Abstract
Artistic images are created by creator – painters, sculptors, architects, decorators… Their works influence aesthetic and ethical norms, form a person`s historical memory, educate categories of consciousness that unite us as members of a civil society. If artists are deprived of their creative production base, if the links of the unified system of professional training are broken, society will gradually lose the parameters of its identity and native artistic images will replace those of others. The need for the Russian Academy of Arts to preserve an integral system of training professional artists clearly confirms by our album.
Для цитирования:
Трошин А.А. Выставочные проекты творческих мастерских Российской академии художеств (Москва) 2015-2019 // Academia. 2020. № 3. С. 350–351. DOI 10.37953/2079-0341-2020-3-1-350-351
Большой театр фотографа Косорукова. Выставка „Глеб Косоруков. Занавес“ в Музее Москвы
Аннотация
Обзор выставки фотографа Глеба Косорукова в Музее Москвы, подчеркнута актуализация фотографических практик в музейной деятельности, приведены исторические параллели и выявлено новаторство фотографического проекта Косорукова.
Abstract
Review on the exhibition of photographer Gleb Kosorukov in the Museum of Moscow treats the importance of updating the photographic practices within the museums. The review includes the historical parallels for Kosorukov’s work and underlines the innovation of his photographic project.
Для цитирования:
Чмырева И.Ю. Большой театр фотографа Косорукова. Выставка “Глеб Косоруков. Занавес” в Музее Москвы // Academia. 2020. № 3. C. 399-403. DOI: 10.37953-2079-0341-2020-3-1-399-403
Михаил Гаврилович Бирюков. Неизвестный портрет Светлейшего Князя Григория Александровича Потемкина-Таврического. 1789
Аннотация
В статье рассматривается портрет Светлейшего Князя Г.А. Потемкина, недавно обнаруженный профессором Ю.Ш. Абрамовым (Санкт-Петербург) и находящийся в его собрании. Портрет имеет надпись: «Копировалъ ученикъ 5-го возраста М. Бирюковъ. 1789 го Году». Михаил Гаврилович Бирюков (1 сентября 1770 – 12 июля 1809) – воспитанник Академии с 1776 года, ученик С.С. Щукина. В 1791 году вместе с Н.А. Синявским писал программу «представить в российском костюме женщину в упражнении пристойном ее полу» (не сохранилась). В том же году оставлен при Академии в качестве пенсионера. Дальнейшая судьба его неизвестна. В статье предпринята попытка определения автора оригинала, копированного М.Г. Бирюковым, которым, по-видимому, является живописец Г.А. Потемкина Михаил Шибанов.
Abstract
This article examines a portrait of Prince Grigorii Aleksandrovitch Potemkin, recently discovered by professor Yuri Schmavonovich Abramov (Saint Petersburg) and currently kept in his collection. The portrait bears a signature: “Copied by a 5th stage (5th “vozrast”) student M. Biriukov, in the year 1789”. Michael Gavrilovitch Biriukov (September 1st 1770 – July 12th 1809) studied at St. Petersburg Academy of Arts from 1776, under tuition of S.S. Shchukin. In 1791 he completed, together with a co-student N.A. Siniavski, an academic programme on the following subject: “present a female in Russian dress in the occupation suitable to her sex” (now lost). In the same year he was chosen to stay on at the Academy as a stipendiat (“pensionnaire”). His later life remains unknown. In an attempt to identify the author of the original, copied by Biriukov, this text suggests Michael Shibanov, the painter to Grigorii Potemkin, as a most likely candidate.
Для цитирования:
Моисеева С.В. Михаил Гаврилович Бирюков. Портрет Светлейшего Князя Григория Александровича Потемкина-Таврического. Россия. 1789 // Academia. 2020. № 3. С. 370-381. DOI 10.37953/2079-0341-2020-3-1-370-381
Монументальная живопись Успенского собора Кирилло-Белозерского монастыря. Общий обзор памятника и открытия реставраторов 2013–2015 годов
Аннотация
Настоящая статья посвящена малоизученному живописному ансамблю, созданному в XVII веке ведущими мастерами своего времени – стенописи Успенского собора Кирилло-Белозерского монастыря. Ансамбль состоит из двух основных частей – стенопись четверика (1641, автор Любим Агеев «со товарищи») и роспись галерей собора (1650–1651, авторы Иван Тимофеев, Севастьян Дмитриев и Иосиф Владимиров «со товарищи»). В статье содержится общий обзор данного ансамбля, с приведением историографических сведений. Предлагается краткая история поновлений и реставрационных вмешательств, которая известна благодаря литературе и архивным источникам. Приводится описание фреско-темперной живописи 1641 года в алтаре Успенского собора, которая была раскрыта от записи 1838 года в ходе консервационно-реставрационных работ 2013–2015 годов художниками-реставраторами бригады В.Д. Сарабьянова.
Abstract
This article is dedicated to the insufficiently explored wall painting ensemble created by leading masters of the 17th century: – murals of the Dormition Cathedral of the Kirillo-Belozersky Monastery. The ensemble consists of the murals of the main volume of the structure painted by Lyubim Ageev “with comrades” in 1641 and the cathedral galleries paintings dating from 1650 to 1651 painted by Ivan Timofeev, Sevastyan Dmitriev and Joseph Vladimirov “with comrades”. The first part of the article contains a general overview of this ensemble, with the historiographic information provided. There is a list of renovation and restoration works based on literature and archival data. The second part of the article contains a description of the fresco and tempera painting of 1641 in the altar of the Dormition Cathedral, which was uncovered from renovation of 1838 during the conservation and restoration work of 2013–2015 by restorers headed by V.D. Sarabyanov.
Для цитирования:
Тычинская П.А. Монументальная живопись Успенского собора Кирилло-Белозерского монастыря. Общий обзор памятника и открытия реставраторов 2013–2015 годов // Academia. 2020. № 3. С. 382–395. DOI 10.37953/2079-0341-2020-3-1-382-395
От стажера к мастеру. Выставочные проекты творческих мастерских РАХ
Аннотация
Рецензия на альбом «Выставочные проекты творческих мастерских. Российской академии художеств (Москва)». 2015-2019. М., 2020. Издание, подготовленное руководителем направления Александром Трошиным, в качестве отчета о проделанной работе.
Abstract
Album review “Exhibition projects of creative workshops of the Russian Academy of Arts (Moscow) 2015–2019”, Moscow, 2020. The publication prepared by the Head of the Department – Alexander Troshin, as a report on the work done.
Для цитирования:
Толстая Н.В. От стажера к мастеру. Выставочные проекты творческих мастерских РАХ // Academia. 2020. № 3. C. 396–398. DOI: 10.37953-2079-0341-2020-3-1-396-398
В традициях Серебряного века. Памяти Ольги Костиной (1947 – 2020)
Аннотация
Статья-воспоминание об искусствоведе Ольге Владимировне Костиной, благодаря подвижническому труду которой на протяжении трех последних десятилетий выходили в свет профессиональные периодические издания – журналы «Русская галерея», «Русское искусство», «Искусствознание», альманах «Панорама искусств».
Abstract
The article is dedicated to the memory of art historian Olga Kostina. In the course of the past three decades professional periodicals “Russian Gallery”, “Russian Art”, “Art Studies Magazine”, almanac “Panorama of Arts” have been published thanks to her valiant work and selfless attitude.
Для цитирования:
Толстая Н.В. В традициях Серебряного века. Памяти Ольги Владимировны Костиной (1947–2020) // Academia. 2020. № 3. C. 404–407. DOI: 10.37953-2079-0341-2020-3-1-404-407
2020 / 2
Князь Борис Николаевич Юсупов (1794–1849) и Иван Петрович Витали (1794–1855). Заказчик и скульптор. Новые материалы (по документам РГАДА)
Аннотация
Статья посвящена московскому периоду творчества скульптора Ивана Петровича Витали и его работам, выполненным по заказам князя Бориса Николаевича Юсупова. На основе впервые публикуемых архивных материалов реконструируется история создания в 1831–1833 годах надгробного памятника и посмертных скульптурных портретов его отца, князя Николая Борисовича Юсупова. Дается интерпретация созданного скульптором портретного образа и прослеживается его влияние на работы других художников.
Abstract
The article is devoted to the Moscow period of creative life of the sculptor Ivan Petrovich Vitali and his works commissioned by Prince Boris Nikolaevich Yusupov. The tombstone and posthumous sculpture images of commissioner’s father, Prince Nikolay Borisovich Yusupov, were created in 1831–1833 and its history has been reconstructed on the basis of unpublished archival materials. Apart from that the paper interprets the portrait image created by the sculptor, and traces its influence on works of other artists.
Для цитирования:
Савинская Л.Ю. Князь Борис Николаевич Юсупов (1794–1849) и Иван Петрович Витали (1794–1855). Заказчик и скульптор. Новые материалы (по документам РГАДА) // Academia. 2020. № 2. С. 257–267. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-2-1-257-267
Образ Мартина Лютера и мифотворчество в немецком искусстве Нового времени (на основе собрания керамики Саратовского государственного художественного музея имени А.Н. Радищева)
Аннотация
Статья посвящена образу Лютера как объекту мифотворчества Германии XIX века и отражению этого мифа в искусстве. Автор рассматривает керамический пивной кувшин из собрания Радищевского музея в Саратове. На кувшине, изображающем сцену застолья и музицирования, идентифицирован Мартин Лютер. Присутствие отца Церкви отражает историческую ситуацию в Германии, влиявшую на сюжеты произведений керамики. Весь XIX век проходит под знаменем «национальной идеи». В этом столетии образ Лютера ложится в основу национального мифа, необходимого для развития и процветания идеи объединения Германии. Лютер – олицетворение национальной идеи (как создатель литературного языка и национальной религии) и буржуазного канона ценностей (классовых и семейных).
Abstract
The article considers the Martin Luther image as an object of the myth-making in Germany of the 19th century and its reflection in the art. The main focus of the article is the stoneware beer jug depicting the scene of the feast and the music-making. The author identified Luther person among the participants of the feast. The presence of Father of the Church Luther in the scene on the beer jug is explained by the historical situation in Germany. The 19th-century passes in Germany under the banner of the national idea. The author proves that in the 19th century Luther became the national myth. The unification of Germany was the necessary basis for the development and prosperity of the bourgeoisie, because the bourgeoisie needed this myth first of all. For the population Luther was the personification of the national idea (as the creator of the literary language and the national religion).
Для цитирования:
Савицкая Т.Е. Образ Мартина Лютера и мифотворчество в немецком искусстве Нового времени (на основе собрания керамики Саратовского государственного художественного музея имени А.Н. Радищева) // Academia. 2020. № 2. С. 239–247. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-2-1-239-247
К вопросу о реалиях Константинополя в византийской иконографии Акафиста Богоматери
Аннотация
Исторические и топографические реалии Константинополя, его многочисленных осад со стороны Золотого Рога, а также литий и чтимых икон Девы Марии влияли на иконографию Акафиста Богоматери. В связи с воспроизведением константинопольских реалий, которые вторгаются в контекст богородичного гимна и его иконографической интерпретации, место действия некоторых эпизодов повествования словно перемещается со Святой земли в столицу Византийской империи. Однако если лития с иконами и осада византийской столицы в иконографии Акафиста сравнительно хорошо изучены в научной литературе, то об отражении в ней архитектуры и топографии Влахернского святилища известно гораздо меньше. Этой теме и посвящена наша статья. Во многих иконографических циклах Акафиста Богоматери (в монументальных росписях, иконах и рукописях) архитектурные фоны, возможно, соотносятся с комплексом Влахернского святилища и крепостными сооружениями Константинополя. Целый ряд средневековых рукописей и икон содержит изображения Влахернских церквей разной меры достоверности. Исследователи также предлагали современные реконструкции Влахернского святилища на основании средневековых изображений и письменных источников. Эти материалы помогают нашему иконографическому анализу.
Abstract
The historical and topographical realities of Constantinople, its numerous sieges from the Golden Horn, as well as religious processions and venerated icons of the Virgin influenced the iconography of the Akathistos Hymn to the Holy Theotokos. The local of some narrative episodes as if moves from the Holy Land to the capital of the Byzantine Empire in relation with the reproduction of the realities of Constantinople, which invade the context of the Hymn to the Holy Theotokos and its iconographic interpretation. However, if processions with icons and the sieges of the Byzantine capital in the iconography of Akathistos are relatively well investigated in the scientific literature, then the reflection of the architecture and topography of the Blachernae shrine is known far less. Our article is devoted just to this topic. In many iconographic cycles of the Akathistos to the Holy Theotokos (in monumental paintings, icons and manuscripts) architectural backgrounds may correlate with the complex of the Blachernae shrine and the fortifications of Constantinople. The whole series of medieval manuscripts and icons contains images of the Blachernae churches of various degrees of authenticity. Researchers also proposed modern reconstructions of the Blachernae shrine based on medieval images and written sources. These materials help our iconographic analysis.
Для цитирования:
Этингоф О.Е. К вопросу о реалиях Константинополя в византийской иконографии Акафиста Богоматери // Academia. 2020. № 2. С. 175–182. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-2-1-175-182
Ключевые слова
Британский модернизм и образы Первой мировой войны
Аннотация
Статья посвящена проблеме модернистского восприятия механизированной войны и тому как молодые британские художники адаптировали новейшие формы и концепции в произведениях военного времени. Первая Мировая война не была похожа на предыдущие военные столкновения. Возросшая роль техники в военных действиях усиливала впечатление имперсональности войны, солдат воспринимали как малую часть большой машины, уносящей миллионы жизней. Британские модернисты, столкнувшиеся с военной реальностью, искали иные художественные возможности, чтобы передать «машинный» характер войны, уносящей жизни, взрывающей землю, сминающей технику. Художники понимали, что время картин в духе героического реализма и аллегорий прошло; война, идущая с участием большого количества техники, требовала иных средств отображения – ломаных линий и геометричных форм, контрастных цветов.
Abstract
The article is devoted to the problem of modernist perception of the situation of mechanized war, as young British artists adapted the latest forms and concepts in wartime works. The First World War was not like previous military clashes. The increased role of technology in the process of hostilities created the impression of the impersonality of the war, the soldiers were perceived as a part of a large machine that claimed millions of lives. British modernists, faced with a new military reality, were looking for suitable possibilities of modernist art in order to convey the broken, like geometric abstraction, “machine” character of war, taking away lifes, blowing up the earth, crushing equipment and airplanes. Artists understood that the time heroic realism and allegories has passed; the war, deprived of a human face, going on with the participation of a large number of equipment, required other means of artistic display – broken lines and geometric shapes, contrasting colors.
Для цитирования:
Игумнова Е.В. Британский модернизм и образы Первой мировой войны // Academia. 2020. № 2. С. 277–284. DOI: 10.37953-2079-0341-2020-2-1-277-284
Пейзаж в восприятии Петрарки: от средневековых связей к новой картине мира
Аннотация
В статье рассмотрены представления Петрарки о пейзаже, который он понимал широко и в разных аспектах, непосредственно приближаясь к его гуманистическому пониманию. С одной стороны, ландшафт мыслился поэтом как культурная среда обитания, с другой, – связывался с очень искренними и личными переживаниями, осознанием природного пространства как необходимого для творчества и раскрытия лирических чувств индивидуума. В этом качестве пейзаж в восприятии Петрарки тесно соприкасался с садом, или пейзажем культивированным, идеальным, в сложении ренессансной концепции которого поэту принадлежит важная роль.
Abstract
The article discusses Petrarch’s ideas about the landscape, which he imagined in wide and diverse aspects, approaching directly to humanist concepts. On the one hand, the landscape was perceived by the poet as a cultural habitat, on the other hand, it was associated with intimate experience, awareness of natural space as necessary for creativity and disclosure of the lyrical features of an individual. Petrarch’s understanding of the landscape came into close contact with the garden, or the landscape cultivated, ideal; in addition he made available contribution to the forming of the Renaissance garden conception.
Для цитирования:
Козлова С.И. Пейзаж в восприятии Петрарки: от средневековых связей к новой картине мира // Academia. 2020. № 2. С. 194–209. DOI: 10.37953-2079-0341-2020-2-1-194-209
В тени черного тюрбана: cемиотические трансформации одного цветочного изобразительного мотива в голландском искусстве XVII века
Аннотация
Статья посвящена изучению цветочного натюрморта в голландской живописи XVII века и уточнению места, роли и значения изображения тюльпана. Автор уделяет внимание также истории бытования тюльпана в Европе, его месту в голландской экономике и системе культурных и эстетических ценностей. Рассматривается ряд работ – от ботанических зарисовок и «портретных» изображений цветка до изображений букетов, а также мифологические и аллегорические картины, более полное понимание которых становится возможным благодаря смысловым аспектам, вносимым в картину изображением роскошного «тюрбана».
Abstract
This article deals with the investigation of floral still-life in 17th-century Dutch painting and the special meaning of tulips in such works. The author points out the problem of the unique position of this flower in the every-day life and its place in the Dutch economy and the system of cultural and aesthetic values. The paper investigates botanical drawings of flowers as well as flower still-lifes and history paintings, which could be interpreted profoundly when one takes into account the meaning of tulip.
Для цитирования:
Королева А.Ю. В тени черного тюрбана: cемиотические трансформации одного цветочного изобразительного мотива в голландском искусстве XVII века // Academia. 2020. № 2. С. 229–238. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-2-1-229-238