2024 / 1
Неоромантический пейзаж в творчестве Николая Дубовского
Аннотация
Николай Никанорович Дубовской (1859–1918) сыграл заметную роль в русском пейзажном искусстве конца XIX – начала XX века. Однако сегодня обширное наследие художника, несмотря на его высокий прижизненный авторитет, изучено далеко не в полной мере и мало известно широкому кругу зрителей. Цель статьи состоит в попытке выявить индивидуальные особенности подхода Дубовского к теме национального русского пейзажа, а также рассмотреть факторы, которые повлияли на становление мастера как художника неоромантического направления, по-своему воспринявшего достижения пленэрной живописи и использовавшего их для создания преимущественно панорамных, философских по содержательному наполнению пейзажей.
Abstract
Nikolai Dubovskoy (1859–1918) played a prominent role in Russian landscape art of the late 19th and early 20th centuries. However, today the artist’s extensive legacy, despite his high prestige in his lifetime, is almost unknown to a wide range of researchers. The goal of the article is to try to determine the features of Dubovskoy’s approach to the national Russian landscape. The author seems to consider the factors that influenced the formation of the master as an artist of the neo-romantic direction, who in his own way perceived the achievements of plein air painting and used them to create predominantly panoramic, philosophical landscapes.
Для цитирования:
Кузнецова М.В. Неоромантический пейзаж в творчестве Николая Дубовского // Academia. 2024. № 1. C. 166–179. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-166-179
К вопросу о своеобразии творческого метода Николая Крымова
Аннотация
В статье рассматривается творческий метод Николая Петровича Крымова (1884–1958) с позиции эволюции жанровых форм. В рамках жанровой системы Крымова можно с определенностью охарактеризовать как пейзажиста. Но сами эти рамки претерпевают трансформацию в искусстве символизма и модерна. Творческий метод Крымова можно рассматривать как своего рода вариант неоклассицизма. Он разрабатывает типологию объемно-пространственной композиции, подобно пуссеновским «модусам». Творчество Крымова сопоставимо с работами его современников-архитекторов, таких как И.А. Фомин или И.В. Жолтовский. Как эти мастера сумели добиться органичности в применении ордерных форм, так и Крымов, используя традиционно жанровую фабулу, строит собственную живописную архитектонику, проектируя разнообразные ансамбли на основе единой типологии композиционных приемов.
Abstract
The paper examines the creative method of Nikolay Petrovitch Krymov (1884–1958) viewed from the standpoint of the evolution of genre forms. Within the framework of the genre system, Krymov can be unambiguously characterized as a landscape artist. But these genre boundaries undergo some transformations in the art of Symbolism and Art Nouveau. Krymov’s creative method can be considered as a kind of neoclassical. He develops a typology of three-dimensional composition, like Poussin’s ‘modes’. Krymov’s creations could be compared to the works of his fellow architects such as Ivan Fomin or Ivan Zholtovsky. Just as these masters managed to achieve organic use of order forms, so Krymov, using the traditional genre plot, builds his own pictorial architectonics based on a single typology of compositional techniques.
Мережников А.Н., Стихина М.И. К вопросу о своеобразии творческого метода Николая Крымова // Academia. 2024. № 1. C. 102–116. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-102-116
Папка фотографий Беньямина Земаха: личные обстоятельства известных фотографий
Аннотация
Статья рассматривает ключевые вопросы современной практики атрибуции произведений из истории российской фотографии на примере атрибуции памятника «Папка Цемаха» из собрания Музея изобразительных искусств г. Хьюстона, США, а именно: возможность атрибутирования имен, уточнение датировок при перекрестно-сравнительном анализе памятников. В составе исследуемого памятника соединились произведения русских фотографов-художников 1920-х годов, принадлежавших к разным поколениям, но объединенных деятельностью в рамках «Искусства движения» и ГАХН. В статье очерчен метод построения перекрестного анализа произведений при атрибуции группы памятников. Атрибутированный памятник предстает источником для историков искусства, историков фотографии, истории русского театра, включая театр «Габима», для изучения преподавания метода Станиславского и русского балета в США. Также на основе проведенной атрибуции возникает возможность проведения физиогномической атрибуции героев фотографии с привлечением других памятников модернистской фотографии России и Германии 1920-х годов. «Папка Цемаха» позволяет проследить эволюцию представлений о героях русского балета в 1920-е−1930-е годы и маршруты эмиграции танцовщиков из Советской России в Западную Европу и США.
Abstract
The article examines key issues in the contemporary practice of attributing works from the history of Russian photography, using the example of attributing the so called “Zemach’s Folder” from the collection of the Museum of Fine Arts in Houston, USA. Specifically, it addresses the possibility of attributing names and refining dates through cross-comparative analysis of monuments. The set of the folder combines works of Russian photographers-artists from the 1920s, belonging to different generations but united by their activity within the Art of Movement and the State Academy of Arts (GAKhN). The article outlines the method of conducting cross-comparative analysis of works when attributing a group of monuments. The attributed monument serves as a source for art historians, historians of photography and historians of Russian theater, including the Habima Theater, for studying the teaching methods of Stanislavsky and Russian ballet in the USA. Moreover, based on the conducted attribution, there is an opportunity to perform physiognomic attribution of the characters in the photograph by involving other monuments of modernist photography in Russia and Germany from the 1920s. “The Zemach’s Folder” traces the evolution of perceptions of characters in Russian ballet in the 1920s−1930s and the routes of emigration of dancers from Soviet Russia to Western Europe and the USA.
Чмырева И.Ю. Папка фотографий Беньямина Цемаха: личные обстоятельства известных фотографий // Academia. 2024. № 1. С. 117−132. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-117-132
П.С. Коган и организация художественных выставок СССР в Италии в 1920-е годы
Аннотация
Фигура Петра Семеновича Когана, историка литературы и критика, президента Государственной академии художественных наук (ГАХН), в научных исследованиях рассматривается в контексте истории русской и западноевропейской литературы, истории Государственной академии художественных наук. До настоящего момента деятельность П.С. Когана в области организации международных выставок 1920-х годов не освещалась. В статье дана оценка вклада П.С. Когана в работу над выставками СССР в Италии в 1920-х годах. Основой для исследования послужили архивные документы Российского государственного архива литературы и искусства, которые публикуются впервые.
Abstract
The role of Pyotr Semenovich Kogan, a literary historian and critic, and the President of the State Academy of Arts Sciences (GAHN), is examined in scholarly research within the context of Russian and Western European literature history, as well as the history of the State Academy of Arts Sciences. Until now, Kogan’s involvement in organizing international exhibitions in the 1920s has not been extensively explored. The article evaluates Pyotr Semenovich Kogan’s contribution to the organization of Soviet exhibitions in Italy during the 1920s. The study is based on archival documents from the Russian State Archive of Literature and Art, which are being published for the first time.
Безрукова Н.Б. П.С. Коган и организация художественных выставок СССР в Италии в 1920-е годы // Academia. 2024. № 1. C. 133–139. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-133-139
Серия гравюр «Притча о добром самарянине» (1610‒1625) в «Theatrum biblicum» Класа Висхера (Библии Пискатора). Штрихи к истории раннего голландского пейзажа
Аннотация
В статье исследуется серия из четырех гравюр «Притча о добром самарянине» в составе увража «Theatrum biblicum» (1639, 1643, 1650, 1674), известного в России как «Библия Пискатора». Серия не привлекала к себе внимания исследователей. Как удалось установить, гравюры были выполнены в 1610–1625 гг. в мастерской братьев Ассуеруса и Яна Лондерзеел в Роттердаме. Обнаружено, что композиции гравюр серии скомбинированы из разных источников – пейзажи взяты из гравюр по оригиналам Яна Брейгеля Старшего и Пауля Бриля, выполненных членами известной семьи граверов Саделер: Эгидием II, Яном I, Рафаэлем I в 1590‑е годы, а фигуры персонажей – с гравюр работы Криспейна ван де Пассе I на тему той же притчи (1588–1589) по оригиналам Ханса Бола.
Abstract
The article examines a series of four engravings “The Parable of the Good Samaritan” as part of the theatrum biblicum (1639, 1643, 1650, 1674), known in Russia as the “Piscator Bible”. The series did not attract the attention of researchers. As we were able to establish, the engravings were made in 1610–1625 in the workshop of the brothers Assuerus and Jan Londerseel in Rotterdam. It was discovered that the compositions of the engravings of the series were combined from different sources ‒ the landscapes were taken from engravings based on the originals of Jan Brueghel the Elder and Paul Bril, madex by members of the famous Sadeler family of engravers: Aegidius II, John I, Raphael I in the 1590s, and the figures of the characters were taken from engravings by Crispijn van de Passe I on the theme of the same parable (1588–1589) based on the originals by Hans Bol.
Для цитирования:
Гамлицкий А.В. Серия гравюр «Притча о добром самарянине» (1610‒1625) в «Theatrum biblicum» Класа Висхера (Библии Пискатора). Штрихи к истории раннего голландского пейзажа // Academia. 2024. № 1. C. 7–17. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-7-17
Защита Лодыгина: пейзаж как компенсаторный механизм в жизни художника
Аннотация
Статья посвящена творческому пути художника Сергея Петровича Лодыгина (1892–1948) в послереволюционный период, участию в журнальных и книжных изданиях. В 1920-е годы он был признан одним из лучших в то время отечественных иллюстраторов. Новизна публикации – в акценте, поставленном на роли пейзажного жанра в творчестве Сергея Лодыгина. Диапазон творческого самовыражения художника показывает, что журнальная, книжная и плакатная графика мастера не являлись единственной сферой его интересов в искусстве. Не менее значим вклад художника в развитие русского пейзажа, послужившего для Лодыгина своеобразным психологическим ресурсом, помогавшим ему преодолевать тяготы и угрозы эпохи и сохранять собственную идентичность.
Abstract
The paper is devoted to the creative path of the artist Sergei Petrovich Lodygin (1892–1948) in the post-revolutionary period, his work in magazines and book publications. In the 1920s, he was recognized as one of the best Russian illustrators at that time. This particular publication focuses mainly on Lodygin’s landscape paintings. Analyzing the ups and downs of fate, the sources of the pictorial manner and what can be found from the relatively small artistic legacy of Lodygin that has survived to this day, the author shows that the artist’s magazine, book and poster graphics are not the only area of his interests in art. No less significant is the artist’s contribution to the development of Russian landscape, which served for Lodygin as a kind of psychological resource that helped him overcome the hardships and threats of the epoch and preserve his own identity.
Голубинов В.В.. Защита Лодыгина: пейзаж как компенсаторный механизм в жизни художника // Academia. 2024. № 1. C. 140–153. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-140-153
Роза и Крест Жозефена Пеладана
Аннотация
Сборник «Париж около 900-х. „Роза+Крест“ Жозефена Пеладана» является результатом коллективного труда участников Межинститутской научной группы «Европейский символизм и модерн» − известного сообщества ученых, деятельность которого продолжается в Москве уже 25 лет. Под обложкой собраны статьи, посвященные различным, в том числе малоизученным, явлениям и фактам парижской художественной жизни рубежа XIX−XX веков. Многое увидено под новым углом. Центральной темой являются выставки организованного Жозефеном Пеладаном Ордена, получившие название «Салон „Роза+Крест“» и долгие годы находившиеся на периферии научных интересов, но в последние годы вновь привлекшие внимание зарубежной и российской науки об искусстве. Пересмотр значения этих выставок, их содержание и влияние на художественную жизнь разных стран, а также широкий культурный и мировоззренческий контекст эпохи являются содержанием данного коллективного труда.
Abstract
The anthology “Paris circa 900s. “Rose+Cross” by Joséphin Péladan” is the result of collaborative work by members of the Interinstitutional Scientific Group “European Symbolism and Modernism” – a well-known community of scholars whose activities took place in Moscow for 25 years. Under the cover are gathered articles dedicated to various, including little-studied, phenomena and facts of the Parisian art life at the turn of 19th – 20th centuries. Much has been seen from a new perspective. The central theme is the exhibitions organized by Joséphin Péladan's Order, which were named ‘Salon “Rose+Cross”’ and for many years remained on the periphery of scholarly interests, but in recent years have once again attracted the attention of international and Russian art scholarship. Revisiting the significance of these exhibitions, their content, and their influence on the artistic life of different countries, as well as the broad cultural and ideological context of the era, are the subject of this collective work.
Флорковская А.К. Роза и Крест Жозефена Пеладана // Academia. 2024. № 1. C. 191–198. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-191-198
2023 / 4
Пейзаж в русском искусстве второй половины XIX – начала XX века. Эволюция жанра. Введение в проблематику
Аннотация
Статья посвящена концептуальному анализу эволюции пейзажного жанра в русском изобразительном искусстве второй половины XIX – начала XX века; поставлен и разносторонне исследован ключевой вопрос о взаимосвязи пейзажной поэтики с мировоззрением художников и эстетическими ориентирами времени, влияющими как на восприятие природы, так и на способы ее отражения в искусстве. В основе научно-практической базы лежат подвергнутые тщательному рассмотрению задачи, итоги и перспективы развития темы одноименной международной конференции «Пейзаж в русском искусстве второй половины XIX – начала XX века. Эволюция жанра» (16–17 мая 2022, Российская академия художеств, Москва), куратором которой был автор статьи.
Abstract
The article is devoted to the conceptual analysis of the multifaceted evolution of the landscape genre in Russian art in the second half of the 19th – early 20th century. The author poses and investigates in detail the key question of interrelationship of landscape poetics with the artists’ world view and aesthetic guidelines of the time influencing the perception of nature and its reflections in art. The academic and practical foundation of the article consists of the tasks, results and development prospects of the topic of the international conference with the same title “Landscape in Russian Art in the Second Half of the 19th – the Beginning of the 20th Century. Evolution of a Genre” (May 16–17, 2022, Russian Academy of Arts, Moscow), curated by the author.
Для цитирования:
Давыдова О.С. Пейзаж в русском искусстве второй половины XIX – начала XX века. Эволюция жанра. Введение в проблематику // Academia. 2023. № 4. C. 379–423. DOI: 10.37953/2079-0341-2023-4-1-379-423
«На что душа моя оглянется?..» Послесловие к выставке «Новый русский пейзаж. Диалог во времени»
Аннотация
Статья посвящена выставке Российской академии художеств и Московского музея современного искусства в рамках Второго фестиваля современного искусства в Ярославле «Новый русский пейзаж. Диалог во времени» (3 августа – 10 сентября 2023 года). В экспозиции были представлены более 200 произведений разных видов изобразительного искусства – от живописи, графики и скульптуры до видео и инсталляции.
Abstract
The article is dedicated to the exhibition organized by the Russian Academy of Arts and the Moscow Museum of Modern Art as part of the Second Festival of Contemporary Art in Yaroslavl titled “New Russian Landscape: Dialogue in Time” (August 3 – September 10, 2023). The exhibition featured over 200 works across various forms of visual arts, ranging from painting, graphics, and sculpture to video and installations.
Для цитирования:
Давыдова О.С. «На что душа моя оглянется?..» Послесловие к выставке «Новый русский пейзаж. Диалог во времени» // Academia. 2023. № 4. C. 577–585. DOI: 10.37953/2079-0341-2023-4-1-577-585
Опыт интерпретации пространственных моделей лесного пейзажа в книжной графике рубежа XIX–XX веков
Аннотация
В статье анализируются особенности построения и символики лесных сцен в книжной графике рубежа XIX–XX веков в их связи с избранными примерами интерпретации мотивов леса в истории искусства предшествующих периодов – позднего Средневековья, Возрождения, романтизма. На основе проведенного иконографического исследования автор статьи приходит к выводу, что темное пространство легендарного, сказочного, «дикого» леса в смысловом значении уподоблялось стене, завесе, границе «иного мира». В работе выделяется ряд устойчивых композиционных приемов изображения лесного пространства, отмечаются различия в трактовке образа леса в искусстве романтизма и символизма, делается акцент на психологической драматизации восприятия лесного пейзажа в книжной графике рубежа XIX–XX веков. Особое внимание уделяется анализу визуальных примет, к которым можно отнести расположение координатных осей лесного пространства, таких, как линия горизонта и тропа, отказ от изображения неба и акцентировка яруса древесных корней.
Abstract
The article analyses the peculiarities of construction and symbolic meaning of forest scenes in book graphics of the late 19th and early 20th centuries in their connection with the selected examples of the interpretation of forest motifs in the history of art of previous periods – the Late Middle Ages, the Renaissance and Romanticism. Iconographic research treats the dark space of the legendary “wild” forest in its spatial and semantic meaning as similar to a wall, a curtain, the boundary of the “other worldˮ. The paper highlights sustainable compositional techniques of forest imagery, and points out the differences in forest images of Romanticism and Symbolism emphasising the psychological dramatisation of perception of the woodland scenes in the book graphics of the turn of the 20th century. Particular attention is paid to the analysis of the location of the coordinate axes of forest space, such as the horizon line and the trail, refusal to depict the sky and emphasis on the tier of tree roots.
Для цитирования:
Мишачева И.В. Опыт интерпретации пространственных моделей лесного пейзажа в книжной графике рубежа XIX–XX веков // Academia. 2023. № 4. C. 528–553. DOI: 10.37953/2079-0341-2023-4-1-528-553
«Жанрист моря». Живопись А.П. Боголюбова двух французских периодов из собрания Государственного Русского музея
Аннотация
В статье рассматривается группа произведений пейзажиста и мариниста А.П. Боголюбова (1824–1896), выполненных в 1850-х–1880-х годах во Франции. Затрагиваются история бытования работ художника в Академии художеств, проблемы их датировки (в том числе, в связи с технологическими исследованиями). Предпринята попытка обозначить некоторые особенности живописного языка Боголюбова и эволюцию его представлений о задачах этюда.
Abstract
The article is devoted to the series of paintings by landscape and marine painter Alexey Bogolyubov (1824–1896), that were created in the 1850s – 1880s in France. The history of existence of the artist’s works at the Academy of Arts, the questions of their dating are mentioned (partly, as a result of technological examination). The article attempts to present some individual features of Bogolyubov pictorial language, and the evolution of his ideas on the oil sketches role.
Для цитирования:
Волошко А.В. «Жанрист моря». Живопись А.П. Боголюбова двух французских периодов из собрания Государственного Русского музея // Academia. 2023. № 4. C. 554–567. DOI: 10.37953/2079-0341-2023-4-1-554-567
Сергей Романович. Искусство и жизнь
Аннотация
Монография А.Н. Иньшакова «Сергей Михайлович Романович. Искусство и жизнь» (БуксМАрт, 2022) рассматривает творчество художника в широком контексте отечественного изобразительного искусства ХХ века. Автор глубоко исследовал эволюцию мировоззрения Романовича, его стилистические и эстетические предпочтения – от авангарда к идеям «Маковца» и фундаментальному мировому классическому наследию.
Abstract
The monograph by A.N. Inshakov, “Sergey Mikhailovich Romanovich: Art and Life” (BooksMArt, 2022), explores the artist’s work in the broad context of Russian visual arts in the 20th century. The author deeply investigates the evolution of Romanovich’s worldview, his stylistic and aesthetic preferences – from avant-garde to the ideas of “Makovets” and the fundamental world classical heritage.
Для цитирования:
Киселев М.Ф. Сергей Романович. Искусство и жизнь // Academia. 2023. № 4. C. 568–576. DOI: 10.37953/2079-0341-2023-4-1-568-576
Лодка как иконографический мотив и художественная метафора в живописи середины – второй половины XIX века
Аннотация
В статье рассматривается мотив лодок в реалистической и импрессионистической русской и зарубежной живописи XIX века. Изучая работы многих художников, можно создать визуальный ряд, демонстрирующий их привязанность к этому иконографическому мотиву. Среди русских мастеров, писавших лодки, в статье упомянуты А.П. Боголюбов, И.К. Айвазовский, И.И. Левитан, К.А. Коровин и другие. Творчество русских и зарубежных художников сопоставляется, и приводятся наглядные параллели между картинами тех и других (Шарль-Франсуа Добиньи, Эдуард Мане и др.). В задачу автора входит описание и анализ изобразительного материала – прослеживаются связи между технической, собственно живописной и культурно-антропологической составляющей в искусстве на примере иконографического и метафорического мотива лодки, разнообразного по трактовке внешней формы и скрытого нарратива.
Abstract
The article focuses on images of a boat in Russian and Western painting, especially Realism and Impressionism art. These trends were used by many painters whose creative activities are ready for academic research now. Exploring works by these masters one can compose a kind of visual series in order to demonstrate Realists’ and Impressionists’ enthusiasm for boat imagery. Among the former there are mentioned A. Bogoliubov, I. Aivazovskii, I. Levitan, K. Korovin, and others. Among French painters there are Charles-François Daubigny, Édouard Manet, and others. The author’s aim is both to describe boat as a motif in the painting, and to define connections of technical, pictorial, and culturally anthropological aspects of a piece of art exemplifying an image of boat full of iconological and metaphorical contents, and showing difference of forms and narratives it has.
Для цитирования:
Самохин А.В. Лодка как иконографический мотив и художественная метафора в живописи середины – второй половины XIX века // Academia. 2023. № 4. С. 457–467. DOI: 10.37953/2079-0341-2023-4-1-457-467
Ночные городские пейзажи в творчестве русских художников конца XIX – начала XX века. Иконографические заметки
Аннотация
В статье рассматриваются малоизученные аспекты творчества русских художников эпохи модерна, связанные с изображением городских пейзажей с ночным освещением. Образ ночного города привлекал многих мастеров рубежа XIX–XX веков, воспевавших огни Парижа (К.А. Коровин, Н.А. Тархов), белые ночи, фейерверки, а также непарадные стороны жизни Петербурга (художники объединения «Мир искусства»), иллюминацию Московского Кремля во время коронации Александра III и Николая II (В.И. Суриков, И.И. Левитан). Как в литературе того времени, так и в изобразительном искусстве обращение к мотиву ночи было связано со смещением акцентов в привычном, будничном восприятии города. Благодаря контрасту естественного лунного и искусственного электрического освещения, в живописи начинает острее звучать тема соотношения природного и человеческого начал, присущая городским пейзажам в целом. Во многих произведениях с ночным освещением архитектурные и ландшафтные особенности конкретного места подчеркнуты, в других же созданный образ обобщен, а скрадывающая форму и цвет ночная тьма стирает различия между городами.
Abstract
The article examines understudied aspects of the work of Russian artists of the modern era related to the depiction of urban landscapes with nighttime lighting. The image of the nocturnal city attracted many masters at the turn of the 19th and 20th centuries, who celebrated the lights of Paris (Konstantin Korovin, Nicolas Tarkhoff), the white nights, fireworks, as well as the non-parade aspects of life in St Petersburg (artists of the “World of Art” association), the illumination of the Moscow Kremlin during the coronation of Alexander III and Nicholas II (Vasily Surikov, Isaak Levitan). Both in the literature of that time and in the visual arts, the appeal to the motif of the night was associated with a shift in emphasis in the habitual, everyday perception of the city. Thanks to the contrast between natural moonlight and artificial electric lighting, the theme of the relationship between the natural and the human elements inherent in urban landscapes as a whole began to resonate more sharply in painting. In many works with nighttime lighting, the architectural and landscape features of a specific place are emphasized, while in others, the created image is generalized, and the obscuring form and color of the nocturnal darkness blur the distinctions between cities.
Для цитирования:
Манучарова Д.А. Ночные городские пейзажи в творчестве русских художников конца XIX – начала XX века. Иконографические заметки // Academia. 2023. № 4. C. 468–485. DOI: 10.37953/2079-0341-2023-4-1-468-485
Музейно-выставочная презентация творчества В.К. Бялыницкого-Бирули в контексте эволюции пейзажного жанра
Аннотация
В статье проведен аналитический обзор лирико-поэтических произведений художника, представленных в мемориальном музее В.К. Бялыницкого-Бирули (Могилев) – филиале Национального художественного музея Республики Беларусь (Минск). На примере постоянной экспозиции «Искусство В.К. Бялыницкого-Бирули первой половины ХХ века» рассмотрена музейно-выставочная презентация творчества В.К. Бялыницкого-Бирули в контексте эволюции пейзажного жанра. В описываемом экспозиционном пространстве художественная ценность пейзажей рассматривается в органичном единстве творчества и мировоззрения мастера на фоне общих эстетических тенденций его эпохи. Особое внимание в статье уделено анализу содержательной стороны искусства В.К. Бялыницкого-Бирули, исследованию его индивидуальной художественной концепции.
Abstract
The article provides an analytical review of the lyrical and poetic works of the artist, presented at the Vitold K. Bialynitsky-Birulya Memorial Museum (Mogilev). Using the permanent exposition “The Art of Vitold K. Bialynitsky-Birulya of the first half of the 20th century” as an example, the museum and exhibition presentation of the works of Vitold K. Bialynitsky-Birulya is examined in the context of the evolution of the landscape genre. The artistic value of the landscapes is considered in the organic unity of the master`s creative work and worldview against the backdrop of the general aesthetic tendencies of his era. The article pays special attention to the analysis of the content side of Vitold K. Bialynitsky-Birulya`s art, exploring his individual artistic concept.
Для цитирования:
Строгина С.В. Музейно-выставочная презентация творчества В.К. Бялыницкого-Бирули в контексте эволюции пейзажного жанра // Academia. 2023. № 4. C. 498–512. DOI: 10.37953/2079-0341-2023-4-1-498-512
О романтических тенденциях в русской пейзажной живописи второй половины XIX века (А.К. Саврасов, Ф.А. Васильев, А.И. Куинджи)
Аннотация
В статье на примере творчества живописцев А.К. Саврасова, Ф.А. Васильева, А.И. Куинджи рассматриваются неослабевающие тенденции романтического направления в искусстве второй половины XIX века. Использование стилистики романтизма мастерами позитивистской эпохи свидетельствует о преемственности и непрерывности процесса развития искусства. Индивидуальность каждого из пейзажистов убеждает в том, что в их художественной практике происходит не схоластическое заимствование отдельных приемов языка романтиков, но его творческое развитие, питающее одновременно искусство следующих эпох и направлений.
Abstract
The paper discusses the works of A.K. Savrasov, A.F. Vasiliev and A.I. Kuindzhi aiming to explore romantic trends ever present in the art of the second half of the 19th century. The use of romantic style by positivistic masters evidences continuity in the evolution of the artistic process. Artists’ unique individuality suggests that they did not scholastically borrow certain expressive devices from their precursors, but creatively developed romantic techniques, empowering the evolution of art by further schools and generations.
Для цитирования:
Чурак Г.С. О романтических тенденциях в русской пейзажной живописи второй половины XIX века (А.К. Саврасов, Ф.А. Васильев, А.И. Куинджи) // Academia. 2023. № 4. C. 424–446. DOI: 10.37953/2079-0341-2023-4-1-424-446
Переустройство мира красотой: пейзаж в творчестве Елены Киселевой. Введение в тему
Аннотация
Статья посвящена творчеству воронежской художницы Елены Андреевны Киселевой (1878–1974) – не очень широко известной, но яркой и самобытной представительницы искусства рубежа XIX–XX веков. В тексте предпринята попытка проанализировать место пейзажа в живописи и графике художницы, работавшей преимущественно в жанре портрета. На примере вариативных особенностей создаваемых Киселевой образов природы автор стремится показать единство лежащей в их основе общей задачи – стремления художницы переустроить мир на холсте согласно творческой логике Красоты, доминирующей эстетической категории искусства модерна. Именно на дореволюционном периоде как истоке и расцвете творческого метода художницы, а также наиболее тесно связанном с ним раннем периоде эмиграции (1920-е) сделан акцент в данной работе.
Abstract
The article is dedicated to the oeuvre of the Voronezh artist Elena Andreevna Kiselyova (1878–1974), not widely known but vivid and original representative of the art of the late 19th and early 20th centuries. The text attempts to analyze the place of landscape in the paintings and graphics of the artist, who primarily worked in the portrait genre. Using the variational features of Kiselyova’s created natural images as an example, the author seeks to demonstrate the unity underlying their common task – the artist’s endeavor to remake the world on canvas according to the creative logic of Beauty, the dominant aesthetic category of the Art Nouveau era. This work primarily focuses on the pre-revolutionary period as the source and flourishing time of the artist’s creative method, as well as the early period of her emigration (1920s) closely associated with it.
Для цитирования:
Хруслова Н.Л. Переустройство мира красотой: пейзаж в творчестве Елены Киселевой. Введение в тему // Academia. 2023. № 4. C. 486–497. DOI: 10.37953/2079-0341-2023-4-1-486-497
Картины и открытки В.К. Бялыницкого-Бирули в коллекции С.Н. Горшина
Аннотация
В статье рассматривается история приобретения картин В.К. Бялыницкого-Бирули советским коллекционером С.Н. Горшиным. На основе его частного собрания, включающего произведения живописи и графики XIX–XX веков, в 1993 году была открыта Химкинская картинная галерея. С.Н. Горшин собрал около 300 произведений русского реалистического искусства, из них 33 работы принадлежат кисти белорусского художника. Главным источником визуальной информации для изучения творчества художников стали для Горшина открытки-репродукции. Он собрал около 20 тысяч дореволюционных и советских открыток. Именно по ним коллекционер безошибочно определял авторство оригинального произведения при его покупке. В тексте приводятся конкретные примеры приобретений картин по открыткам.
Abstract
The article examines the history of the acquisition of paintings by V.K. Bialynitsky-Birulya by the Soviet collector S.N. Gorshin. Based on his private collection, which included paintings and graphics from the 19th to the 20th century, Khimki Art Gallery was opened in 1993. S.N. Gorshin assembled around 300 works of Russian realistic art, of which 33 works belong to the brush of the Belarusian artist. Postcards-reproductions became the main source of visual information for Gorshin to study the works of the artists. He collected around 20,000 pre-revolutionary and Soviet postcards. It was precisely through them that the collector unmistakably determined the authorship of the original work when making a purchase. The text provides specific examples of painting acquisitions based on postcards.
Для цитирования:
Самбур М.В. Картины и открытки В.К. Бялыницкого-Бирули в коллекции С.Н. Горшина // Academia. 2023. № 4. C. 513–527. DOI: 10.37953/2079-0341-2023-4-1-513-527
Неизвестные пейзажи русских живописцев середины XIX века в собрании финского Ново-Валаамского монастыря
Аннотация
Статья посвящена исследованию пейзажей русских художников середины XIX века из собрания Ново-Валаамского монастыря в Финляндии. Уникальность сохранившейся коллекции заключается в том, что она, являясь ценнейшим дополнением представлений о натурной работе отечественных живописцев на Валааме, до недавнего времени не имела научного описания и не экспонировалась на территории Российской Федерации.
Abstract
Article is devoted to the study of landscapes by Russian artists of the mid-19th century from the collection of the New Valaam Monastery in Finland. The unique miraculously preserved collection was the most valuable addition to the ideas about the domestic painters’ work from nature on Valaam, and until recently it had no scientific description and has not been exhibited on the territory of the Russian Federation.
Для цитирования:
Кривонденченков С.В. Неизвестные пейзажи русских живописцев середины XIX века в собрании финского Ново-Валаамского монастыря // Academia. 2023. № 4. C. 447–456. DOI: 10.37953/2079-0341-2023-4-1-447-456
2023 / 3
Статья А.В. Бакушинского «Выставка произведений В.Н. Чекрыгина» в журнале «Русское искусство» как основа для искусствоведческого осмысления
Аннотация
В статье предпринят анализ художественных аспектов творческой деятельности В.Н. Чекрыгина на основе статьи А.В. Бакушинского «Выставка произведений В.Н. Чекрыгина в журнале «Русское искусство» (1923). Автор обращает внимание на специфику исследовательского подхода критика в определении индивидуального стиля художника, связанную с отражением социокультурных явлений времени, с характером процесса его работы над серией рисунков «Воскрешения мертвых» и обоснованием проблематики существования противоречивых стилистических тенденций в данных произведениях.
Abstract
The article undertakes an analysis of the artistic aspects of V.N. Chekrygin’s creative activity based on the article by A.V. Bakushinsky, “Exhibition of works by V.N. Chekrygin”, in the magazine “Russian Art” (1923). The author highlights the specificity of the critic’s research approach in defining the artist’s individual style, linked to the reflection of socio-cultural phenomena of the time, the nature of the artist’s process in creating the series of drawings “Resurrection of the dead” and the substantiation of the problematic nature of coexisting contradictory stylistic tendencies in these works.
Для цитирования:
Слеп Д.В. Статья А.В. Бакушинского «Выставка произведений В.Н. Чекрыгина» в журнале «Русское искусство» как основа для искусствоведческого осмысления // Academia. 2023. № 3. С. 318−325. DOI: 10.37953/2079-0341-2023-3-1-318-325
Ленинградская школа и критика концепции «третьего пути»
Аннотация
В статье рассматривается полемика вокруг понятий «ленинградская школа» и «третий путь» развития ленинградского изобразительного искусства, возникшая в первой половине 1970-х годов в кругу ведущих ленинградских искусствоведов и не утратившая своей актуальности до сегодняшнего дня. Позиция и аргументы некоторых участников заочной дискуссии представлены на основе источников, дана критическая оценка отдельных тезисов, в частности, так называемой концепции «третьего пути». Обобщена связь подходов к определению понятия «ленинградской школы живописи» с реальной художественной практикой 1930–1990-х годов.
Abstract
The article deals with the controversy around the concepts of “Leningrad school” and “Third way” of the development of the Leningrad fine arts, which arose in the first half of the 1970s among the leading Leningrad art critics and has not lost its relevance. The position and arguments of some participants in the correspondence discussion are presented on the basis of sources, as well as a critical assessment of some individual theses, in particular, the so-called “third way” concept. The paper focuses on connection of approaches to the definition of the concept of the “Leningrad school of painting” with the real artistic practice of the 1930–1990s.
Для цитирования:
Иванов С.В. Ленинградская школа и критика концепции «третьего пути» // Academia. 2023. № 3. С. 287−293. DOI: 10.37953/2079-0341-2023-3-1-287-293
Литературно-критические журналы «На посту» и «На литературном посту» о художественных выставках и художественном творчестве первого пореволюционного десятилетия
Аннотация
В статье анализируются опубликованные на страницах журналов «На посту» и «На литературном посту» рецензии на книжную графику, обзоры выставок скульптуры и живописи, проходившие в годы восстановительного периода до начала эпохи реконструкции (1923–1927). Показан процесс выработки пролетарской художественной критикой понятийного аппарата, призванного служить описанию и интерпретации классового содержания произведений изобразительного искусства. Отмечен параллелизм формирующегося в первой половине нэпа литературного и художественного критического инструментария, зависимость пролетарских художественных критиков от идеологической повестки литературных критиков-напостовцев, что объясняется единством актуальной задачи – необходимостью создать искусство и науку, годные для восприятия и культурного воспитания широких трудящихся масс.
Abstract
The article analyzes the reviews of book graphics published on the pages of the magazines “Na Postu” and “Na Literaturnom Postu”, reviews of exhibitions of sculpture and painting that took place during the restoration period before the beginning of the reconstruction era (1923‒1927). The process of developing a conceptual apparatus by proletarian art criticism, designed to serve as a description and interpretation of the class content of works of fine art, is shown. The author notes the parallelism of the literary and artistic critical ideological tools formed in the first half of the New Economic Policy (1921–1928). The dependence of proletarian art critics on the ideological agenda of literary critics of the Na Postu magazines is explained by the urgent task, which was the need to create art and science suitable for the perception and cultural education of the broad working masses.
Для цитирования:
Гусейнов В.Н. Литературно-критические журналы «На посту» и «На литературном посту» о художественных выставках и художественном творчестве первого пореволюционного десятилетия // Academia. 2023. № 3. С. 341–353. DOI: 10.37953/2079-0341-2023-3-1-341-353
Три вектора художественной критики в СССР. 1970-е
Аннотация
1970-е годы в Советском Союзе считаются временем стагнации и застоя. Тем не менее это десятилетие оказалось наполнено креативными, противоречивыми культурными событиями и работами их талантливых участников. В периодической печати, специализированных журналах, рукописных изданиях обзорные и критические статьи отличались различными оценками художественных событий. Марксистско-ленинская критика, с 1930-х годов отрегулированная властями под единый шаблон, теряла свою однородность. В результате в 1970-х обозначилось три основных вектора критической мысли в СССР: директивный, коммуникативный, нонконформистский. Статья посвящена анализу каждого из направлений художественной критики того периода.
Abstract
1970s in the Soviet Union are considered as a time of stagnation and stasis. Nevertheless, this decade was full of creative, controversial cultural events and excellent works of their talented participants. The review and critical articles from the periodicals, specialized magazines and hand-written materials differed in various assessments of artistic events. The Marxist-Leninist critique, adjusted into a single mould since 1930s, was losing its uniformity. As a result, in 1970s the three major vectors of the critical thought emerged in the USSR: prescriptive, communicative and informal. The article is devoted to the analysis of each direction of art criticism of that period.
Для цитирования:
Юрасовская Н.М. Три вектора художественной критики в СССР. 1970-е // Academia. 2023. № 3. С. 279−286. DOI: 10.37953/2079-0341-2023-3-1-279-286
Ключевые слова
Художественная критика на страницах газеты «За социалистический реализм»
Аннотация
В 1930-е–1950-е годы в Ленинграде существовало совершенно уникальное издание ‒ газета «За социалистический реализм», которая была печатным органом Всероссийской Академии художеств (ВАХ), а затем органом партбюро, дирекции, парткома, месткома и комитета ВЛКСМ Института имени И.Е. Репина Академии художеств СССР. Она выходила с 1934 до 1941 года, а затем ее издание возобновилось в 1945 году и просуществовало до 1954 года. На страницах газеты отражались все крупнейшие события ВАХ этого периода, связанные как с культурными стратегиями советского государства, так и с внутренней жизнью Академии. Проблемы искусства и критики обсуждались в разного рода публикациях, сделанных искусствоведами, художниками и педагогами. Среди авторов этого времени, представленных на страницах газеты, были И.И. Бродский, А.М. Герасимов, Э.Ф. Голлербах, И.Э. Грабарь, С.К. Исаков, Б.В. Иогансон, А.Л. Каганович, П.Е. Корнилов, С.В. Коровкевич, Н.Н. Пунин и другие деятели искусств. В статье проанализирована деятельность газеты, критические статьи того времени и отражение в них культурной парадигмы эпохи, дана оценка творчества отдельных представителей отечественного искусства.
Abstract
In the 1930s–1950s, there existed a truly unique publication in Leningrad – the newspaper “For Socialist Realism”, which was the official organ of the All-Russian Academy of Arts and later became the organ of the Academy of Arts of the USSR. It was also the press organ of The I.E.Repin Institute of the Academy of Arts of the USSR. It was published from 1934 to 1941, then its publication resumed in 1945 and continued until 1954. The newspaper’s pages reflected all the major events of the Academy during this period, connected both to the cultural strategies of the Soviet state and the internal life of the Academy. Artistic and critical issues were discussed in various publications by art historians, artists and educators. Among the authors of this time featured in the newspaper were I.I. Brodsky, A.M. Gerasimov, E.F. Gollerbach, I.E. Grabar, S.K. Isakov, B.V. Ioganson, A.L. Kaganovich, P.E. Kornilov, S.V. Korovkevich, N.N. Punin etc. This article analyzes the newspaper’s activity, critical articles of that time, their reflection of the cultural paradigm of the era, and provides an assessment of the work of individual representatives of Russian art.
Для цитирования:
Грачева С.М. Художественная критика на страницах газеты «За социалистический реализм» // Academia. 2023. №. 3. С. 326–340. DOI: 10.37953/2079-0341-2023-3-1-326-340
Обзор новейших источников по истории ленинградской школы живописи
Аннотация
В статье рассматриваются публикации последних лет российских и зарубежных авторов, включая монографии, статьи и рецензии, посвященные дискуссионным вопросам истории и художественного наследия ленинградской школы живописи. Дается критика некоторых подходов к определению понятия ленинградской школы живописи, истории бытования и круга принадлежавших к ней художников в трудах российских исследователей. Рассматриваются некоторые актуальные проблемы сохранения, изучения и экспонирования художественного наследия мастеров ленинградской школы из музейных и личных собраний.
Abstract
Based on a review of publications of recent years by Russian and foreign authors, the paper reveals trends in Leningrad painting in the 1960s and the role of its representatives such as L.V. Kabachek, E.E. Moiseenko, I.A. Serebryany, N.E. Timkov, N.M. Pozdneev, A.A. Mylnikov, L.A. Rusov, S.I. Osipov and others in shaping the image of Leningrad art. Criticism of approaches to the definition of the concept of the Leningrad school of painting, the history of existence and the circle of its artists in the works of Russian researchers is given. The actual problems of preserving, studying and exhibiting the artistic heritage of the masters of the Leningrad school of the 1960s from museum and personal collections are considered.
Для цитирования:
Логвинова Е.В. Обзор новейших источников по истории ленинградской школы живописи // Academia. 2023. № 3. С. 354–365. DOI: 10.37953/2079-0341-2023-3-1-354-365