2022 / 4
Круглый стол «Михаил Врубель. Грани актуальности. К 165-летию со дня рождения художника»: от замысла к итогам
Аннотация
Статья посвящена кураторскому обзору программы и итогов Круглого стола «Михаил Врубель. Грани актуальности. К 165-летию со дня рождения художника», который был проведен в рамках совместного проекта Государственной Третьяковской галереи и Научно-исследовательского института теории и истории изобразительных искусств Российской академии художеств в марте 2022 года. Отразив эволюцию восприятия и интерпретации искусства М.А. Врубеля сквозь призму современных научно-исследовательских и выставочных процессов, Круглый стол позволил зафиксировать ряд важных исторических фактов в области изучения творчества художника в биографическом и эпохальном контекстах. Кроме того, были выявлены новые теоретические и художественно-эстетические акценты, частично отражающие особенности философии искусства наших дней. В связи с концепцией Круглого стола особое внимание уделено как описанию изначальной программы научной дискуссии, так и анализу тех реальных результатов, прозвучавших в докладах, многие из которых будучи преобразованы в научные статьи, стали основным содержанием специального выпуска журнала “Academia” (2022, № 4).
Abstract
The article reviews the programme and results of the round-table conference Round-Table Conference “Mikhail Vrubel. On the 165th Anniversary. Relevant facets of creativity”: held in March 2022 in the framework of the joint project of the State Tretyakov Gallery and Research Institute of Theory and History of Fine Arts Russian Academy of Arts. Analyzing the perception and interpretation of Mikhail Vrubel’s art in terms of contemporary research, exhibition and creative processes, the roundtable made it possible to record a number of important historical facts studying artist’s work in biographical and time contexts. In addition, new theoretical as well as artistic and aesthetic emphases were identified, partly reflecting the peculiarities of the contemporary art philosophy. According to the concept of the conference, particular attention was paid to describe the initial programme of academic debate and to analyze those actual results, which were transformed into academic papers, and became the main content of the special issue of Academia magazine (2022, no 4).
Для цитирования:
Давыдова О.С. Круглый стол «Михаил Врубель. Грани актуальности. К 165-летию со дня рождения»: от замысла к итогам // Academia. 2022. № 4. C. 373–389. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-4-1-373-389
2022 / 3
Московский Союз художников. Взгляд из XXI века. Книга вторая
Аннотация
В рецензии на книгу Б.И. Иогансона «Московский Союз художников. Взгляд из XXI века. Книга вторая» (2021) рассматривается концепция автора, освещающая одну из составляющих институционального существования изобразительного искусства в позднесоветский период (1962–1980-е гг.) на примере ведущей творческой организации – Московского союза художников, и отражения творческих процессов этого периода в современной ему критике и последующих аналитических трудах, посвященных советскому искусству.
Abstract
In the review of the book “Moscow Union of Artists. View from the XXI century. Book two” (2021) by B.I. Ioganson we examine the author’s concept regarding the particular component of the institutional existence of fine arts in the late Soviet period (1962 – 1980s) using the Moscow Union of Artists as an example and reflecting the creative processes of this period in contemporary criticism and subsequent analytical studies of Soviet art.
Для цитирования:
Тулузакова Г.П. Московский Союз художников. Взгляд из XXI века. Книга вторая // Academia. 2022. № 3. С. 350–357. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-3-1-350-357
«Голубая роза»: XХI век. Московский символизм в свете новейших исследований
Аннотация
В статье прослежена история восприятия и изучения творчества мастеров «Голубой розы» как символистского течения в русском изобразительном искусстве начала ХХ века. Многообразие средств выразительности ведущих представителей «второй волны» русского символизма, традиционно связываемой с московским декадансом 1900-х годов, в контексте новейших исследований подвергается более пристальному и дифференцированному анализу. Если на первом этапе изучения «Голубой розы» доминировала обобщенная форма описания группового явления, то в настоящее время детально раскрываются программные аспекты голуборозовской эстетики, актуализируются малоизученные творческие биографии художников. Наращивание архивной базы позволяет по-новому взглянуть на ключевые моменты в процессе сложения поэтики «Голубой розы» и ее включенности в развитие модернизма, что свидетельствует о новом этапе в изучении творчества «московских» символистов.
Abstract
The article traces the history of perception and study of the masters of the “Blue Rose” as a symbolist movement in the Russian art of the early twentieth century. The versatile sphere of expression of the leading representatives of the “second wave” of Russian Symbolism, traditionally associated with the Moscow decadence of the 1900s, is subjected to more thorough and differentiated analysis in the context of recent research. If the first art historians of the “Blue Rose” group phenomenon concentrated on movement’s generalized description, nowadays the program aspects of the Blue Rose aesthetics are being explored in details, the poorly studied artists’ creative biographies are brought up to date.
The growing archive base allows us to take a new look at the key moments of “Blue Rose” poetics’ formation and its involvement in the development of modernism, indicating a new stage in the study of the works of Moscow symbolists.
Для цитирования:
Давыдова О.С. «Голубая роза»: XХI век. Московский символизм в свете новейших исследований // Academia. 2022. № 3. C. 259–275. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-3-1-259-275
Свободное исследование о свободных художниках
Аннотация
Сборник статей «Искусство на обочине. Творчество художников-аутсайдеров и инклюзивные практики в культуре ХХ – начала ХХI века» (2022) подготовлен сектором фольклора и народного искусства Государственного института искусствознания и содержит материалы научных чтений памяти искусствоведа К.Г. Богемской (1947–2010). Фокус внимания 25 авторов из разных регионов России сосредоточен на изучении пограничных областей искусства, процессах институциализации творчества художников-аутсайдеров, проблемах его интерпретации и критериев эстетической ценности, сопоставлении с развитием неоархаических тенденций в искусстве ХХ века. Финальный раздел сборника посвящен опыту практического взаимодействия в области инклюзивных программ в России и за рубежом.
Abstract
The book “Art on the Roadside. Outsider Art and Inclusive Practices in the Culture of the 20th and Early 21st Centuries” (2022) prepared by the Department of Rolklore and Folk Art of the State Institute of Art Studies includes materials of scientific conferences in memory of Dr. Ksenia Bogemskaya (1947–2010), a great researcher of naive and outsider art. 25 authors from different regions of Russia and other countries examine the borderline areas of art, overview the institutionalization process of the outsider art in Russia, explore the problems of its interpretation and the criteria of aesthetic value, compare it with the development of neo-archaic trends in the naïve and modern art of the twentieth century. The final section of the book describes the practical cooperation as a part of inclusive programs in Russia and abroad.
Для цитирования:
Костикова А.А. Свободное исследование о свободных художниках // Academia. 2022. № 3. С. 345–349. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-3-1-345-349
Стилистическая эволюция журнальной и книжной графики художников «Голубой розы»
Аннотация
Работы художников «Голубой розы» в области оформления журналов и книг позволяют судить о характере стилистической эволюции их графического языка. В рисунках, украшавших страницы журналов 1900-х гг., часто используется единый набор приемов, сказывается увлечение всей группы эстетическими идеями символистов. Но постепенно мастера этого круга отходят от чисто декоративных орнаментальных фантазий, увлекаются решением более сложных задач. В 1920–1930-х гг. становится очевидным их стремление к изживанию болезненных крайностей и претенциозной многозначительности модерна, поиски языка гораздо более внятного и лаконичного.
Abstract
The works of the “Blue Rose” artists in the field of magazine and book design allow us to judge the nature of the stylistic evolution of their graphic language. In the drawings that decorated the pages of periodicals of the 1900s, a single set of techniques is often used, and the fascination of the whole group with the aesthetic ideas of symbolists becomes obvious. But gradually the masters of this circle move away from purely decorative ornamental fantasies, get carried away with solving more complex problems. In the 1920s and 1930s, their desire to overcome the painful extremes and pretentious significance of modernity, the search for a language much more intelligible and concise, became obvious.
Для цитирования:
Фомин Д.В. Стилистическая эволюция журнальной и книжной графики художников «Голубой розы» // Academia. 2022. № 3. C. 276–296. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-3-1-276-296
Ключевые слова
Скульптор человеческих душ
Аннотация
Статья написана в связи с проведением в Государственном музее-заповеднике «Ростовский кремль» комплексного выставочного проекта «Благовестнов. Пророчества о настоящем» (28 апреля – 2 октября 2022). В тщательно продуманном авторском пространстве экспозиции произведения члена-корреспондента РАХ Алексея Алексеевича Благовестнова из Переславского музея-заповедника и частных собраний соединились с отобранными художником и впервые показанными публике произведениями русской деревянной скульптуры XVIII-XIX века из коллекции Ростовского Кремля. Статья включила в себя прямые цитаты из интервью, взятого автором статьи в московской мастерской Благовестнова.
Abstract
The article is written in connection with the comprehensive exhibition project “Blagovestnov. Prophecies of the Present” (April 28 – October 2, 2022). In a carefully thought-out author`s space exposition works by Alexey Blagovestnov, corresponding member of the Russian Academy of Arts, from Pereslavl Museum-Reserve and private collections were combined with the works of Russian wooden sculpture of XVIII-XIX centuries from the collection of Rostov Kremlin, selected by the artist and first shown to the public. The article included direct quotations from an interview conducted by the author of the article in Blagovestnov's Moscow studio.
Для цитирования:
Ступин С.С. Скульптор человеческих душ // Academia. 2022. № 3. C. 308–316. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-3-1-308-316
Философия материала в образно-пластическом строе произведений художников «Голубой розы»
Аннотация
Статья посвящена московским художникам-символистам круга выставки «Голубая роза» 1907 года, которые уделяли особое внимание семантике и метафизике художественных материалов. Краска, холст, грунт, поверхность бумаги, мазок и метод его наложения – все эти компоненты художественного произведения играли роль в создании образно-пластического строя. В таком понимании материалов и технологии голуборозовцы опирались на творческую практику В.Э. Борисова-Мусатова и М.А. Врубеля, а также на традиции древнерусской иконописи, которая была открыта в эпоху символизма на рубеже XIX–XX вв. Икона как образец сопряжения материального и духовного значительно повлияла на понимание материала в искусстве символизма. Воздействуя на восприятие зрителем произведения искусства при помощи специфической организации его материальной структуры, голуборозовцы пошли по пути соединения традиции и новаторства. Сакрализация материала искусства, его одухотворение тесно связаны с проблемой символа, в котором снимаются противоречия материального и духовного, земного и небесного.
Abstract
This article is dedicated to Moscow symbolist art group “Blue Rose”, named after the exhibition from 1907 and known for their special attention to the semantical and metaphysical attributes of the artistic material. Paint, canvas, primers, paper, brush stroke techniques – all of those components played a particular role in the creation of the figurative-formative system. The members of “Blue Rose” were inspired by creative genius of V.E. Borisov-Musatov and M.A. Vrubel as well as traditions of the Old Russian icon painting. The latter found its new beginning at the turn of the century, in the era of Symbolism. Icon as an example of the union between material matter and spiritual concepts significantly influenced the core ideas in the art of symbolism. The “Blue Rose” followed the path of combining traditions and innovation, further affecting the viewer’s perception of the art work by specific organization of its material structure. Sacralization and spiritualization of materialistic principles of art are closely related to the problem of the symbol, in which contradictions between materialistic and spiritual as well as worldly and divine are resolved.
Для цитирования:
Флорковская А.К. Философия материала в образно-пластическом строе произведений художников «Голубой розы» // Academia. 2022. № 3. С. 253–258. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-3-1-253-258
Фотограф Николай Андреев. Мастер пикториализма
Аннотация
Статья посвящена первой монографической выставке фотографа и художника Николая Платоновича Андреева (1882–1947), состоявшейся в Государственной Третьяковской галерее осенью 2021 года.
Abstract
The article is dedicated to the first monographic exhibition of photographer and artist Nikolai Platonovich Andreev (1882–1947) held at the State Tretyakov Gallery in autumn 2021.
Для цитирования:
Чмырева И.Ю. Фотограф Николай Андреев. Мастер пикториализма // Academia. 2022. № 3. С. 358–366. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-3-1-358-366
Девятые Даниловские чтения «Античность – Средневековье – Ренессанс». Памятник в контексте эпохи. К столетию И.Е. Даниловой
Аннотация
Статья предлагает тезисное изложение Всероссийской научной конференции с международным участием «Девятые Даниловские чтения. Античность – Средневековье – Ренессанс. Памятник в контексте эпохи. К столетию И.Е. Даниловой». Организатором выступил Институт высших гуманитарных исследований имени Е.М. Мелетинского (ИВГИ) Российского государственного гуманитарного университета (РГГУ).
Abstract
The article offers a summary of the All-Russian scientific conference with international participation “The Ninth Danilovsky Readings. ‘Antiquity – Middle Ages – Renaissance’. A monument in the context of an epoch. To the centenary of I.E. Danilova”. It was organized by the Institute of Higher Humanitarian Studies named after E.M. Meletinsky (IVGI), Russian State University for Humanities (RSUH).
Для цитирования:
Этингоф О.Е. Девятые Даниловские чтения «Античность – Средневековье – Ренессанс». Памятник в контексте эпохи. К столетию И.Е. Даниловой // Academia. 2022. № 3. С. 325–344. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-3-1-325-344
Флоральный декор усадьбы Новый Кучук-Кой и система формообразования П.В. Кузнецова
Аннотация
Статья посвящена живописной системе П.В. Кузнецова, ведущего мастера объединения «Голубая роза», и ее изменениям в контексте его работы в крымской усадьбе Новый Кучук-Кой в 1908–1914 гг. На натурном материале (фотосъемка автора 2002 и 2021 гг.) показан переход художника от поэтики призрачных видений к четким и контрастным формам, характерным для искусства авангарда. В мозаиках, майоликах и фресках усадьбы был использован опыт по созданию циклической, замкнутой композиции, известный по картинам и графическим работам Кузнецова. Однако в диалоге с садом и горным пейзажем возникают новые, более энергичные вариации прежних тем. При оценке поисков Кузнецова приняты во внимание образные характеристики его творчества, данные историком искусства А.М. Эфросом в книге «Профили» (1930).
Abstract
The article discusses the pictorial system of Pavel Kuznetsov, the leading master of the Blue Rose association, and its changes in the context of his work at the Crimean estate Novy Kuchuk-Koi in 1908–14. The art objects (photographed by the author in 2002 and 2021) show the artist's transition from the poetics of ghostly visions to clear and contrasting forms typical for Avant-Garde art. The mosaics, ceramics and frescoes of the estate reveal the experience in creating cyclic, closed composition specific for Kuznetsov’s paintings and graphic works. However, in the dialogue with the garden and the mountain landscape new, more energetic variations of the previous themes arise. In assessing Kuznetsov's artistic search the poetic characteristics of his work given by art historian A.M. Efros in his “Profiles” (1930) are taken into consideration.
Для цитирования:
Соколов Б.М. Флоральный декор усадьбы Новый Кучук-Кой и система формообразования П.В. Кузнецова // Academia. 2022. № 3. С. 317–324. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-3-1-317-324
Постмедиальность графических серий Никиты Алексеева 2015–2021 годов
Аннотация
Статья посвящена феномену трансформации вещи в постмедиальном художественном пространстве современного искусства на материале графических серий Никиты Алексеева 2015–2021 годов под условным названием «Предсмертные рисунки». Дается краткий обзор перехода вещи в искусстве XX века из объекта в перформативные практики с применением постмедиальной теории Розалинд Краусс. Серийность, фикция и документация становятся главными факторами существования объектов искусства в постмедиальную эпоху. Рассматривается, каким образом графические произведения обладают одновременно вещественными и временными свойствами.
Abstract
The article is dedicated to such phenomenon as transformation of the “thing” in post-medium condition of contemporary art space based on the graphic series of 2015–2021 by Nikita Alekseev that can be called “Dying drawings”. A brief overview of the “thing” transition from an object to performativity in the art of the XXth century through Rosalind Krauss theory is given. Seriality, fiction and documentation became the main existential factors for the art objects in post-medium era. The way graphic drawings possess simultaneously material and temporary properties is shown.
Для цитирования:
Герасимова А.А. Постмедиальность графических серий Никиты Алексеева 2015–2021 годов // Academia. 2022. № 3. C. 297–307. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-3-1-297-307
2022 / 2
Проблема стилей в творчестве Козроэ Дузи (1808–1859)
Аннотация
Творческое наследие венецианского живописца Козроэ Дузи вобрало в себя все ведущие стили и стилистические тенденции искусства 40-x – 50-x годов XIX века. Работавший в Италии, Мюнхене и Санкт-Петербурге, мастер создавал камерные и парадные портреты. Исторические полотна художника вобрали черты классицизма и романтизма с его особым интересом к средневековой истории. В натурных штудиях и рисунках очевидно влияние системы академического художественного образования. Немногочисленные пейзажи Дузи тяготеют к романтической концепции одухотворенной природы. Мастер создает ряд монументальных работ в Исаакиевском соборе в Санкт-Петербурге, техника и иконографическое решение которых указывают на внимание к русской национальной традиции. В творчестве Дузи академическая выучка, тенденции классицизма и романтического историзма находятся в сложном комплексном диалоге.
Abstract
The creative heritage of the Venetian Cosroe Dusi accumulated all the leading artistic styles of the second quarter –middle of the 19th century. Working in Italy, Munich and St Petersburg, the painter created intimate and formal portraits. His historical canvases have absorbed the features of classicism and romanticism with special interest in medieval history. The few landscapes of Cosroe Dusi are close to the romantic concept of spiritualized nature. In sketches from nature and drawings, the influence of the academic art education system is obvious. He also created a number of monumental works in St Isaacʼs Cathedral, and his technique and iconographic solutions indicate an interest in the Russian national tradition. Academic training, classicism, romanticism, historicism are mixed in Dusi’s heritage in complex stylistic dialogue.
Для цитирования:
Арутюнян Ю.И. Творчество Козроэ Дузи (1808–1859) в контексте проблематики стилей в русском искусстве XIX века // Academia. 2022. № 2. С. 175–184. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-2-1-175-184
Мировая художественная культура XXI века. Предметно-пространственная среда и проблемы культурной идентичности
Аннотация
Статья подводит итоги Международной научно-практической конференции «Мировая художественная культура XXI века. Предметно-пространственная среда и проблемы культурной идентичности», прошедшей онлайн 22–23 октября 2021 г. Показаны истоки научной проблематики конференции, отмечены важнейшие ее итоги. Одна из центральных задач конференции сводилась к попытке вычленить из множества подходов творческие основы проектирования новых форм материально-предметного окружения и связанных с ними эстетических идеалов и культурной идентичности. В статье дана краткая характеристика подготовленного по итогам конференции сборника научных трудов, приведен краткий обзор прозвучавших докладов.
Abstract
The article sums up the results of the International Scientific and Practical Conference “World Artistic Culture of the 21st Century. Object-Spatial Environment and Problems of Cultural Identity”, held online on October 22–23, 2021. The origins of the scientific problems of the conference are shown, its most important results are noted. One of the main goals of the conference was to try to select the creative foundations of designing new forms of material-subject environment and related aesthetic ideals and cultural identity from a variety of approaches. The article gives a brief description of the collection of scientific papers published as a result of the conference, and a brief overview of the presentations made.
Для цитирования:
Сазиков А.В. Мировая художественная культура XXI века. Предметно-пространственная среда и проблемы культурной идентичности // Academia. 2022. № 2. С. 229–239. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-2-1-229-239
Гравер И.П. Пожалостин (1837–1909) как мастер портрета
Аннотация
Статья посвящена портретному творчеству гравера на меди И.П. Пожалостина. Рассматриваются произведения 1860–1880-х годов, созданные вначале под сенью Академии художеств, затем для Общества поощрения художников, издателей книг и журналов, коллекционеров. Это галерея русских людей от А.С. Хомякова и Н.А. Некрасова до императрицы Марии Федоровны и М.Т. Лорис-Меликова. Большое внимание уделено художественным особенностям гравированных портретов в эпоху реализма, когда начали репродуцировать фотографии, а также культурно-бытовому контексту: отношениям И. П. Пожалостина с заказчиками, условиям и срокам его работы. Привлечен широкий архивный материал, в частности, переписка гравера с собирателями П.А. Ефремовым и С.П. Виноградовым.
Abstract
The article is devoted to the portrait artwork of the engraver on copper I.P. Pozhalostin. It focuses on his works of the 1860–1880s, created first under the protection of the Academy of Arts, then for the Society for the Encouragement of Artists, publishers of books and magazines, and collectors. This is a whole gallery of Russian faces, from the poet Nikolay Nekrasov to Empress Maria Feodorovna. Along with an overview of the artistic features of the realistic engraved portraits by Ivan Pozhalostin, much attention in the article is paid to the cultural and everyday context – relations with customers, conditions and terms of his work. A wide range of archival material has been involved, for instance, the engraver’s correspondence with collectors P.A. Efremov and S.P. Vinogradov.
Для цитирования:
Павлова Н.В. Гравер И. П. Пожалостин (1837–1909) как мастер портрета // Academia. 2022. № 2. С. 185–200. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-2-1-185-200
Образа Ивана Ивановича Бельского для церкви Рождества Христова на Песках в Санкт-Петербурге. Не ранее 1789 – не позднее 1792
Аннотация
В феврале – марте 2020 года в Русском музее была открыта выставка «Художники Бельские», приуроченная к 300-летию Ивана Ивановича Бельского (6 января 1719 – 13 января 1799) и 290-летию его младших братьев – Алексея Ивановича (1729 – 21 мая 1796) и Ефима Ивановича (1730 – 28 ноября 1778) Бельских. Выставка стала одной из первых попыток обращения к творчеству почти забытых художников XVIII столетия.
На выставке впервые экспонировались образа, исполненные Иваном Бельским для церкви Рождества Христова на Песках в Санкт-Петербурге. В процессе подготовки к выставке были обнаружены документы, позволившие воссоздать историю всех трех иконостасов Рождественской церкви, доказать авторство Ивана Бельского в написании иконостаса придела Рождества Богородицы и главного Рождественского иконостаса, а также выявить историю бытования образов после перестройки церкви Рождества Христова в середине XIX века. Ведущим реставратором Русского музея Н.Е. Романовой была проведена масштабная реставрация почти всех произведений живописцев Бельских из собрания Русского музея.
Abstract
In February – March 2020 in the Russian Museum an exhibition was opened, called “The Belsky Artists”, dedicated to the 300th anniversary of Ivan Ivanovich Belsky (January 6, 1719 – January 13, 1799) and the 290th anniversary of his younger brothers – Alexey Ivanovich (1729 – May 21, 1796) and Efim Ivanovich (1730 – November 28, 1778) Belsky. The exhibition was one of the first attempts to deal with the works of almost forgotten artists of the 18th century.
The exhibition for the first time presented images executed by Ivan Belsky for the Church of the Nativity of Christ on Peski (on Sands) in St Petersburg. Preparing for the event, the researchers discovered that allowed to recreate the history of all three iconostases of the Nativity Church, to prove the authorship of Ivan Belsky in creating the iconostasis of the Nativity of the Virgin and the Nativity (Rozhdestvensky) main iconostasis, as well as to reveal the history of the existence of images after the reconstruction of the Church of the Nativity in the middle of the 19th century.
Almost all of Ivan Belsky’s oeuvres from the collection of the Russian Museum were fully restored by the leading specialist Natalia Romanova, which undoubtedly helped to develop a more precise understanding of the painter’s artistic manner.
Для цитирования:
Моисеева С.В. Образа Ивана Ивановича Бельского для церкви Рождества Христова на Песках в Санкт-Петербурге. Не ранее 1789 – не позднее 1792 // Academia. 2022. № 2. С. 152–163. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-2-1-152-163
Международная научная конференция «Пейзаж в русском искусстве второй половины XIX – начала XX века. Эволюция жанра»
Аннотация
В статье дается краткий аналитический обзор целей и итогов Международной научной конференции «Пейзаж в русском искусстве второй половины XIX – начала XX века. Эволюция жанра». Главная задача научного мероприятия состоит в отслеживании изменений образного строя пейзажного жанра под влиянием стилистических и эстетических тенденций времени. Актуальность концепции подчеркивается многоаспектностью проблематики, давно не поднимавшейся на уровне масштабных научных дискуссий, а так же в связи с 150-летием со дня рождения Витольда Каэтановича Бялыницкого-Бирули (1872–1957) и проведением в Музейно-выставочном комплексе Российской академии художеств персональной экспозиции мастера (18 мая – 26 июня 2022 года), инициированной Национальным художественным музеем Республики Беларусь.
Abstract
The article is a brief analytical review of the aims and results of the International scientific conference “Landscape in Russian Art in the Second Half of the 19th and Early 20th Centuries. Evolution of the genre”. The main aim of this academic event was to trace the changes in the imagery of the landscape genre under the influence of the stylistic and aesthetic trends of the time. The concept of the conference was not only relevant due to the multifaceted nature of the issue, which has not been discussed on a large scale for a long time, but also due to the connection with other significant events of the year – the 150th anniversary of Vitold Kaetanovich Byalynitsky-Birulya (1872–1957) and holding a personal exhibition of the master (May 18 – June 26, 2022) in the Museum and Exhibition Complex of the Russian Academy of Arts initiated by the National Art Museum of the Republic of Belarus.
Для цитирования:
Давыдова О.С. Международная научная конференция «Пейзаж в русском искусстве второй половины XIX – начала XX века. Эволюция жанра» // Academia. 2022. № 2. C. 240–246. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-2-1-240-246
Ключевые слова
Гавриил Сергеев. Виды Стамбула 1793–1794 годов в собрании Угличского музея
Аннотация
Двенадцать акварелей топографа и видописца Гавриила Сергеева из Угличского музея написаны во время его службы в составе Чрезвычайного посольства М.И. Кутузова в Стамбул (1793–1794). Четыре из них стали дополнением к отчетной карте с отметками разведывательного характера. Вместе с тем акварели имеют бесспорное художественное значение и свое место в русле развития отечественного пейзажа. Соединение служебных задач и заданного ими пленэрного подхода с опытом освоения академической традиции и живым увлечением Востоком делают работу художника чрезвычайно привлекательным для пристального изучения объектом.
Abstract
Twelve watercolours by the topographer and videographer Gavriil Sergeev from the Uglich Museum were made during his serving in the Extraordinary Embassy of M.I. Kutuzov to Istanbul (1793–1794). Four of them were added to the report card with the marks of intelligence nature. At the same time these watercolours are of remarkable artistic significance. Their role in the development of the Russian landscape is indisputable. The combination of official tasks and the plein air approach set by them with the experience in mastering the academic tradition and passion for everything East make the artist's work an extremely attractive object for the close study.
Для цитирования:
Кистенева С.В. Гавриил Сергеев. Виды Стамбула 1793–1794 годов в собрании Угличского музея // Academia 2022. № 2. С. 164–174. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-2-1-164-174
Ключевые слова
Домовая резьба как поле взаимодействия народного творчества и искусства «больших» стилей
Аннотация
Статья посвящена вопросу взаимодействия народного творчества и профессионального искусства в городской культуре второй половины XIX – начала XX века. На примерах домовой резьбы западносибирских городов (Тюмень, Тобольск, Тара, Томск, Барнаул, Омск, Курган, Новосибирск) автор рассматривает использование элементов стилевой архитектурной декорации каменных зданий в резном декоре деревянной застройки. Отмечается, что чаще всего мастера-резчики обращались в качестве источников к стилям барокко, русскому стилю Ропета-Гартмана и модерн, перерабатывали их декоративные мотивы и создавали резные композиции, отмеченные оригинальностью и высоким качеством исполнения.
Abstract
The article is dedicated to the interaction between professional art and folk art in the city culture of the second half of the XIX – the beginning of the XX century. Choosing as an example the wooden houses preserved in West Siberian cities (Tyumen, Tobolsk, Tara, Tomsk, Barnaul, Omsk, Kurgan, Novosibirsk) the author examines the use of decorative stylistic features of stone buildings in wooden architecture constructed as part of mass city development. It is accentuated that master craftsmen often turned for inspiration to Baroque, Art Nouveau and Russian Ropet-Gartman styles, transforming their decorative motives and creating carved compositions marked by originality and high quality of workmanship.
Для цитирования:
Чуйко Л.В. Домовая резьба как поле взаимодействия народного творчества и искусства «больших» стилей // Academia. 2022. № 2. С. 211–219. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-2-1-211-219
Художник вне стиля
Аннотация
Тематическая серия статей «Художник вне стиля» авторов Артамоновой М.М., Арутюнян Ю.И., Карева А.А., Кистеневой С.В., Моисеевой С.В., Павловой Н.В., Усачевой С.В., Чуйко Л.В., посвящена исследованию различных аспектов отечественной художественной культуры от эпохи Просвещения до модерна все стилевой принадлежности.
Abstract
The thematic series of articles “Artist is beyond style. Introduction” by the authors Artamonova M.M., Arutyunyan J.I., Kareva A.A., Kisteneva S.V., Moiseeva S.V., Pavlova N.V., Usacheva S.V., Chuiko L.V., is devoted to the study of various aspects of national artistic culture from Enlightenment to Modernity of outside of style affiliation.
Для цитирования:
Усачева С.В. Художник вне стиля // Academia. 2022. № 2. С. 141–142. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-2-1-141-142
Живописец и скульптор в России XVIII века. Проблемы взаимодействия
Аннотация
Обращение к проблемам взаимодействия живописца и скульптора в России XVIII века мыслится как часть более общей темы, посвященной межвидовым контактам живописи и скульптуры в эпоху Просвещения. Отношение в обществе к разным видам искусства распространялось и на их представителей. Единым полем нередко был интерьер, когда живописец-монументалист и скульптор-декоратор являлись соавторами изобразительной части ансамбля. С открытием Академии художеств актуальными становятся темы иерархии знатнейших художеств и профессиональной миссии представителей каждого из видов изобразительных искусств. Одновременно в пособиях и художественных трактатах обсуждаются пути решения общих для живописца и скульптора задач, необходимость совместных усилий в воспроизведении убедительных примеров героизма ради Славы Российской и добродетельного бытия.
Abstract
Consideration of the interaction issues between painter and sculptor in 18th century Russia is perceived as part of the connections between painting and sculpture in the Age of Enlightenment. The way in which society values the importance of different kinds of art was passed on to their representative artists themselves. Since the beginning of the 18thcentury, new opportunities for cooperation developed, including in secular decorative theme, where muralist and sculptor-decorator were co-authors of the visual part of the ensemble. With the opening of the Academy of Fine Arts, the issues of hierarchy of the most notable arts and the professional mission of representatives of each of the types of fine arts became essential. At the time, manuals and art treatises dealt with ways to resolve tasks common to painter and sculptor, the need for joint efforts to reproduce convincing examples of heroism for the sake of Russian Glory and virtuous existence.
Для цитирования:
Карев А.А. Живописец и скульптор в России XVIII века. Проблемы взаимодействия // Academia. 2022. № 2. С. 143–151. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-2-1-143-151
Ключевые слова
Стилистический симбиоз как основа художественного метода Е.В. Честняков
Аннотация
В статье прослеживается связь иконографической системы Е.В. Честнякова (1874–1961) с североевропейской романтической традицией конца XIX века, в частности с творчеством шведской художницы Викен фон Пост Бёрьесон Тоттен (1886–1950). Тематика работ Честнякова строится на фольклоре и этнографии родного Кологривского края, а пластический метод основывается на канонах неоромантического искусства. Примитивизм, выбранный как вектор творческого пути, объединяет два этих начала и порождает стилистический симбиоз, который и становится основой художественного метода Честнякова на многие годы.
Abstract
The article traces the connection between the iconographic system of Efim Vasilievich Chestnyakov’s artworks and the Northern European Romantic tradition of the late 19th century, in particular the artworks by the Swedish artist Vicken von Post Börjeson Totten. The researcher concludes that the themes of Chestnyakov’s works are based on the folklore and ethnography of his native Kologriv region, and his visual method is rooted in the principles of neo-romantic art. These two lines are connected through the primitivist approach that is chosen as a vector of a creative path. This approach gives rise to stylistic symbiosis which becomes the basis of the author’s artistic method.
Для цитирования:
Артамонова М.А. Стилистический симбиоз как основа художественного метода Е.В. Честнякова // Academia. 2022. № 2. С. 201–210. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-2-1-201-210
Ключевые слова
«Сельские праздники» Ивана Танкова
Аннотация
Статья посвящена произведениям И.М. Танкова (Тонкова), чье творчество во многом остается загадкой в истории русской живописи последней трети XVIII века. Содержание произведений художника, именуемых «сельские праздники», до сих пор не расшифровано, их стилистические особенности выходят за рамки магистрального развития пейзажного жанра. Связь картин Танкова с усадебной культурой и бытом позволяет предположить первоисточники живописных фантазий художника: театрализованные представления в усадьбах Демидовых в Сиворицах и Тайцах, расположенных неподалеку от Петербурга. Сопоставление работ Танкова и его современника, пейзажиста Семена Федоровича Щедрина показывает стилистическую разнонаправленность пейзажного жанра в эпоху классицизма. Романтические тенденции в видописи перемежаются с традициями буколического ландшафта предшествующих эпох. В статье делается вывод об образной трансформации в работах Танкова живописных образцов и реальных впечатлений в духе искусства барокко.
Abstract
The article is devoted to the works of Ivan Tankov (Tonkov), whose oeuvre remains a mystery in the history of Russian painting of the last third of the 18th century. The content of the artist’s creations, called “rural festivitiesˮ, has not yet been deciphered, as their stylistic features go beyond the mainstream development of the landscape genre.
The connection of Tankov’s paintings with the manor culture and everyday life of a country estate suggests as the primary sources of the artist’s pictorial fantasies: the theatrical performances in the Demidovs estates Sivoritsy and Taitsy, located not far from St Petersburg. Comparison of the works by Tankov and by his contemporary, the landscape painter Semion Shchedrin, shows the stylistic multidirectionality of the landscape genre in the era of classicism. Romantic tendencies in scenery painting are intertwined with traditions of a bucolic landscape.
The article concludes that in Tankov’s works pictorial models and real-life impressions are fused together in the spirit of Baroque art.
Для цитирования:
Усачева С.В. «Сельские праздники» Ивана Танкова // Academia. 2022. № 2. С. 220–228. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-2-1-220-228
2022 / 1
Уильям Тёрнер: к вопросу об источниках темы радуги в творчестве Константина Сомова
Аннотация
В статье рассмотрен вопрос о влиянии пейзажей Уильяма Тёрнера с изображением радуги на пейзажи Константина Сомова также с изображением радуги конца 1890-х – середины 1920-х годов. Выявлено, что большую роль в его увлечении искусством Тёрнера сыграли непосредственные впечатления от его картин, полученные в Лондоне. Благодаря им Сомова увлекла задача передачи в пейзаже радуги как атмосферного явления. Также выявлены письменные источники - труды Рёскина и Мутера, подготовившие его интерес к этому мастеру еще в Петербурге. Автор пришел к выводу, что Сомова интересовал живописный метод Тернера передачи радуги.
Abstract
The article examines the influence of William Turner's landscapes depicting a rainbow on the landscapes of Konstantin Somov also depicting a rainbow of the late 1890s - mid 1920s. It is revealed that direct impressions from his paintings received in London played a large role in his passion for Turner's art. Thanks to them, Somov was carried away by the task of conveying a rainbow in a landscape as an atmospheric phenomenon. Also revealed are written sources - the works of John Ruskin and Richard Muter prepared his interest in this master back in St. Petersburg.
Для цитирования:
Завьялова А.Е. Уильям Тёрнер: к вопросу об источниках темы радуги в творчестве Константина Сомова // Academia. 2022. № 1. С. 26–33. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-1-1-26-33
Мир детства в журнале «Мир искусства» (1898-1904)
Аннотация
В статье рассматривается то, как раскрывается в журнале «Мир искусства» актуальная для культуры конца XIX начала XX столетий тема детского мира и его взаимосвязи с «Я» художника. Мир детства проявляет себя в виде репродукций, демонстрирующих симпатии издателей к детским образам тех или иных авторов. Изображения мальчиков и девочек появляются как иллюстрации к литературным текстам, в которых говорится о новом искусстве и разладе «детей упадка» с «отцами» – передвижниками и академистами. Детскость как сходство художника с ребенком становится важнейшей характеристикой, которую используют авторы публикаций для утверждения мысли о новаторстве и оригинальности.
Abstract
The article is devoted to the peculiarities of the functioning of the theme of childhood and its relationship with the inner world of artists of the late XIX – early XX centuries in the journal “World of Art”. The author believes that the children's topic in the magazine was expressed in various forms. The children’s theme is presented in the form of reproductions that demonstrate the publishers’ sympathy for the images of the children of certain artists. Children's images appear as illustrations for the Literary Department. In the location and content of images with children, there is a connection with the text, which refers to the “modern art” and the dispute between modern artists and the previous generation of authors. The resemblance of the artist to the child also became the most important characteristic for affirming his innovation, proximity to the views and tastes of the creators of the magazine.
Для цитирования:
Абдуллина Д.А. Детский мир на страницах журнала «Мир искусства» (1898-1904) // Academia. 2022. № 1. С. 106–120. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-1-1-106-120
Графические традиции «Мира искусства» в раннем творчестве В.М. Конашевича
Аннотация
Задача статьи – конкретизировать и несколько скорректировать, казалось бы, бесспорное утверждение о приверженности одного из самых плодовитых отечественных художников-иллюстраторов В.М. Конашевича к графической традиции «Мира искусства». Влияние мастеров этого круга особенно наглядно проявилось в раннем творчестве Конашевича (1917–1922). Однако и в этот период художник не был эпигоном корифеев, использовал открытия старших товарищей для решения задач, лежавших вне круга их интересов, искал собственную стилистику. Опыты начинающего иллюстратора сопоставляются в статье с произведениями мэтров прославленного объединения, анализируются их высказывания о работах младшего коллеги, а также суждения Конашевича об эстетике «Мира искусства» и о собственном творческом пути.
Abstract
The purpose of the article is to concretize and somewhat correct the seemingly indisputable statement about the commitment of one of the most prolific Russian illustrators, V.M. Konashevich, to the graphic tradition of the “World of art”. The influence of the masters of this circle was particularly evident in the early work of Konashevich (1917-1922). However, even in this period, the artist was not the epigone of the luminaries, he used the discoveries of his older comrades to solve problems that lay outside the circle of their interests, he was looking for his own style. The article compares the experiences of the novice illustrator with the works of the masters of the famous association, analyzes their statements about the works of a younger colleague, as well as Konashevich's opinions about the aesthetics of the “World of аrt” and about his own creative path.
Для цитирования:
Фомин Д.В. Графические традиции «Мира искусства» в раннем творчестве В.М. Конашевича // Academia. 2022. № 1. С. 71–84. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-1-1-71-84