2021 / 1
Метаморфозы Овидия в русских иллюстрациях 1790-х годов: поиск европейских аналогов
Аннотация
Рассматривается проблема влияния европейской гравюры на русскую книжную иллюстрацию XVIII века. Объектом предстают европейские гравюры, гравюры и рисунки для изданий «Метаморфоз» Овидия XVIII века. Прототипами иллюстраций русского издания Овидия 1794–1795 годов являются гравюры из аналогичного голландского издания 1732 года на французском языке. Приводятся результаты сопоставления ряда эскизов рукописи «Овидиевы превращения в лицах» на русском языке 1796 года с гравюрами французского издания «Метаморфоз» 1767–1771 годов. Методом сравнения гравюра голландского издания 1732 года определена как образец, взятый одним из воспитанников Академии художеств для учебного рисунка. Проанализированы приемы копирования и трансформации европейских гравюр. Автор доказывает, что интерпретации европейских образцов русскими граверами и рисовальщиками академической школы отличались творческим характером.
Abstract
The paper shows the influence of the European engravings on the Russian book illustrations. The object of the study are European and Russian 18th-century illustrations for Ovid’s Metamorphoses. As a result of the comparison, prototypes of illustrations for the Russian edition of Ovid of 1794–1795 were identified as engravings from a similar Dutch edition of 1732. The results of a comparison of a number of sketches of the Russian manuscript “Ovid Metamorphoses with Illustrations” of 1796 and the engravings of the French edition of “Metamorphoses” of 1767–1771 are given. The methods of copying and transformation of European prints are analyzed. The author proves creative nature of the interpretation of European samples by Russian engravers and draftsmen of the academic school.
Для цитирования:
Борщ Е.В. Метаморфозы Овидия в русских иллюстрациях 1790-х годов: поиск европейских аналогов // Academia. 2021. № 1. C. 32–40. DOI: 10.37953-2079-0341-2021-1-1-32-40
Императрица Елизавета Петровна в творчестве Александра Бенуа: образы и источники
Аннотация
В статье рассмотрен вопрос о генезисе образа императрицы Елизаветы Петровны в восприятии и искусстве Александра Бенуа. Автор применил комплексный метод исследования, объединивший источниковедческий анализ воспоминаний и работ Бенуа по истории искусства, традиционный формальный анализ его произведений и данные историографии времени царствования Елизаветы Петровны. Установлено, что Бенуа обращался к официальным портретам кисти Луи Каравака, а также к работе Г.К. Гроота.
Рассмотрены взгляды А. Бенуа на деятельность Ф.Б. Растрелли. Установлено влияние образа Конфетенхаузена из новеллы Э.Т.А. Гофмана «Щелкунчик и мышиный король» на интерпретацию образа Янтарной комнаты в статье Бенуа «Деталь Янтарной комнаты в Большом Царскосельском дворце».
Abstract
The article considers the question of the genesis of the image of Empress Elizabeth Petrovna in the perception and art of Alexander Benois. The author used a complex method which combined the source analysis of artist’s works and memoires, his articles on the history of architecture, and traditional formal analysis of his works and data of historiography of the reign of Elizabeth Petrovna. It was found out the official portraits of Louis Caravaque and portrait of G.C. Grooth influenced the image of Elizabeth in Benois works. Benois views on the work of F.B. Rastrelli whose work he considered the embodiment of the reign of Empress Elizabeth Petrovna.
Для цитирования:
Завьялова А.Е. Императрица Елизавета Петровна в творчестве Александра Бенуа: образы и источники // Academia. 2021. № 1. C. 72–82. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-1-1-72-82
Российская модель европейского Castrum doloris. Особенности убранства императорских Печальных залов в России XVIII века
Аннотация
В статье впервые рассматриваются основные принципы художественного оформления Castrum doloris (Печальных залов) российских монархов в XVIII столетии. Исходя из специфики объекта исследования, автор применяет комплексный метод, в основе которого лежит научная реконструкция некогда грандиозных траурных ансамблей. При подготовке к погребению Петра I была выработана определенная модель печального убранства, восходившая к европейским образцам и сохранявшаяся в России на протяжении всего XVIII века. Художественное решение траурных ансамблей подчинялось общим законам, характерным для церемониальной культуры Нового времени, и отвечало стилевому развитию искусства. В статье вводятся новые материалы, уточняются вопросы терминологии.
Abstract
This article discusses the main decorative principles of Castrum doloris for the Russian emperors in the 18th century. The author applies a complex method, which is based on the academic reconstruction of the once-grandiose mourning ensembles. In preparation for the burial of Peter the Great, a certain model of funeral decoration was created and was preserved in Russia throughout the 18th century. The design of mourning ensembles followed the general laws of the ceremonial culture of that period, and corresponded to the stylistic development of art. The article introduces new materials and factual data, and clarifies certain issues of terminology.
Для цитирования:
Тюхменева Е.А. Российская модель европейского Castrum doloris. Особенности убранства императорских Печальных залов в России XVIII века // Academia. 2021. № 1. C. 41–54. DOI: 10.37953-2079-0341-2021-1-1-41-54
Пейзажи Шарля Франсуа Гренье де Лакруа и ученики ландшафтного класса Императорской Академии художеств. От копии к оригиналу
Аннотация
Статья посвящена роли копий и пастишей в пейзажном жанре во второй половине XVIII века. Типологические и стилистические свойства копийных произведений, исполненных учениками класса ландшафтной живописи Императорской Академии художеств, позволяют выявить ряд оригиналов, выступавших для них образцами, и проанализировать степень и особенности их взаимодействия. Особое внимание уделено ученическим работам А.Е. Мартынова. Высказываются предположения об их возможных источниках, среди которых наиболее вероятными являются произведения Шарля Франсуа де Лакруа, в свою очередь, исполнявшего виды в духе Жозефа Верне и Сальватора Розы.
Abstract
The article is devoted to the role of copies and pastiche in the landscape genre in the second half of the 18th century. Typological and stylistic properties of replicas performed by landscape painting class students of the Imperial Academy of Arts allow us to identify a number of originals that served as samples for them and analyze the degree and characteristics of their interaction. Special attention is paid to the student works of A. Martynov. Assumptions are made about their possible sources, among which the most probable are the works of Charles François de Lacroix, who in his turn painted his views in the spirit of Joseph Vernet and Salvator Rosa.
Для цитирования:
Усачева С.В. Пейзажи Шарля Франсуа Гренье де Лакруа и ученики ландшафтного класса Императорской Академии художеств. От копии к оригиналу // Academia. 2021. № 1. С. 92–99. DOI 10.37953/2079-0341-2021-1-1-92-99
Наши учителя
Аннотация
Статья посвящена творческому наследию историков искусства О.С. Евангуловой (1933–2016) и И.В. Рязанцева (1932–2014), оценке значимости их вклада в изучение художественных процессов русского искусства XVIII– начала XIX веков и развитию отечественной искусствоведческой школы по изучению русского искусства XVIII века.
Abstract
The article is devoted to creative heritage of art historians O.S. Evangulova (1933-2016) and I.V. Ryazantsev (1932-2014), assessment of the significance of their contribution to the study of the artistic processes of Russian art of the XVIII – early XIX centuries and the development of the Russian art school for the study of Russian art of the XVIII century.
Для цитирования:
Карев А.А. Наши учителя // Academia. 2021. № 1. С. 7–10. DOI: 10.37953/2079-0341-2021-1-1-7-10
Свое чужое. Особенности цитирования в русском изобразительном искусстве XVIII века
Аннотация
При обращении к проблеме цитирования в изобразительном искусстве XVIII века неизменно возникает вопрос о взаимодействии в авторской лексике «своего» и «чужого». В России традиция уважительного отношения к образцу отразилась в характере цитирования как составной части стратегии подражания природе. Во-первых, те художества, которые, как гравюра, вынуждены были использовать образцы, обрели право на самостоятельность. Во-вторых, использование образца часто демонстрировало присоединение к самым востребованным идеям, воплощенным авторитетными мастерами разных эпох. Выбор конкретного ориентира порой приводил к «говорящей» прономинации, поднимавшей престиж автора и национальной художественной школы и к тому же, означавшей превращение «чужого» в «свое» как необходимой части единого творческого процесса.
Abstract
Referring to the problem of “citation” in fine arts of the 18th century, the discussion invariably arises about author’s originality and imitation. In Russia, a tradition of respect for the model is reflected in the nature of “citation” as part of the imitating of nature. First, fine arts, like engraving, have to use models, and so acquired the right to independence. Second, artists using models often demonstrated joining the most requested ideas embodied by reputable masters of various epochs. At times it leads to some kind of paraphrasis to a significant pronomination, which enhanced the prestige of an author and national art school. In addition, it was a symptom of the metamorphosis of the “borrowed” into one’s “own” as a necessary part of a creative process.
Для цитирования:
Евангулова О.С., Карев А.А. Своё чужое. Особенности цитирования в русском изобразительном искусстве XVIII века // Academia. 2021. № 1. C. 11–22. DOI: 10.37953-2079-0341-2021-1-1-11-22
Ключевые слова
XVIII столетие в русском золото-серебряном искусстве второй половины XIX – начала ХХ века: от неприятия к признанию
Аннотация
Статья посвящена влиянию искусства XVIII столетия на творчество русских ювелирных фирм второй половины XIX – начала ХХ века. В период господства национального стиля обращение к XVIII столетию представляет особый интерес, поскольку искусство этой эпохи в восприятии потомков прошло путь от полного неприятия до признания художественной самобытности, и как следствие – «национальности». Последнее повлекло за собой использование памятников культуры XVIII века в качестве прототипов при создании золото-серебряных изделий более позднего времени. Рассматриваются как произведения русских ювелирных предприятий, так и документальные свидетельства, демонстрирующие отношение современников к художественной культуре ушедшего столетия.
Abstract
This article shows the influence of the XVIII century art on the creativity of Russian jewellery firms in the second half of XIX – early XX centuries. During the period of national style domination, the revision to XVIII century is especially interesting. The art of this era in the perception of descendants became from complete rejection in the eyes of posterity to a total recognition of its originality, artistic individuality, and as a result nationality. The using of cultural assets of 18th century as prototypes of gold and silver products created in late XIX - early XX centuries because of nationality. The author analyses both: the works of Russian jewellery firms and documentary evidence demonstrated the attitude of contemporaries to an art culture of the XVIII century.
Для цитирования:
Юдин М.О. XVIII столетие в русском золото-серебряном искусстве второй половины XIX – начала ХХ века: от неприятия к признанию // Academia. 2021. № 1. C. 83–91. DOI: 10.37953-2079-0341-2021-1-1-83-91
Борис Иогансон. Московский союз художников. Взгляд из XXI века
Аннотация
В рецензии на книгу Б.И. Иогансона рассматриваются авторская постановка вопроса, специфика изложения художественной ситуации в СССР (1932 – 1962), условия учреждения и бытования советских художественных творческих организаций (в частности, МОСХа) в первые три десятилетия советской власти.
Abstract
Review of the book by B.I. Ioganson examines the author's statement of question, the specifics of presentation of artistic situation in the USSR (1932-1962), conditions for the establishment and existence of Soviet artistic creative organizations (MOSH) in the first three decades of Soviet power.
Для цитирования:
Якимович А.К. Борис Иогансон. Московский союз художников. Взгляд из XXI века // Academia. 2021. № 1. C. 100–104. DOI: 10.37953-2079-0341-2021-1-1-100-104
2020 / 4
“Классическое” наследие в византийском и домонгольском искусстве конца XI – раннего XII вв.
Аннотация
Древнерусское искусство в целом было ориентировано на монашескую культуру Византии, и это стало отчетливо ясно в XII в. На ранних этапах развития домонгольской культуры в княжеской среде от Византии усваивалось придворное искусство, полное «классических» реминисценций. Новые находки фресковых фрагментов церкви Благовещения на Городище и Георгиевского собора Юрьева монастыря в Новгороде, наглядно демонстрируют, что аристократические традиции, с элементами «классики», проникали на Русь в период правления рода Мономаховичей. Эти традиции распространились за пределы Киева и Южной Руси и проявились в памятниках Новгорода. Они были живы не только в XI в., но и на протяжении всей первой трети XII в. Такая ситуация вполне соответствовала и сохранению практики княжеского заказа.
Abstract
Old Russian art as a whole was oriented towards the monastic culture of the Byzantine Empire, and this became distinctly clear in the 12th century. The princely community at the early stages of the development of pre-Mongol culture assimilated from Byzantium the court art full of "classical" reminiscences. New finds of fresco fragments of the Church of the Annunciation on Hillfort and the St. George Cathedral of the Yuriev monastery in Novgorod clearly demonstrate that aristocratic traditions, with elements of the “classics” penetrated into Russia during the reign of the House of Monomakh. These traditions spread beyond the boundaries of the Kiev land and Southern Russia and manifested themselves in the monuments of Novgorod. They were alive not only in the 11th century, but throughout the entire first third of the 12th century. This situation was quite consistent with the preservation of the practice of the princely order.
Для цитирования:
Этингоф О.Е. “Классическое” наследие в византийском и домонгольском искусстве конца XI – раннего XII вв. // Academia. 2020. № 4. С. 421–440. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-4-1-421-440
Ключевые слова
Классическая линия в итальянском пейзаже Ренессанса
Аннотация
В статье, вошедшей в тематическое целое «Классика в развитии», внимание сосредоточено на классической линии в итальянском пейзаже Ренессанса. В своей основе ее воплощает буколический пейзаж. Автор очерчивает схему соотношений античной буколики и ренессансной пасторали, анализируя развитие жанра от изначальной модели к его новым, усложненным формам. Прослеживается характерная для Возрождения трактовка пасторали в ее многомерности, насыщенности акцентами буколическими, литературно-мифологическими, религиозными, философскими. Это позволяет заключить, что мотив аркадийского пространства обретает в живописи Возрождения глубинную содержательность, становясь, по сути, основой для «выстраивания» пейзажа мифологического, библейского, аллегорического.
Abstract
The article, entitled «The Classical Tradition in its Development», included into the present collection research, pays special attention to classical line in landscape of Italian Renaissance, with its Bucolic matter being the essence of it. The author outlines the scheme of ancient Bucolic, correlates it with the analysis of the vision of the Renaissance Pastoral, which is here depicted in development from initial model of the Pastoral to its new, complicated one. The author traces back the traditional interpretation of the Renaissance conception of the Pastoral in its multidimensional nature, and also, in its saturation with Bucolic, literary-mythological, philosophical meanings. This perspective allows concluding that the motif of the Pastoral landscape acquires deep substantive content in Renaissance paintings, thus becoming the constructing basis for other types of landscapes – mythological, biblical, allegorical among them.
Для цитирования:
Козлова С.И. Классическая линия в итальянском пейзаже Ренессанса // Academia. 2020. № 4. С. 488-499. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-4-1-488-499
Античные мотивы в расписанных Пинтуриккио римских капеллах
Аннотация
В статье прослежена эволюция античных мотивов в римских капеллах, расписанных Пинтуриккио и его мастерской. Впервые отмечено смысловое значение гротеска в программе росписи этих религиозных ансамблей, большая часть которых так или иначе связана с античной историей. Продемонстрировано, как в использовании античных приемов и персонажей воплощается идея триумфа христианства над языческим прошлым. Показана роль Пинтуриккио – опытного и талантливого художника, виртуозно писавшего фрески, – в изобретательном и остроумном продумывании программы росписи и умелой и рациональной организации хода работ. Проанализированы богатые возможности имитации различных техник (восходящие к иллюзионистической живописи Древнего Рима). Достигаемый благодаря их органичному использованию синтез искусств производит мощное эстетическое впечатление и оказывает сильное эмоциональное и религиозное воздействие на посетителя капеллы.
Abstract
The article traces the evolution of ancient motifs in the Roman chapels painted by Pinturicchio and his workshop. For the first time, the symbolic significance of the grotesque is noted in the program of painting in these religious ensembles, most of which are somehow connected with an ancient history. It is shown how the use of antique techniques and characters embodies the idea of the triumph of Christianity over the pagan past. The role of Pinturicchio – an experienced and talented artist who masterfully painted frescoes – in inventive and witty thinking of the program of painting and skillful and rational organization of the work course is shown. The rich possibilities of imitating of various techniques (dating back to the illusionistic painting of Ancient Rome) are analyzed. The synthesis of art achieved through their organic use makes a powerful aesthetic impression and has a strong emotional and religious impact on the chapel visitor.
Для цитирования:
Тараканова Е.И. Античные мотивы в расписанных Пинтуриккио римских капеллах // Academia. 2020. № 4. С. 464-478. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-4-1-464-478
Ключевые слова
Греко-римские и византийские традиции в миниатюре арабского средневековья
Аннотация
Сравнительный анализ памятников изобразительного искусства Ближнего Востока разных эпох позволяет предположить, что красочные настенные росписи, рельефы и мозаики дворцов, культовых и общественных зданий, как и иллюстрированные греческие, латинские и сирийские свитки и кодексы, созданные в давнем и недавнем доисламском прошлом Передней Азии либо современные первым столетиям Халифата, служили «питательной средой» для развития новой для исламского мира художественной формы – книжной миниатюры.
В произведениях монументального искусства городов-государств доисламской древней Сирии и Месопотамии обнаруживаются черты, позволяющие видеть в наследии художественных культур античного и раннесредневекового Средиземноморья и несредиземноморского Эллинизированного Востока не только колыбель, но и школы греко-римской и ранневизантийской миниатюры, дополняющей и украшающей тексты древних свитков и кодексов. С поглощением этих регионов Арабским халифатом и формированием исламской цивилизации эти школы, наряду с живым и развивающимся искусством Византии, стали источниками знания и умения для художников арабских рукописей.
Оформление позднеантичных и византийских кодексов помимо иллюстраций в тексте инспирировало включение в арабские манускрипты фронтисписа с «портретом» автора и посвятительных картин – отдельных миниатюр, в аллегорической форме прославляющих заказчика или венценосного адресата книги. Со временем стиль миниатюр арабских рукописей утратил видимые связи как с греко-римскими, так и с византийскими прототипами. Однако обретение собственных стилистических приёмов и норм не означало ни окончательного отхода, ни полного отрицания полученных уроков книжной живописи. В том или ином виде их воздействие проявлялось и в более поздних иллюстрированных арабских манускриптах, хотя и ориентированных теперь на модели и идеалы Ирана и Восточной Азии.
Abstract
A comparative analysis of the Middle Eastern art monuments from different epochs urge the assumption upon us that colourful murals, reliefs and mosaics of palaces, religious and public buildings, just as the illustrated Greek, Latin and Syrian scrolls and codes, created in distant and recent the Western Asia pre-Islamic past or in the early centuries of the Caliphate, served as a kind of breeding ground for the development of a new art form for the Islamic world – a book miniature.
In the works of monumental art of the city-states of pre-Islamic ancient Syria and Mesopotamia, traits are found that allow us to see in the heritage of the different art cultures of the ancient and early medieval Mediterranean and the non-Mediterranean Hellenized East not only a cradle, but also schools of Greco-Roman and Early Byzantine miniatures that complement and decorate texts of the ancient manuscripts. With the absorption of these regions by the Caliphate and the development of the medieval Islamic civilization, these schools, next to the vivid and developing art of Byzantium, became sources of knowledge and skill for the designers of Arabic manuscripts.
The design of Greek, Latin and Syrian codes, along with the illustrations in the text, inspired the inclusion in the Arabic manuscripts of the frontispiece with the "portrait" of the author (or authors) of the book, and 'the dedication picture' – that were the separate miniatures glorifying the patron or the crowned addressee of the book in allegorical form. Over time, the style of Arabic manuscripts had lost the visible connection with both Greco-Roman and Byzantine prototypes. However, the acquisition of their own stylistic devices, methods and norms did not mean either a final deviation or a complete denial of lessons of the classical book painting. In one form or another, their contribution in Medieval Near Eastern arts was also manifested in the later illustrated Arabic manuscripts, although now at most they were oriented toward the models and ideals of Iran and Eastern Asia.
Для цитирования:
Стародуб Т.Х. Греко-римские и византийские традиции в миниатюре арабского средневековья // Academia. 2020. № 4. С. 441–463. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-4-1-441-463
Живопись наблюдений. К юбилею Павла Федоровича Никонова
Аннотация
Рассказ о выставке произведений народного художника России, академика РАХ, лауреата Государственной премии России Павла Федоровича Никонова, приуроченной к 90-летию художника, состоявшейся осенью 2020 года в залах Российской академии художеств (Пречистенка, 21). В экспозицию вошло около ста произведений живописи и графики, показывающих творчество Никонова за последние двадцать лет.
Abstract
The article presents the exhibition of works by the People’s Artist of Russia, Academician of the Russian Academy of Arts, winner of the State Prize of Russia Pavel Fedorovich Nikonov, dedicated to the 90th anniversary of the master, held in the fall of 2020 in the exhibition halls of the Russian Academy of Arts on Prechistenka. The exhibition shows about a hundred new works of painting and drawing, demonstrating the evolution of the artist’s work over the past twenty years.
Для цитирования:
Саленков А.Г. Живопись наблюдений. К юбилею Павла Федоровича Никонова // Academia. 2020. № 4. С. 525–528. DOI 10.37953/2079-0341-2020-4-1-525–528
Влияние Джона Соуна на восприятие классического ордера архитекторами модернизма и постмодернизма
Аннотация
Наследие Джона Соуна, английского архитектора эпохи Регенства, оказало определенное влияние на зодчество XX столетия. Основные принципы стиля архитектора (прежде всего, частичный или полный отказ от ордера) проявили себя в творчестве мастеров функционализма. Филипп Джонсон обратился к работам Соуна в поисках преодоления диктата интернационального стиля, в то время как архитекторы-постмодернисты нашли в произведениях мастера источник для всевозможных цитат и пастишей.
Abstract
The oeuvre of John Soane, the architect of the Regency era, has influenced to some degree the architecture of the XX century. The staples of his style (first of all his attempts to exclude – entirely or partly – the elements of classical order) can be detected in buildings of the functionalist architects. Philipp Johnson resorted to Soane trying to unfetter his manner from the doctrine of the International style. Meanwhile the postmodernists found in his structures the source for references and pastiches.
Для цитирования:
Грознов О.Д. Влияние Джона Соуна на восприятие классического ордера архитекторами модернизма и постмодернизма // Academia. 2020. № 4. C. 416-420. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-4-1-416-420
Ключевые слова
Керамика – расширение границ
Аннотация
Статья посвящена актуальным явлениям в современной отечественной керамике. Рассматривается масштабная тематическая выставка, проходившая летом 2020 года в Московском доме художника на Кузнецком, 11 под слоганом «ЧелоВечность», анализируется концепция выставки и творчество художников-керамистов, участвовавших в этом проекте.
Abstract
In article is devoted to common phenomena in modern Russian ceramics. A large-scale thematic exhibition is being considered that took place in the summer of 2020 at the Moscow House of Artists on Kuznetsky, 11 under the slogan "Humanity. The concept of exhibition and work of the ceramic artists participating in this project are analyzed.
Для цитирования:
Орлов С.И. Керамика – расширение границ // Academia. 2020. № 4. C. 513-524. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-4-1-513-524
Личный музейный манифест – размышляя о нашем времени
Аннотация
Рассматриваются альтернативные культурные и финансовые модели взаимодействия национальных художественных музеев и публики (в частности, Пинакотеки Брера), выход из сферы только лишь публичного пространства в дополненную реальность (интернет-трансляции, онлайн-услуги), предлагается обоснование экономической модели музейного менеджмента за счет постоянных взносов и изменения статуса посетителей на постоянных пользователей.
Abstract
Alternative cultural and financial models of interaction between the national art museums and public (specifically, Pinacoteca di Brera), leaving the sphere of only public space in augmented reality (Internet broadcasts, online services), it is proposed to substantiate the economic model of museum management through constant contributions and changing the status of visitors to regular users.
Для цитирования:
Брэдберн Д.М. Личный музейный манифест – размышляя о нашем времени // Academia. 2020. № 4. С. 529–537. DOI: 10.37953-2079-0341-2020-4-1-529-537
Классический идеал. Памяти Валентины Александровны Крючковой (1939-2018)
Аннотация
Статья посвящена памяти историка искусства Валентины Александровны Крючковой (1939-2018), профессиональному наследию и значению ее трудов для современного искусствознания.
Abstract
The article is devoted to the memory of art historian Michael Nikolaevich Sokolov (1946–2016), professional heritage and the significance of his works for contemporary art history.
Для цитирования:
Федотова Е.Д. Классический идеал. Памяти Валентины Александровны Крючковой (1939-2018) // Academia. 2020. № 4. C. 414–415. DOI: 10.37953-2079-0341-2020-4-1-414-415
“Всадники” Марино Марини
Аннотация
Статья посвящена творчеству известного итальянского скульптора Марино Марини (1901–1980). Он являлся участником многих крупных экспозиций в Италии и за рубежом, лауреатом многих международных выставок. Фонд скульптора и Центр документации его наследия был создан в 1979 году в его родном городе, в Пистойе. Там хранятся скульптуры, графика, фотографии, каталоги выставок, книги, посвященные его творчеству. В 1975 году в Милане, где долгие годы он преподавал в художественных вузах, был открыт Музей Марини. Талант скульптора развивался под влиянием выдающегося итальянского скульптора XX века – Артуро Мартини, с которым он познакомился в 1926 году. В статье рассказывается о биографии Марини и о главной теме его творчества – образах «лошади и всадника» («cavallo e cavagliere»). В них он воплощал отзвуки собственных ассоциаций с событиями современности, также соотнося своих «всадников» с наследием пластики этрусков, так как являлся уроженцем Тосканы. Эта «una forma in una idea» получила развитие в скульптуре и графике Марини от первых работ 1930-х годов до композиций 1960-х («Чудо», «Крик» и других). Драматичная история XX столетия всегда была импульсом для создания его работ. Он оставался вне официальных заказов, был «свободной сущностью», следуя завету Артуро Мартини.
Abstract
The article is devoted to the creation of well-known Italian sculptor Marino Marini (1901–1980). He was the participant of many qreat displays in Italy and abroad, prize-winner of international exhibitions. The Fund of Marini and the Centre of documentation of his legacy was created in 1979 in one’s home town – Pistoia. His sculptures, drawings, photographyes, catalogues keeps there. In 1975 in Milano, where he teached at great artistic institutes for a long time, was opened «Museum Marini». His talent formed under the influence of distinguished italian sculptor of XXᵗʰ century – Arturo Martini, them meeting happened in 1926. In this article the talk is about biography of Marini and about the main theme of his creation – conception of «horse and rider». In these types he incarnated reverberations of one’s own associations with the contemporary events, also correlated the «riders» with the legacy of the plastic art of etruscas, because he was native of Toscana. This «forma in una idea» developed in sculptures and in drawings of Marini from first works of 1930ᵗʰ to the composition of 1950ᵗʰ–1960ᵗʰ («Miracle» – «Miracle», «Grido» – «Cry» and others). The dramatic history of XXᵗʰ century always was the impulse for his works. He stayed out of official orders, was «free essence», followed the precept of Arturo Martini.
Для цитирования:
Федотова Е.Д. “Всадники” Марино Марини // Academia. 2020. № 4. C. 500–506. DOI: 10.37953-2079-0341-2020-4-1-500–506
Феномен классики в картинах мира ХХ века
Аннотация
Статья посвящена рассмотрению способа, которым феномен классики функционирует в искусстве ХХ века. Анализ содержательных структур художественного сознания в произведениях отечественных художников, связанных с двумя основными тематическими потоками живописного мира ХХ века – религиозно-мифологическим и светским – позволяет предположить, что сущностно восходящая к античности классика выполняет функцию сохранения его целостности. Показано, что диалог конкретного автора с классикой происходит в форме обращения к картине мира, которая представляет собой проекцию ценностей традиционной художественной культуры в конкретной идейно-эстетической форме.
Abstract
The article considers the mode in which the phenomenon of classics functions in the art of the 20th century. An analysis of the essential structures of artistic consciousness in the works of Russian artists related to two main thematic currents of the pictorial world of the 20th century, religious-mythological and secular, allows us to suggest that the classic, essentially related to antiquity, performs the function of preserving its integrity. It is shown that the dialogue of a particular author with the classics takes place in the form of an appeal to a worldview, which is a projection of the values of traditional art culture in a specific ideological and aesthetic form.
Для цитирования:
Глазов И.В. Феномен классики в картинах мира ХХ века // Academia. 2020. № 4. C. 507-512. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-4-1-507-512
Ключевые слова
Подражание древним и самоценность новизны в работе римских художественных мастерских XVI века
Аннотация
Исследовав графическое наследие художников, работавших в Риме XVI столетия, мы можем найти немало примеров зарисовок античных памятников, ставших хрестоматийными образцами и справочным материалом для художественных мастерских. В связи с этим вызывает интерес не только то, какие именно древности запечатлевали художники, но и вопрос о том, насколько достоверными были подобные зарисовки. Римские мастерские Чинквеченто сталкивались одновременно с требованием творческой новизны и осознанной подражательностью своего искусства.
Abstract
With examination of the graphic heritage of artists who worked in Rome in the 16th century we can find many examples of sketches of ancient monuments, which became examples and reference material for the artistic workshops. In this regard, our interest is not only what antiquities were captured by the artists, but also the question of how accurate such sketches were. The Roman workshops of Cinquecento were faced with the demand for creative novelty and the conscious imitation of their art simultaneously.
Для цитирования:
Дунина М.В. Подражание древним и самоценность новизны в работе римских художественных мастерских XVI века // Academia. 2020. № 4. C. 479-487. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-4-1-479-487
2020 / 3
Гравюры с изображением апостолов, выполненные на фабрике Михаила Артемьева: работа с образцами и творческий поиск
Аннотация
Статья «Гравюры с изображением апостолов, выполненные на фабрике Михаила Артемьева: работа с образцами и творческий поиск» посвящена гравюрам из собрания Церковно-археологического музея Православного Свято-Тихоновского гуманитарного университета. Гравюры, выполненные в технике меццо-тинто, были созданы между 1760–1773 годами в Москве. Вероятно, в работе над ними принимал участие немецкий гравер Иоганн Штенглин (1710/1715–1776). Граверы не прибегали к прямому копированию каких-либо образцов. Обнаруживается определенное сходство с несколькими гравюрами французского мастера Франсуа де Лувемона (1648–?). Некоторые детали московских гравюр перекликаются с иллюстрациями из Библии Николаса Иоанниса Пискатора (1586–1652). В гравюрах фабрики Артемьева можно видеть большую степень творческой свободы авторов, самостоятельный поиск художественного решения, хотя результат этого процесса не всегда безупречен.
Abstract
The article “The engravings depicting the Apostles, executed at the Mikhail Artemyev factory: the use of sources and the creative search” is devoted to the engravings from the collection of the Archaeological Church Museum of St.Tikhon's Orthodox University. The mezzotint engravings were created at Moscow between 1760–1773, probably, with the help of German engraver Johann Stenglin (1710/1715–1776). The engravers did not directly copy any originals. These works show a certain similarity to several engravings by the French engraver Francois de Louvemont (1648–?). Some details of the Moscow engravings correspond to the illustrations from the Bible made by Nicolas Joannes Piscator (1586–1652). In the engravings from the Artemyev factory, we can see a greater degree of creative freedom of their authors, an independent search for an artistic solution, although the result of this process is not always perfect.
Для цитирования:
Нефедова Н. В. Гравюры с изображением апостолов, выполненные на фабрике Михаила Артемьева: работа с образцами и творческий поиск // Academia. 2020. № 3. С. 334-340. DOI 10.37953/2079-0341-2020-3-1-334-340
Голубая мечеть в Тебризе. Архитектура и декор: история и реконструкция
Аннотация
Голубая мечеть в Тебризе, необычный по своим характеристикам памятник ирано-азербайджанской архитектуры и орнаментально-каллиграфического декора середины XV века. Величественные руины – единственное, что уцелело от разрушенного землетрясениями большого культового и благотворительного архитектурного комплекса. В середине и второй половине XIX века французские ориенталисты положили начало научному изучению уцелевших частей сооружения, его планировки и конструкции и – благодаря значительным остаткам архитектурного декора – разбору орнаментов и переводу надписей. Возобновленные в середине XX века исследования, на этот раз – систематические, подтвердили необычность планировки здания, конструктивного и технического разнообразия его оформления. Особое внимание было уделено каллиграфии – носителю важной информации об истории и назначении сооружения. В 1980–1990-х годах на основе сохранившихся и реконструкции утраченных частей здания развернулись работы по восстановлению этого уникального для исламского средневековья архитектурного проекта и его сложной орнаментальной и эпиграфической программы. К апрелю 2010 года, когда автору статьи довелось посетить Тебриз, наружные стены, купола и сводчатые перекрытия мечети, как и ее интерьер, были восстановлены; продолжались работы по реставрации фасадов и отдельных помещений, облицовок стен, арок и сводов. Здание средневековой мечети приобрело функции художественно-исторического музея и стало частью ансамбля прилегающего парка.
Abstract
This article is devoted to the history and peculiar features of the so called Blue Mosque in Tabriz. This outstanding monument of Iranian and Azerbaijanyan architecture of the second half of the 15th century deserves attention as for its ground plan, as for its unusual characteristics of the religious building luxuriously decorated inside and outside with the different ornamental and calligraphic compositions. The poetic name – Blue Mosque – was given to this building, due to predominance of blue, ultramarine and turquoise in its decoration. At first it was called Masjid-e Muzaffariyya (the Mosque of Muzaffar) after name of its founder. The inscription on the portal indicates the name of the ruler Abul-Muzaffar Jahanshah b. Kara-Yusuf Kara-Koyunlu (1438–67) and the date of the beginning of its construction (4 Rabi I 870 AH / October 25, 1465). The inscription on the eastern wall of the portal includes the name of the calligrapher Ni’matallah b. Muhammad Bawwab and the date which, apparently, fixes the time of completion of the ornamental and epigraphic decor on the main entrance (4 Rabi I 873 / 22 September 1468). Formerly, it was a large religious and charity complex, destroyed by earthquakes during centuries. Eventually only the Mosque’s majestic ruins had remained. The mosque was built in common walls with the Mausoleum, or buk’a, that was never been completed. Persian painter Kazi Ahmad, the famous author of the “Treatise on Calligraphers and Artists” (A.D. 1596), highly appreciated the skill of Bawwab, and noted that the inscriptions of the “exalted buk’a of Muzaffariye founded by Jahanshah Mirza in Tabriz were completely fulfilled by him (Bawwab)”. During the middle and the second half of the 19th century, the French Orientalists laid the foundation for the scientific study of the ruins of the building. The restoration started in 1950–1966 and continued in the course of the 1980–1990s, and after 2000 AD. The author of this article had a chance to visit Tabriz in April 2000, and the walls, domes and vaulted ceilings of the mosque as well as the interior were basically restored. The works were continued on the restoration of facades, premises and its finishing. The building of the medieval mosque acquired some functions of an art and history museum, and became part of the adjacent park.
Для цитирования:
Стародуб Т.Х. Голубая мечеть в Тебризе. Архитектура и декор: история и реконструкция // Academia. 2020. № 3. С. 323-333. DOI 10.37953/2079-0341-2020-3-1-323-333
Европейские гравированные оригиналы в творчестве А.П. Лосенко
Аннотация
В статье исследуется, какие европейские гравированные оригиналы использовались русскими художниками в XVIII веке, главным образом А.П. Лосенко. В качестве нового источника автор рассматривает гравюры с полотен Антуана Куапеля, отмечая не только близость мотивов, но и факты биографии Лосенко, свидетельствующие о внимании русского мастера к творчеству французского академика, и обстоятельства художественного развития эпохи, способствовавшие интересу отечественных знатоков искусства к творчеству Антуана Куапеля.
Abstract
The article examines which European engraved sources were used by Russian artists in the 18th century. An especially thorough examination, from this position, is given to the work of Anton Losenko, one of the most significant Russian painters of the 18th century. The author adds new sources of creative inspiration for Losenko to the recognized ones, such as compositions by Jean Restout,. Among them the author counts engravings from the paintings of Antoine Coypel. Not only the closeness of individual motifs of painting of the French academician and the founder of Russian historical painting is noted, but also the facts of Losenko’s biography and the evolution of the artistic development of the epoch are considered.
Для цитирования:
Пожарова М.А. Европейские гравированные оригиналы в творчестве А.П. Лосенко // Academia. 2020. № 3. С. 341–349. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-3-1-341-349
Ключевые слова
Античность – Ренессанс – Классицизм: связь времен и «связка группов» в рисунке М. И. Козловского «Российская баня» (1778)
Аннотация
Статья посвящена способам цитирования визуальных образов в эпоху риторической культуры, которая простиралась от Античности по XVIII век включительно. В качестве наглядного примера подобного цитирования выбран рисунок М. И. Козловского, который стал его значительным достижением в ходе изучения в Риме художественного наследия древности и Ренессанса. Для выявления конкретных прообразов, которые мог цитировать в своей работе пенсионер Академии художеств, применен метод иконографического анализа отдельных фигур и групп его рисунка в контексте сохранившихся документов: рапортов и, особенно, римского журнала Козловского, направленного им в качестве отчета в Академию, в тесной связи с упоминаемыми и характеризуемыми им в этих текстах произведениями искусства. Анализ позволил впервые обнаружить в «Российской бане» образы, опирающиеся на искусство Рафаэля и его ученика Джулио Романо. Также впервые в исследовании творчества Козловского использован иконологический метод, основой которого стал взгляд на его рисунок сквозь текст И.Ф. Урванова «Краткое руководство к познанию рисования и живописи исторического рода…», что позволило найти современное выпускнику Академии художеств XVIII века теоретическое обоснование его приемов ассимиляции классических образов прошлого. На примере одной из групп в рисунке Козловского, прообраз которой (как и его вероятный источник в античном искусстве) впервые обнаружен автором статьи на ватиканской фреске «Битва Константина», рассмотрена такая весьма важная фигура визуальной риторики, как контрапост (антитезис в вербальных искусствах).
Abstract
The article is devoted to the methods of citing visual images in the rhetorical culture era, which extended from Antiquity to the 18th century inclusive. The drawing by Mikhail Kozlovsky that became his significant achievement in the course of studying the artistic heritage of Antiquity and the Renaissance in Rome was chosen as a case study to achieve this goal. In order to identify prototypes that one of the best students of the Fine Arts Academy could cite in his work the method of iconographic analysis of particular figures and groups of his drawing was applied in the context of preserved documents: reports sent by him to the Academy and, especially, Kozlovsky’s journal of art works that he had seen in Rome. This iconography is considered in close connection with the works of art mentioned and characterized by him in these texts. The analysis allowed us to discover first in the drawing Russian baths images based on the art of Raphael and his pupil Giulio Romano. For the first time in the study of Kozlovsky’s work is also used the iconological method based on the analysis of his drawing through the text of A Brief Guide to the Knowledge of Drawing and Painting of Historical Kind… by his contemporary Ivan Urvanov that allowed to find a theoretical justification of assimilation of the classic images by the graduate of the Fine Arts Academy of the 18th century. The author of the article discovered prototype of one of the groups of Kozlovsky’s drawing in the Vatican fresco Battle of Constantine. On the example of this group (as well as its ancient probable source) he considered a very important figure of visual rhetoric such as the contrapposto (antithesis in verbal art).
Для цитирования:
Сечин А.Г. Античность – Ренессанс – Классицизм: связь времен и «связка группов» в рисунке М.И. Козловского «Российская баня» (1778) // Academia. 2020. № 3. С. 299–322. DOI: 10.37953/2079-0341-2020-3-1-299-322
Монументальная живопись Успенского собора Кирилло-Белозерского монастыря. Общий обзор памятника и открытия реставраторов 2013–2015 годов
Аннотация
Настоящая статья посвящена малоизученному живописному ансамблю, созданному в XVII веке ведущими мастерами своего времени – стенописи Успенского собора Кирилло-Белозерского монастыря. Ансамбль состоит из двух основных частей – стенопись четверика (1641, автор Любим Агеев «со товарищи») и роспись галерей собора (1650–1651, авторы Иван Тимофеев, Севастьян Дмитриев и Иосиф Владимиров «со товарищи»). В статье содержится общий обзор данного ансамбля, с приведением историографических сведений. Предлагается краткая история поновлений и реставрационных вмешательств, которая известна благодаря литературе и архивным источникам. Приводится описание фреско-темперной живописи 1641 года в алтаре Успенского собора, которая была раскрыта от записи 1838 года в ходе консервационно-реставрационных работ 2013–2015 годов художниками-реставраторами бригады В.Д. Сарабьянова.
Abstract
This article is dedicated to the insufficiently explored wall painting ensemble created by leading masters of the 17th century: – murals of the Dormition Cathedral of the Kirillo-Belozersky Monastery. The ensemble consists of the murals of the main volume of the structure painted by Lyubim Ageev “with comrades” in 1641 and the cathedral galleries paintings dating from 1650 to 1651 painted by Ivan Timofeev, Sevastyan Dmitriev and Joseph Vladimirov “with comrades”. The first part of the article contains a general overview of this ensemble, with the historiographic information provided. There is a list of renovation and restoration works based on literature and archival data. The second part of the article contains a description of the fresco and tempera painting of 1641 in the altar of the Dormition Cathedral, which was uncovered from renovation of 1838 during the conservation and restoration work of 2013–2015 by restorers headed by V.D. Sarabyanov.
Для цитирования:
Тычинская П.А. Монументальная живопись Успенского собора Кирилло-Белозерского монастыря. Общий обзор памятника и открытия реставраторов 2013–2015 годов // Academia. 2020. № 3. С. 382–395. DOI 10.37953/2079-0341-2020-3-1-382-395